Las raíces del folclore brasileño se remontan al pasado lejano de los tres pueblos que formaron el núcleo de la nación brasileña moderna: los portugueses, los indios y los negros. El arte popular de los brasileños fusionó artes populares de formas tan diferentes como el arte de los indios tupi-guaraníes, los negros bantúes, los sudaneses y los habitantes de la Península Ibérica. Sin embargo, no se puede suponer que el folklore brasileño sea una simple mezcla de leyendas indias, cuentos africanos y parábolas e historias portuguesas. El suelo brasileño tiene su propio folklore original asociado con el modo de vida brasileño y la naturaleza de este país. Para el folclore brasileño, las obras de arte popular de indios, negros y portugueses sirvieron como un lienzo en el que el pueblo brasileño bordó un hermoso patrón que encarnaba los reflejos de los fuegos indios y el gran anhelo de libertad de los esclavos negros y el miedo. de los primeros colonos europeos de la naturaleza inaccesible de Brasil.

El amor de los indios por la naturaleza se refleja en el folclore brasileño. Los héroes de muchas leyendas brasileñas hablan en un lenguaje caracterizado por frecuentes comparaciones de las acciones, aspiraciones e impulsos humanos con los fenómenos naturales y sus elementos. Un excelente ejemplo de este tipo de trabajo es la leyenda del Noreste, procesada por José de Alencar, llamada “Iracema” (que en lengua tupí significa niña de labios de miel). El discurso figurativo característico de muchas leyendas de origen indio refleja la cosmovisión característica de los indios que habitaban Brasil. La naturaleza circundante fue para ellos una dura escuela, en la que aprendieron mucho. Los indios aprendieron muchas cosas útiles al observar los hábitos de los animales y aves del bosque. De ahí la variedad de cuentos que alaban la sabiduría de varios animales. La tortuga jaboti es especialmente popular en los cuentos de hadas brasileños por su inteligencia y astucia. Es similar a la zorra rusa Patrikeevna. Jaboti es más astuta que todos los animales del bosque, incluso el jaguar le tiene miedo, el espíritu maligno del bosque de Kaypora no puede desentrañar sus planes. El ingenio de la gente se refleja en las acciones y palabras de la sabia tortuga. El ciclo de cuentos de Jabotie es un valioso tesoro del folclore brasileño.

Los cuentos brasileños de origen negro son muy diversos y coloridos. Muchos de ellos tienen sus prototipos en la costa africana. Inicialmente, estos cuentos eran comunes sólo entre los esclavos negros que trabajaban en las plantaciones de azúcar y las minas de Brasil. Posteriormente, penetraron en la población mestiza del país, es decir mestiza, mulata, cafusa, y finalmente pasaron a ser propiedad nacional.

Muchos cuentos africanos han cambiado mucho en suelo brasileño, influenciados por otras formas del folclore brasileño. Como resultado, algunos de ellos, hasta hace poco, fueron catalogados como cuentos de origen indio, hasta que se encontraron sus dobles, circulando por la costa africana. Un ejemplo es el cuento “La tortuga de agua y el lagarto” (muy común en el estado de Sergipe); Cuenta la historia de cómo la tortuga Kagado, con ayuda de su astucia, logró montar sobre un lagarto. Este cuento brasileño está basado en el cuento “La tortuga y el elefante”, común entre los pueblos de la Costa de los Esclavos en África.

Los etnógrafos brasileños Silva Campos y Nina Rodrigues publicaron colecciones de cuentos bahianos. Los personajes principales en ellos son la tortuga sabia, el kimbungo, un mono cuya boca se encuentra en su espalda, y la araña Anansi. Estos cuentos tienen mucho en común con los cuentos de los pueblos de África.

La época de las campañas en el interior de Brasil dio origen a una serie de leyendas sobre el origen de ciertos ríos, montañas y cascadas. En estas leyendas, la realidad se entrelaza con los cuentos de hadas; combinaron las impresiones de los viajes de los bandeirantes y los mitos de las tribus indias que encontraron los participantes de las campañas. Estas leyendas glorifican y espiritualizan la exuberante naturaleza de la tierra brasileña. Tal es, por ejemplo, "La leyenda de la montaña de dos hermanos", que cuenta cómo dos valientes guerreros indios se convirtieron en dos rocas cerca del arroyo de un río. Por cierto, en Brasil muy a menudo los nombres geográficos se asocian con ciertas leyendas e historias de origen indio.

Muchos representantes de la literatura brasileña en sus obras recurrieron al rico y diverso folclore de su país. Esto hay que decirlo especialmente de los inspiradores de la escuela indianista, el poeta Gonçalves Díaz (1823-1864) y el novelista José de Alencar (1829-1877), que rompieron tajantemente con la literatura portuguesa tanto en contenido como en forma. En las mejores obras de Alencar, que incluyen “Guarany” e “Iracema”, las historias del pueblo brasileño sobre su tierra y la heroica lucha de las tribus indias por la libertad tomaron la forma de una novela. Entre las obras de Gonçalves Díaz se destacan “Canción de Tamoyo”, “Yo-escarabajo-Pirama” y el poema “Timbiras”, que narran la vida, costumbres, lucha y sufrimiento de los indios brasileños. El mayor poeta brasileño Castro Alves (1847-1871) también se inspiró en las fuentes inagotables del arte popular. Sus obras reflejaron la lucha de los negros brasileños contra el yugo de la esclavitud. La poesía y el activismo social de Castro Alves contribuyeron a la abolición de la esclavitud en Brasil. La obra de los escritores progresistas modernos de Brasil está indisolublemente ligada al pueblo: Jorge Amado, Graciliano Ramos, Monteiro Lobato. Sus obras, dedicadas a los problemas nacionales actuales, son profundamente nacionales e imbuidas del espíritu de patriotismo.

Música, baile, vacaciones.

Entre los indios que habitaban Brasil estaban muy extendidas la música de baile y los cantos de guerra, en los que se glorificaban las hazañas de los líderes. Ya los primeros misioneros notaron el amor y la inclinación de los brasileños por la música. En uno de los documentos del siglo XVI. se dice, por ejemplo, que “los indios en general son muy musicales y les encanta bailar, especialmente los indios de la tribu Tamoyo, quienes se distinguen por su capacidad para componer nuevas melodías”. El francés Léry, que visitó Brasil en 1556 y escribió el libro “La historia de un viaje por Brasil”, cita las melodías de varias canciones indias. Leri escribe que una vez tuvo la oportunidad de escuchar una canción muy melódica. Esta canción, interpretada por 600 personas, duró aproximadamente dos horas y fue interrumpida varias veces por bailes.

La música de las danzas y canciones rituales, militares y de caza de los indios sin duda influyó en la naturaleza de la música folclórica de Brasil. La música negra lo influyó aún más. Es especialmente interesante lo de los instrumentos musicales que componen la orquesta negra. Al principio, los instrumentos más originales de esta orquesta eran los siguientes: atabaque o tambaque, un tipo especial de tambor con un fuerte crujido; kanza: un tubo de caña con agujeros, relleno en ambos extremos con trozos del mismo material.

También había un matungo, algo así como una copa redonda de madera tachonada con finas varillas de hierro.

El tambor es hasta el día de hoy el instrumento favorito de los negros brasileños. Al principio predominó su forma rectangular, pero posteriormente los negros comenzaron a fabricar tambores de diversas formas y tamaños. Así, por ejemplo, ahuecaron el tocón de un árbol por dentro, dejando solo una fina capa de madera y corteza, y cubrieron su extremo superior con cuero. Dicho tambor se golpeaba con palos o se golpeaba con los nudillos cerrados en un puño. En Maranhão se generalizó el tambor-onga, es decir, “tambor de jaguar”. Las fibras de palma de burití se estiran dentro de dicho tambor. Al jugar, se pasa una mano envuelta en algodón sobre ellos de forma lenta pero con fuerza. Al mismo tiempo, el instrumento produce un sonido sordo muy fuerte, similar al rugido de un jaguar y audible a gran distancia. Este tipo de tambor suele ser tocado por dos personas, combinando el sonido sordo de las cuerdas del burití con el sonido de la piel vibrante estirada encima. Según testigos presenciales, a los oyentes se les hiela la sangre en las venas al oír el sonido de los tambores. También es muy interesante el instrumento conocido como urucingo, originario de Angola. Se trata de un arco musical, encordado con una cuerda fuerte, que se hace vibrar mediante un palo especial. Una copa de paredes delgadas está suspendida del arco de abajo y sirve como una especie de resonador.

En las orquestas de batucajes que acompañan las fiestas negras de Bayeux juega un papel importante un instrumento llamado xaque-xaque, junto con el tambor, el tambaque y el kanza; fue traído al Brasil por los negros ~Jezhe y Nago y es una calabaza vacía cubierta con una red de fibras retorcidas; Se colocan cuentas grandes en los nodos de la cuadrícula. Shake-shake se lanza de una mano a otra como una pandereta, mientras emite un sonido fuerte que recuerda al crujido de un cascabel. El nombre en sí parece reproducir su sonido.

Con el tiempo, surgieron tres formas principales en la música folclórica brasileña, que se diferenciaban entre sí no sólo por la melodía y el ritmo, sino también por el origen.

Los portugueses trajeron a Brasil sus canciones tristes modas, solas y serranillas, que se cantaban con acompañamiento de violas. Estas canciones fueron los antepasados ​​​​de la modinha brasileña, una melodía popular con la que generalmente se cantan coplas líricas o de actualidad. Los ritmos de baile brasileños, llamados colectivamente dundochen, están fuertemente influenciados por la música negra. Al mismo tiempo, los motivos de danza y canto, unidos bajo el nombre de tirrana, gravitan hacia los bailes boleros españoles, interpretados con el acompañamiento de una guitarra y castañuelas.

Como resultado de la interacción de la cultura musical de los colonos europeos y la creatividad musical de negros e indios, la música brasileña adquirió su brillo y diversidad característicos. En Brasil, les encantan las canciones tristes y ligeramente monótonas de los caboclos del noreste, las bravuras marchas de carnaval y las alegres cancioncillas desafiantes*, que suelen adoptar la forma de diálogo.

Los ritmos de danza brasileños (samba y batuke, interpretados por pequeñas orquestas de instrumentos de percusión) son muy originales en su sonido y diseño. Ambas formas musicales llevan la huella de la música negra. Tienen su origen en danzas traídas a Brasil por esclavos negros traídos de la costa occidental de África. La música negra experimentó los cambios más significativos en el estado de Maranhão, donde estuvo fuertemente influenciada por la creatividad musical india y portuguesa. Este estado puede considerarse el antepasado de la propia samba brasileña.

Canciones, danzas y motivos populares coloridos y originales tienen una gran influencia en el desarrollo de la música nacional brasileña moderna. Hasta hace relativamente poco tiempo, los compositores brasileños escribían su música según modelos clásicos europeos, sin reconocer las canciones populares de su país. El crítico de arte brasileño Guilherme Mello lamentó que Brasil aún no haya tenido su propia Glinka y su propio Grieg. Ahora la situación ha cambiado un poco. En Brasil aparecieron compositores que supieron traducir brillantes motivos folclóricos en obras sinfónicas fundamentales. Los compositores brasileños más importantes son Vila Lobos y Camargo Guarnieri. Obras de Camargo Guarnieri como su “Tercera Sinfonía”, donde suena el tema solemne indio “Teiro”, son profundamente nacionales; “Segundo Concierto para piano”; "Flor de Tremembe" y otros.

Brasil es famoso por su variedad de danzas folclóricas. Por ejemplo, los bailes masivos realizados con el acompañamiento de violas, violans de arme y generalmente acompañados de palmas son muy populares en el país. En Río de Janeiro, estos bailes se llaman gaiba, y en Minaya Gerais, cashereto (los nombres provienen del vocabulario de los indios tupí-guaraní, aunque el baile en sí tiene un carácter más cercano a los bailes negros). Muchos bailes brasileños son escenas breves e improvisadas de la vida del pueblo. Tales son, por ejemplo, las “Danzas del Pastor”, de las cuales podemos nombrar “Danza de los Cuatro Cazadores y el Viejo”, “Cazador”, “Cuatro Lados del Mundo”. En las danzas brasileñas llamadas gieganzas, los artistas representan escenas de la vida de los marineros. Los artistas, acompañados de música, realizan diversos movimientos con velas imaginarias, representan una batalla naval, etc. Estas danzas son un reflejo de las expediciones marítimas del primer período de colonización en Brasil. Sin embargo, las más llamativas y directamente relacionadas con la historia del pueblo brasileño son las danzas Quicumbres y Quilombos, en las que se reproducen con gran maestría las luchas entre esclavos fugitivos y castigadores. Otras danzas negras también son muy coloridas.

Cuando van a bailar, los negros suelen formar un círculo cerrado. Aquí, mezclados con todos los demás, están los músicos. Generalmente todos acompañan al bailarín, cantando y aplaudiendo. El intérprete, después de haber bailado su número, salta hacia alguien del círculo y, empujándolo hacia el centro, lo invita a continuar el baile. Así, por turnos, cada uno de los presentes participa en el baile. Pateando rápidamente en el lugar, los bailarines se esfuerzan por reproducir con sus movimientos el ritmo musical del acompañamiento. Todo el baile se desarrolla a un ritmo rápido.

Como se mencionó anteriormente, muchas danzas de los negros brasileños llevan el nombre de los instrumentos con los que se interpreta uno u otro de ellos. Estos nombres suelen ser de origen puramente africano: como candomblé, batuque, batucajos en Bahía, así como la danza maracatu, muy extendida en Alagoas y Pernambuco. Con el tiempo, las palabras batuke y candomblé comenzaron a usarse para describir bailes negros, fiestas y procesiones en general.

Originales y dinámicas son las danzas cómicas negras: kbngos y tayoras, que se representan con mayor frecuencia durante la festividad del “Señor Nosa do Rosario”. Durante estos bailes, un grupo de negros protege a tres niñas vestidas de “reinas” del ataque de otro grupo. Los atacantes intentan arrancar a las reinas sus coronas de broma. El que logre hacer esto se considera ganador. juegos. En el Nordeste, especialmente en el estado de Alagoas, la danza kbko es muy popular entre la gente. Lo realizan numerosas parejas de niños y niñas formando un círculo. Este baile es muy rápido y se acompaña tocando el kanza. Bailar canciones también es popular entre los brasileños. Algunas de ellas se llaman Cantigas da Rua. Para realizarlos, niños, niñas y adolescentes forman un gran círculo. El cantante y uno de los participantes del baile se encuentran en el centro del círculo. El cantante se dirige a ella con sus versos, mientras él no para de bailar, y el círculo de bailarines intenta reproducir sus movimientos.

Muchas de las danzas enumeradas anteriormente se suelen realizar durante festivales folclóricos. La mayoría de las festividades brasileñas están relacionadas en origen con las festividades religiosas católicas. Esto es comprensible. Durante siglos, la vida pública del país estuvo dominada primero por los colonos portugueses y luego por la nobleza local, los señores de los ingenios y las haciendas, para quienes la religión católica era uno de los apoyos más fuertes. Como resultado, los indios o los negros de alguna manera se vieron privados de la oportunidad de celebrar sus fiestas tradicionales. Sin embargo, las fiestas católicas en sí no escaparon a la influencia de las tradiciones negras e indias; muchos de ellos, habiendo perdido su significado original, cambiaron de forma y se llenaron de nuevos contenidos relacionados con las condiciones de vida específicas de los brasileños.

El día festivo más popular en Brasil, especialmente en las ciudades, es sin duda el carnaval asociado a la Maslenitsa católica, que precede a la Cuaresma cristiana. Se celebra durante tres días, desde mediados hasta finales de febrero. Al mismo tiempo, se organizan celebraciones masivas y procesiones de mimos. Los llamados clubes de carnaval organizan espectáculos al aire libre. Suena samba en las calles. Grupos de niños y niñas cantan canciones de actualidad; Las procesiones recorren las calles cantando y bailando al son de las marchas de carnaval. Por la noche hay espectáculos de fuegos artificiales. Cabe señalar que el carnaval brasileño tiene una influencia negra muy fuerte. Esto se siente en la música, en el baile y en las máscaras que aparecen en el festival. Durante mucho tiempo, la parte reaccionaria de la intelectualidad brasileña intentó luchar contra la influencia negra. Periódicos brasileños de principios del siglo XX. lleno de ataques contra negros y mulatos, quienes fueron incluidos en el carnaval con su candomblé (tradicional procesión festiva de negros). Los racistas pidieron a la policía que prohibiera a los negros realizar sus bailes y canciones durante el carnaval. Sin embargo, la vida ha demostrado que es imposible destruir las tradiciones populares mediante medidas policiales. La música negra, los bailes, los personajes de cuentos de hadas y una serie de costumbres de origen indio forman ahora parte integral del carnaval brasileño. Y por eso el carnaval brasileño es tan original y colorido.

El Carnaval de Río de Janeiro es famoso por su especial alcance y nacionalidad. Si en otras ciudades, por ejemplo en Sao Paulo, la celebración del carnaval se lleva a cabo principalmente en clubes y bailes, en Río las calles y plazas se convierten en el escenario de la celebración. Aquí es donde, como les gusta decir a los brasileños, “la gente le da un espectáculo a la gente”. El carnaval tiene un gran impacto en la vida social y la creatividad artística en Brasil. Especialmente grande es la influencia del carnaval en el desarrollo de la cultura musical.

Desde 1910-1913 Para el carnaval se escriben obras musicales especiales: marchas carnavalescas, sambas, canciones cómicas y líricas. Hasta 1930, los propios compositores interpretaban sus obras antes del carnaval en clubes de carnaval o organizaban concursos musicales durante el carnaval y conseguían el reconocimiento del público en las calles y plazas. A partir de 1930, la radio invadió las celebraciones del Carnaval. Durante el carnaval se grabaron y distribuyeron cientos de melodías. La música de carnaval se convirtió en un tema de negocio. Los beneficios de una exitosa canción de carnaval alcanzaban en ocasiones los 300.000 cruzeiros. Con la esperanza de tener buena suerte, cada vez más músicos participan en los concursos de carnaval. Es característico, por ejemplo, que en 1918 sólo se escribieran ocho obras para el carnaval, en 1930 ya eran 130, y ahora su número llega a 500 o más en un año. Paradójicamente, la instauración de premios municipales a la mejor obra repercutió negativamente en el carnaval. Esto creó un revuelo insalubre. Los empresarios buscan sobornar a los miembros del jurado. A menudo se trata de vencer a los participantes de las comisiones del concurso. Muchos compositores brasileños afirman con razón que una buena canción será apreciada por el propio pueblo sin medidas artificiales: esto se expresará en el hecho de que será cantada en las calles. Por cierto, muchas figuras musicales brasileñas se oponen al uso de potentes equipos de radio durante el carnaval. Señalan que los altavoces colocados por las calles ensordecen a la multitud; Tal o cual canción se impone a los participantes del carnaval. Después de todo, la gente sale a la calle no para escuchar programas preparados, sino para cantar, bailar y crear melodías. Es típica la temática de cantos y marchas de carnaval. Antes del reinado del dictador Presidente Vargas, la sátira política era muy popular. La gente ridiculizaba a los políticos, sus intrigas y negocios con canciones y cancioneros. Desde los años 30 del siglo XX. las autoridades prohibieron ridiculizar públicamente a figuras políticas; Desde entonces, los creadores de canciones sólo pueden elogiar a gobernantes y ministros. Pero esto no corresponde al espíritu del carnaval. Recientemente, los motivos sociales han vuelto a penetrar en el tema del carnaval. Los llevan los residentes de los barrios más pobres de la ciudad: favelas y suburbios.

La mayoría de los compositores y músicos brasileños admiten que el Carnaval ha cambiado mucho en los últimos años; sin embargo, a pesar del deseo de las autoridades de introducirlo en un marco oficial, el carnaval sigue siendo una fiesta nacional. Es especialmente significativo que, si bien la influencia destructiva de Estados Unidos en la vida cultural de Brasil, incluida la cultura musical, es significativa, el carnaval ha sufrido la menor influencia extranjera y continúa manteniendo su originalidad. Es en el carnaval donde los brasileños invierten sus mejores tradiciones nacionales y lo aprecian como un tesoro nacional.

En los pueblos y plantaciones de Brasil son populares las procesiones llamadas tperno y rancho. Estas son variedades de la misma festividad.

La parte más próspera de la población rural suele participar en el terno. Los participantes del terno, vestidos de blanco, retratan a pastores y pastoras.

Acompañados de tres o seis músicos, van de casa en casa, cantan a las puertas, bailan valses y polcas y comen con los dueños de las casas.

Rancho es más popular. Su composición es más variada que la del terno. La orquesta que acompaña al rancho está formada por instrumentos verdaderamente folclóricos: viola, violan, kanza. Los participantes se disfrazan de diferentes animales, que son conducidos por pastores simbólicos a la lapingya (un corral decorativo para el ganado construido especialmente para este fin). El rancho va de plantación en plantación. Paralelamente se realizan diversas danzas, principalmente negras. El primero en llegar al corral improvisado recibe una rama verde. En el rancho es especialmente evidente la mezcla típica brasileña de costumbres tradicionales de las tres etnias diferentes que formaron el pueblo brasileño. Por su origen, el rancho está asociado a la festividad navideña; pero las escenas que se desarrollan en él, los trajes de los participantes, los bailes y las canciones gravitan hacia la mitología del folclore negro-indio.

El culto a los tereiros está muy extendido en Brasil. Las ceremonias de los tereiros combinan de manera sorprendente los ritos religiosos de los pueblos de África y los indios con el catolicismo popular. Estas ceremonias en cada rincón de Brasil tienen su propio nombre especial: kitimbo en las regiones del norte, macumba en Río de Janeiro, xango en Pernambuco, candombleu en Bayeux. A menudo, las autoridades impiden que se celebren tereiros y los participantes se ven obligados a reunirse en secreto. La escritora brasileña Zora Braga, que logró visitar un terreiro tan secreto en las afueras de Río de Janeiro, describe así las vacaciones.

La víspera de la festividad, los creyentes se abren paso por las calles oscuras hasta las puertas del terreiro. (Anteriormente tereiro era el nombre que se le daba al patio frente a la hacienda, donde se suponía que bailaban los esclavos; posteriormente, se empezó a llamar tereiro a cualquier salón donde se celebraban fiestas folclóricas religiosas de origen negro). La ceremonia comienza con la “Madre de Todos los Santos”. Abre la puerta de la habitación reservada a la deidad Exu y enciende las velas. Una de las "hijas de todos los santos" (una mujer que participa de los sacramentos) y una de Oga (un hombre que participa de los sacramentos) traen una cabra negra. Los creyentes confían sus deseos secretos al oído de la cabra, con la esperanza de que así el propio Eksyu los escuche. La “Madre de Todos los Santos” comienza a cantar un himno. A continuación se mata al animal sacrificado. También se realizan sacrificios a otras deidades. Las imágenes de la deidad (orisha) corresponden a iconos cristianos. San Jorge, también conocido como Ogum (la deidad del hierro, señor de los caminos), es venerado como el jefe, el padre de la ceremonia. Probablemente se trate de una imagen modificada de la deidad nigeriana del hierro y la guerra, Ogun. Xango, el señor del trueno, también conocido como San Jerónimo, también es venerado como gobernante de Tereiro. Obviamente, esta es una imagen modificada del dios del trueno nigeriano Shango. Después de cantar a las deidades, los presentes comienzan a glorificar las virtudes de los “viejos negros”, es decir, los antepasados, los esclavos negros. Antes de la festividad, durante la Cuaresma, todo el terreno del terreiro está salpicado de pipas, sombreros de paja, cuchillos que pertenecieron a los “negros viejos” y está cubierto de dibujos hechos con tiza. La “Madre de Todos los Santos” cae en trance y llama a los “negros viejos” a visitar el tereiro. Los jóvenes cantan himnos, las mujeres preparan sacrificios hasta la noche. Al anochecer, las “hijas” y los creyentes distribuyen platos y vasijas con comida para el sacrificio. Los obsequios destinados a Exue se encuentran en una encrucijada; al dios Agun - a la orilla, a Ogum el guardabosques - a la espesura, a Xango - a la cantera, etc. Todas estas ceremonias se realizan en secreto.

Las vacaciones para los amigos de Tereiro comienzan recién al anochecer. Los presentes cantan salmos y las “hijas” realizan oritas. Tanto los cantos como las danzas se desarrollan en un orden predeterminado y de acuerdo con el grado de parentesco entre los dioses. El baile continúa hasta la hora del almuerzo. Luego los creyentes se sientan alrededor de enormes calderos, que Oga coloca previamente en medio del tereiro, y cada uno recibe su parte. Sólo los hombres tienen derecho a comer la carne de chivo sacrificada por Exu, las mujeres comen la gallina “Pomba Sira”.

Con las primeras luces del alba, las vacaciones se calman un poco. Las madres despiertan a sus hijos, que entretanto se han quedado dormidos, y los maridos empiezan a discutir con sus esposas que no quieren volver a casa.

Los “viejos negros” que “poseyeron” a los médiums “ascienden de nuevo al cielo” después de bailar a sus anchas, comer, fumar, beber y dar a todos sus consejos.

Y finalmente suena la canción que concluye las vacaciones:

"Mensajero de los dioses,

Ábreme el camino y cierra el terreiro…”

A pesar de la prohibición, los tereiros son muy comunes en Brasil. Las raíces del tereiro se remontan al pasado lejano del pueblo brasileño, cuando las danzas y cantos rituales eran casi el único medio para preservar las tradiciones de negros e indios.

Zora Braga cuenta la historia del dueño de una casa de Belemo (estado de Pará), donde se representaban tereiros. Esta historia revela perfectamente las razones de la persistencia del tereiro y otras fiestas folclóricas en Brasil.

“Nuestro culto”, dice el dueño del terreiro, “se originó en Maranhão. Mis antepasados ​​eran esclavos de una tal Anna Jansen, una mujer blanca que se distinguía por una crueldad inaudita. Cuando ella bajaba del barco, todos los esclavos debían tumbarse directamente en el barro para que ella pudiera bajar sobre ellos, como en una pasarela. Cada hombre negro tenía su propio número grabado en la espalda. Si alguien se atrevía a moverse, era torturado y asesinado.

El único consuelo para los esclavos era la realización del culto, que realizaban al amparo de la oscuridad de la noche al otro lado del río...

Una vez la señora escuchó sus canciones y le preguntó a su sirvienta qué eran esos extraños ritmos.

Éstas son nuestras danzas africanas, señora”, respondió el criado.

La anfitriona quiso mirar más de cerca. Si le agradaban, declaró, permitiría a los esclavos bailar frente a la hacienda. De lo contrario, ordenará que los azoten. Los dioses se apiadaron del tormento de los negros y no dejaron que (la mujer blanca) entendiera qué tipo de baile eran. Así, los esclavos podían realizar abiertamente sus rituales y se los enseñaban a sus hijos."

Describamos otra festividad muy interesante desde el punto de vista etnográfico, que surgió directamente en suelo brasileño bajo la influencia de la larga y persistente lucha de los negros brasileños por su liberación. Esta festividad, llamada quilombo, es característica principalmente del Nordeste, pero también se encuentra en algunos estados centrales de Brasil. El recuerdo de la heroica defensa de la “República de Palmares”, vivida entre el pueblo brasileño, contribuyó al surgimiento de esta festividad. Para llevarlo a cabo se construía en la plaza central de un pueblo o ciudad un reducto de postes, decorado con ramas de palma y hojas de plátano. De las ramas colgaban banderas y manojos de frutas. En el centro de la empalizada se construyeron dos “tronos” tejidos con ramas. Uno permaneció vacío y el otro estaba ocupado por un “líder” vestido con una blusa blanca y una capa azul echada al hombro. Los negros, vestidos con ropas azules, bailaron al son de la kanza y otros instrumentos y cantaron canciones con el siguiente contenido:

“Baila, negro,

El blanco no vendrá aquí

Y si viene,

Lo golpearán con palos".

Luego, con gritos guerreros, los negros se dispersaron por el pueblo y, mediante diversas maniobras, robaron el ganado a los propietarios. Todo el ganado robado era llevado al quilombo, donde se realizaba el cómico comercio de animales. Los propietarios recuperaron sus animales después de pagar unas pequeñas monedas como rescate. Después de esto, el “líder”, liderado por negros, fue en busca de la “princesa”, una niña vestida de blanco. La colocaron en un “trono” de mimbre y los cantos, bailes y cantos continuaron hasta el mediodía, cuando solían aparecer los primeros exploradores “enemigos”, vestidos con capuchas de plumas y armados con arcos y flechas. Los negros comenzaron a prepararse para la “batalla”. Después de un tiempo, aparecieron las fuerzas principales del "enemigo", encabezadas por un comandante vestido con una capa roja. En la plaza tuvo lugar una “batalla”, tras la cual los negros se retiraron al centro de la empalizada, que fue destruida por el “enemigo”. La festividad terminó con la “venta” de negros “capturados”. Como puede ver, la festividad básicamente reproduce la historia y muerte de los hombres libres negros de Palmares.

Conga (español: conga)
Instrumento de percusión de origen africano. Un tipo de tambor cilíndrico con un cuerpo que se estrecha hacia abajo. La altura del instrumento es de 70 a 80 cm. El sonido se produce con los dedos y las palmas de ambas manos. Ampliamente distribuido en América Latina.

djembé
Tambor de África occidental en forma de copa con un fondo estrecho y abierto y una parte superior ancha, sobre el cual se estira una membrana de cuero, generalmente piel de cabra. En términos de forma, pertenece a los llamados tambores en forma de copa y, en términos de producción de sonido, a los membranófonos. Tocan el djembé con las manos.

darbuka
Un antiguo instrumento musical de percusión de tono indefinido, un pequeño tambor, muy extendido en Oriente Medio, Egipto, los países del Magreb, Transcaucasia y los Balcanes. Tradicionalmente hechas de arcilla y piel de cabra, las darbukas de metal ahora también son comunes.

bongs
Instrumento musical de percusión. Es un pequeño tambor doble. Los tambores tienen diferentes tamaños. El tambor más grande está afinado más bajo que el más pequeño. Tocan el bongo mientras están sentados, sosteniendo el bongo entre sus piernas.

Surdo (puerto. Surdo)
Bombo brasileño. Utilizado en batukada y durante los carnavales.

Pandeiro (puerto Pandeiro)
Instrumento musical de percusión utilizado en Sudamérica, Portugal y otros países. El instrumento se toca como una pandereta: golpeando la membrana, sacudiendo todo el instrumento. El pandeiro se diferencia del pandero por su posibilidad de personalizarse.

Pandereta (pandereta francesa)
Instrumento musical de percusión. Consta de un aro y la parte que suena del instrumento son los platillos de metal que se le atribuyen. La forma de la pandereta puede ser un círculo o un semicírculo. Las panderetas modernas pueden tener cualquier forma (por ejemplo, forma de estrella).

Berimbau (puerto. Berimbau)
Instrumento musical de percusión de una sola cuerda originario de Brasil. El origen del berimbau no está del todo establecido, pero lo más probable es que tenga raíces africanas. Berimbau está estrechamente asociado con el arte marcial brasileño de la capoeira y también forma parte de la tradición del Candomblé.

Kashishi (puerto caxixi)
Instrumento musical de percusión en forma de cesta con fondo plano. Es de origen africano, pero también es muy conocido en Brasil. El instrumento consta de una o dos cestas tejidas con paja, en cuyo interior se vierten granos u otros objetos pequeños.

Shaker (coctelera inglesa - "sacudir" - agitar)
Se utiliza para crear ritmos y darle a la música un sonido original. Es un contenedor cerrado parcialmente lleno de pequeños contenidos a granel. Los agitadores tienen una variedad de tamaños, formas y apariencias: cilindro, bola, huevo, etc.

maracas
Instrumento latinoamericano de origen indio. Son bolas huecas con mango y rellenas de guijarros, perdigones, guisantes o arena. Las maracas se sujetan por el mango y se agitan cuando se tocan, creando así un sonido fuerte y crujiente.

Güiro (español: güiro)
Instrumento musical latinoamericano elaborado con los frutos del árbol de la calabaza, con serifas aplicadas a la superficie. Los güiros modernos suelen tener la forma de un tubo de metal con muescas. El jugador de güiro mueve un raspador de pua a lo largo de él, produciendo un chirrido característico.

A-go-go (port. A-go-go)
Instrumento folclórico brasileño formado por dos o tres bloques multitonales. Agogo está hecho de metal o madera, lo que le da a los bloques la forma de una campana de oveja sin lengua. Agogo se utiliza tradicionalmente para crear la base del patrón rítmico de la samba y la capoeira.

Bloquear
Uno de los instrumentos de percusión más antiguos y difundidos. Producen un característico sonido de “clic”, cuyo color varía según el diseño y el material del bloque. Los bloques están muy extendidos tanto en la música orquestal como en la música folclórica de América del Sur, el Lejano Oriente y África.

Cencerro (ing. Cencerro - cencerro)
Instrumento musical de percusión, es un prisma metálico cuadrangular con la cara frontal abierta. Tiene un sonido agudo, penetrante y bien legible. Utilizado en géneros de danza de origen latinoamericano; así como en la música popular y la música rock.

Flexaton (alemán: Flexaton)
Instrumento de percusión con sonido propio de caña. Construido en la década de 1920. Consiste en una lengüeta, una delgada placa de acero montada sobre un marco de alambre con un mango; A ambos lados de la placa, se unen 2 varillas opuestas con bolas en los extremos. Cuando se toca, emite un sonido resonante, algo parecido a un aullido.

Información básica Agogo es un instrumento musical de percusión popular brasileño, que consta de dos cascabeles de oveja de diferentes tonos sin lengua, conectados por un mango curvo de metal. Hay diferentes variaciones de agogo. Por ejemplo, con tres campanas; o agogos, fabricados íntegramente en madera (también con dos o tres cascabeles). El patrón rítmico interpretado por los intérpretes de agogo es la base de la estructura polirrítmica de la samba de carnaval brasileña.

Información básica Asatayak es un antiguo instrumento musical de percusión kazajo y turco. La forma se asemeja a un bastón o bastón con una cabeza plana, decorado con adornos y anillos y colgantes de metal. Asatayak tenía un sonido abierto y agudo. Para mejorar el sonido del instrumento, los dólares usaban konyrau, campanas que estaban unidas a la cabeza del asatayak. Al agitar el instrumento, el konyrau complementaba el sonido con un timbre metálico. Y asatayak,

Información básica Ashiko es un instrumento musical de percusión de África occidental, un tambor en forma de cono truncado. Tocan el ashiko con las manos. Origen Se considera que la patria de Ashiko es África occidental, presumiblemente Nigeria, el pueblo yoruba. El nombre se traduce con mayor frecuencia como "libertad". Los Ashikos se utilizaban para curar, durante rituales de iniciación, rituales militares, comunicación con los antepasados, para transmitir señales a distancia, etc. Tambores

Información básica Bania (bahia) es un instrumento musical de percusión bengalí, común en el norte de la India. Es un pequeño tambor unilateral con membrana de cuero y cuerpo de cerámica en forma de cuenco. El sonido se produce golpeando los dedos y la mano. Usado junto con tabla. Vídeo: Bania en vídeo + sonido ¡Muy pronto aparecerá en la enciclopedia un vídeo con este instrumento! Venta: ¿dónde comprar/pedir?

Información básica Bangu (danpigu) es un instrumento musical de percusión chino, un pequeño tambor de una cara. De la prohibición china - tabla de madera, gu - tambor. Hay una versión femenina de bangu y una versión masculina de bangu. Tiene un cuerpo de madera en forma de cuenco con paredes macizas, con el lado convexo hacia arriba. Hay un pequeño agujero en el medio del cuerpo. La membrana de cuero se extiende sobre la parte convexa del cuerpo.

Información básica Las campanas de barra son un instrumento musical de percusión con sonido propio relacionado con las campanas de viento tradicionales asiáticas. El instrumento fue introducido en uso por los percusionistas por el baterista estadounidense Mark Stevens, en cuyo honor recibió el nombre original de Mark Tree, que está muy extendido en Occidente. En Rusia, el nombre Bar Chimes es más común. Tubos metálicos de diferentes longitudes que forman el sonido del instrumento cuando se tocan entre sí.

Información básica, dispositivo El tambor es un instrumento musical de percusión, un membranófono. Distribuido entre la mayoría de los pueblos. Consiste en un cuerpo o marco de resonador cilíndrico hueco de madera (o metal), sobre el cual se estiran membranas de cuero en uno o ambos lados (ahora se utilizan membranas de plástico). El tono relativo del sonido se puede ajustar mediante la tensión de las membranas. El sonido se produce golpeando la membrana con un mazo de madera con punta blanda, un palo,

Conceptos básicos El boiran es un instrumento de percusión irlandés que se asemeja a una pandereta con un diámetro de aproximadamente medio metro (normalmente 18 pulgadas). La palabra irlandesa bodhran (en irlandés se pronuncia boron o boiron, en inglés - bouran, en ruso se acostumbra pronunciar boiran o boran) se traduce como "atronador", "ensordecedor" (y también "molesto", pero esto es sólo en algunos casos). Sostenga el boyran verticalmente, tocándolo de una manera específica con un palo de madera.

Información básica El tambor grande (bombo), también llamado a veces tambor turco o “bombo”, es un instrumento musical de percusión con un tono de sonido indefinido y registro bajo. Es un tambor: un cilindro ancho de metal o madera, cubierto con cuero por ambos lados (a veces solo por un lado). El sonido se produce golpeando un mazo con un parche enorme envuelto en un material denso. Si es necesario realizar complejos.

Conceptos básicos Bonang es un instrumento musical de percusión de Indonesia. Se trata de un conjunto de gongs de bronce, asegurados con cordones en posición horizontal sobre un soporte de madera. Cada gong tiene un bulto (penchu) en el centro. El sonido se produce golpeando esta convexidad con un palo de madera envuelto en el extremo con un paño de algodón o una cuerda. A veces, debajo de los gongs se suspenden resonadores esféricos hechos de arcilla cocida. Sonido

Información básica Bongo (español: bongo) es un instrumento musical de percusión cubano. Es un pequeño tambor doble de origen africano, que suele tocarse sentado, sujetando el bongo entre las pantorrillas de las piernas. En Cuba, el bongo apareció por primera vez en la provincia de Oriente alrededor del año 1900. Los tambores que componen los bongos varían en tamaño; el más pequeño de ellos se considera "masculino" (macho - macho español, literalmente

Información básica Una pandereta es un instrumento musical de percusión que consta de una membrana de cuero estirada sobre un borde de madera. Algunos tipos de panderetas tienen campanas de metal adheridas que comienzan a sonar cuando el intérprete golpea la membrana de la pandereta, la frota o sacude todo el instrumento. La pandereta es común entre muchos pueblos: la doira uzbeka; Armenio, azerbaiyano, tayiko def; tambores chamánicos con mango largo entre los pueblos

Información básica Una pandereta (pandereta) es un instrumento musical de percusión, un pequeño cascabel de metal (campana); Es una bola hueca con una pequeña bola sólida (varias bolas) en su interior. Se puede sujetar a arneses de caballos (“Troika con cascabeles”), ropa, zapatos, tocados (gorro de bufón), pandereta. Vídeo: Campana en vídeo + sonido ¡Muy pronto aparecerá en la enciclopedia un vídeo con este instrumento! Venta: donde

Información básica Bugai (Berbenitsa) es un instrumento musical de percusión por fricción con un sonido que recuerda al rugido de un Bugai. El bugai es un cilindro de madera cuyo orificio superior está cubierto con piel. Un mechón de crin está adherido a la piel en el centro. Utilizado como instrumento bajo. El músico, con las manos humedecidas con kvas, se tira del pelo. Dependiendo del lugar de contacto, el tono del sonido cambia. Bugay está muy extendido

Información básica El vibráfono (vibráfono inglés y francés, vibráfono italiano, vibráfono alemán) es un instrumento musical de percusión relacionado con los idiófonos metálicos con un tono determinado. Inventado en Estados Unidos a finales de la década de 1910. El instrumento tiene amplias capacidades virtuosas y se utiliza en jazz, en el escenario y en conjuntos de percusión, con menos frecuencia en una orquesta sinfónica y como instrumento solista.

Información básica Gaval (daf) es un instrumento musical de percusión popular de Azerbaiyán. Muy parecido al pandero y pandereta. Uno de esos raros instrumentos musicales que ha conservado su forma original hasta el día de hoy. El dispositivo Gaval es un borde de madera sobre el que se extiende piel de esturión. En las condiciones modernas, la membrana ghaval también está hecha de plástico para evitar la humedad. A

Información básica, estructura, estructura Gambang es un instrumento musical de percusión de Indonesia. Consiste en placas de madera (gambang kayu) o de metal (gambang gangza) montadas horizontalmente sobre un soporte de madera, a menudo profusamente decoradas con pinturas y tallas. El sonido se produce golpeando dos palos de madera con una cuerda plana en forma de arandela en los extremos. Se sostienen sin apretar entre el pulgar y el índice, los otros dedos

Información básica El género (gendir) es un instrumento musical de percusión de Indonesia. En gamelán, el género lleva a cabo un desarrollo variante del tema principal planteado por el gambang. El dispositivo Gender consta de 10-12 placas metálicas ligeramente convexas, fijadas en posición horizontal sobre un soporte de madera mediante cordones. De las placas se suspenden tubos resonadores de bambú. Las placas de género se seleccionan según la escala Slendro de 5 pasos.

Información básica El gong es un antiguo instrumento musical de percusión de una orquesta sinfónica, que es un disco de metal cóncavo relativamente grande suspendido libremente sobre un soporte. A veces se confunde erróneamente el gong con el tam-tam. Variedades de gongs Existe una gran cantidad de variedades de gongs. Se diferencian en tamaño, forma, carácter sonoro y origen. Los más famosos de la música orquestal moderna son los gongs chinos y javaneses. Chino

Información básica El Güiro es un instrumento musical de percusión latinoamericano, elaborado originalmente a partir del fruto del árbol de la calabaza, conocido en Cuba y Puerto Rico como "higuero", con serifas aplicadas en la superficie. La palabra "güiro" proviene de la lengua de los indios taínos que habitaban las Antillas antes de la invasión española. Tradicionalmente, el merengue suele utilizar el güiro metálico, que tiene un sonido más agudo, y la salsa.

Información básica Gusachok (ganso) es un inusual instrumento musical de percusión de ruido popular ruso antiguo. El origen del ganso es muy vago y ambiguo. Quizás también lo jugaban los bufones, pero en las copias modernas la jarra de barro (o “glechik”) se reemplaza por un modelo de papel maché de la misma forma. El ganso tiene parientes cercanos en diferentes países del mundo. Seamos realistas, todos los familiares son muy

Información básica Dangyra es un antiguo instrumento musical de percusión kazajo y turco. Era una pandereta: una diadema cubierta por un lado con cuero, en cuyo interior se colgaban cadenas, anillos y platos de metal. Tanto dangyra como asatayak eran atributos de los rituales chamánicos, por lo que no fueron muy utilizados en la vida musical del pueblo. Ya desde principios del siglo XIX, ambos

Información básica Darbuka (tarbuka, darabuka, dumbek) es un antiguo instrumento musical de percusión de tono indefinido, un pequeño tambor, muy extendido en Oriente Medio, Egipto, los países del Magreb, Transcaucasia y los Balcanes. Tradicionalmente hechas de arcilla y piel de cabra, las darbukas de metal ahora también son comunes. Tiene dos orificios, uno de los cuales (ancho) está cubierto con una membrana. Según el tipo de producción sonora, pertenece a

Información básica Una caja de madera o un bloque de madera es un instrumento musical de percusión. Uno de los instrumentos musicales de percusión más comunes con tono indefinido. El sonido del instrumento es un chasquido característico. Es un bloque rectangular de madera resonante y bien seca. En un lado, más cerca de la parte superior del bloque, se hace una ranura profunda de aproximadamente 1 cm de ancho. El instrumento se toca con madera o.

Información básica El djembé es un instrumento musical de percusión de África occidental con forma de copa con un fondo estrecho y abierto y una parte superior ancha, sobre la cual se extiende una membrana de cuero, generalmente piel de cabra. Anteriormente desconocido en Occidente, desde su “descubrimiento” ha ganado una enorme popularidad. En términos de forma, el djembé pertenece a los llamados tambores de copa y, en términos de producción de sonido, a los membranófonos. Origen, historia del Djembe.

Información básica Dholak es un instrumento musical de percusión, un tambor de madera con forma de barril y dos membranas de diferentes diámetros. Tocan el dholak con las manos o con un palo especial; Puedes jugar sentado con las piernas cruzadas, colocándolo sobre las rodillas, o de pie, ayudándote de un cinturón. La fuerza de tensión de las membranas se regula mediante un sistema de anillos y constricciones de cuerda. Dholak es común en el norte de la India, Pakistán y Nepal; muy popular

Información básica Un carillón es un instrumento musical de percusión que, mediante un mecanismo de reloj, obliga a una serie de campanas a tocar una melodía, del mismo modo que un eje giratorio pone en movimiento un órgano. Se utiliza a menudo en las iglesias, especialmente en los Países Bajos, en China ya se conocía en la antigüedad. El carillón se toca “a mano” mediante un teclado especial. Hay entre 600 y 700 carillones en el mundo. Músicos famosos

Información básica Las castañuelas son un instrumento musical de percusión que consta de dos placas de concha cóncavas unidas en la parte superior con una cuerda. Las placas se han fabricado tradicionalmente de madera dura, aunque en los últimos años se está utilizando cada vez más la fibra de vidrio. Las castañuelas están más extendidas en España, el sur de Italia y América Latina. Instrumentos musicales sencillos similares adecuados para el acompañamiento rítmico de la danza.

Información básica El platillo es un antiguo instrumento musical de percusión oriental, que consta de una placa de metal (cuenco), en medio de la cual se ataba un cinturón o cuerda para colocarlo en la mano derecha. El platillo se golpeaba contra otro platillo, que se llevaba en la mano izquierda, por lo que el nombre de este instrumento se usa en plural: platillos. Cuando los platillos golpean entre sí, emiten un sonido agudo. entre los judios

Información básica La clave es el instrumento musical de percusión popular cubano más sencillo. Idiófono de origen africano. Consta de dos palos de madera dura, con la ayuda de los cuales se marca el ritmo principal del conjunto. Un músico que toca la clave (generalmente un cantante) sostiene uno de los palos en su mano de modo que la palma forme una especie de resonador, y el otro

Información básica Una campana es un instrumento musical de percusión metálico (normalmente fabricado en el llamado bronce de campana), una fuente de sonido que tiene forma de cúpula y, normalmente, una lengüeta que golpea las paredes desde el interior. También se conocen campanas sin lengua, que se golpean con un martillo o un tronco desde el exterior. Las campanas se utilizan con fines religiosos (llamando a los creyentes a la oración, expresando momentos solemnes del Servicio Divino) y en

Información básica Las campanas de orquesta son un instrumento musical de percusión de una orquesta sinfónica (idiófono). Se trata de un conjunto de 12 a 18 tubos cilíndricos de metal con un diámetro de 25 a 38 mm, suspendidos en un soporte (altura de unos 2 m). Los golpean con un mazo cuya cabeza está cubierta de cuero. La escala es cromática. Rango de 1 a 1,5 octavas (generalmente de F; anotado una octava más alta de lo que suena). Las campanas modernas están equipadas con un amortiguador. en la orquesta

Información básica Las campanas (campanelli italiano, jeu de timbres francés, Glockenspiel alemán) son un instrumento musical de percusión con un tono determinado. El instrumento tiene un timbre ligero y resonante en el piano, brillante y brillante en el fuerte. Las campanas vienen en dos variedades: simples y de teclado. Las campanas simples son un conjunto de placas de metal cromáticamente sintonizadas colocadas en dos filas sobre un soporte de madera.

Información básica Congo es un instrumento musical de percusión latinoamericano de tono indefinido del género de los membranófonos. Es un barril alargado en altura, con una membrana de cuero estirada desde un extremo. Se utiliza en parejas: dos tambores de diferentes diámetros (uno está afinado más bajo y el otro más alto), a menudo la conga se toca simultáneamente con el bongo (ensamblado en el mismo conjunto de percusión). Altura del Congo 70-80

Información básica El xilófono (del griego xylo - madera + fondo - sonido) es un instrumento musical de percusión con un tono determinado. Se trata de una serie de bloques de madera de diferentes tamaños, afinados en determinadas notas. Las barras se golpean con palos con puntas esféricas o con martillos especiales que parecen cucharas pequeñas (en la jerga de los músicos, estos martillos se llaman “patas de cabra”). tono de xilófono

Información básica La cuica es un instrumento musical de percusión brasileño del grupo de los tambores de fricción, más utilizado en la samba. Tiene un timbre chirriante y agudo de registro alto. Kuika es un cuerpo cilíndrico de metal (originalmente de madera), con un diámetro de 6 a 10 centímetros. La piel se estira sobre un lado del cuerpo, el otro lado permanece abierto. En el interior, al centro y perpendicular a la membrana de cuero, se fija

Información básica Los timbales (timbales italianos, timbales franceses, pauken alemanes, timbales ingleses) son un instrumento musical de percusión con un tono determinado. Son un sistema de dos o más (hasta cinco) calderas metálicas, cuyo lado abierto está cubierto con cuero o plástico. Hay un orificio para el resonador en el fondo de cada caldera. Origen Los timbales son un instrumento de origen muy antiguo. En Europa, timbales, cerca

Información básica Las cucharas son el instrumento musical de percusión eslavo más antiguo. En apariencia, las cucharas musicales no se diferencian mucho de las cucharas de mesa de madera comunes, solo que están hechas de madera más dura. Además, las cucharas musicales tienen mangos alargados y una superficie de impacto pulida. A veces se cuelgan campanas a lo largo del mango. El juego de cucharas de juego puede incluir 2, 3 o

Información básica, dispositivo Una caja (también llamada a veces tambor militar o “tambor de trabajo”) es un instrumento musical de percusión que pertenece a los membranófonos con un tono indefinido. Uno de los principales instrumentos de percusión de una orquesta sinfónica, así como del jazz y otros géneros, donde forma parte de una batería (a menudo en varias copias de diferentes tamaños). La caja es de metal, plástico o

Información básica Maraca (maracas) es el instrumento musical de percusión más antiguo de los habitantes indígenas de las Antillas, los indios taínos, un tipo de sonajero que produce un crujido característico cuando se agita. Actualmente, las maracas son populares en toda América Latina y son uno de los símbolos de la música latinoamericana. Normalmente, un jugador de maraca usa un par de sonajeros, uno en cada

Información básica La marimba es un instrumento musical de percusión de teclado que consta de bloques de madera montados sobre un marco, que se golpean con mazos, un pariente del xilófono. La marimba se diferencia del xilófono en que el sonido producido por cada barra es amplificado por un resonador de madera o metal o una calabaza suspendida debajo de él. Marimba tiene un timbre rico, suave y profundo que permite lograr un sonido expresivo. La marimba surgió en

Información básica El colgante musical (brisa) es un instrumento musical de percusión. Se trata de un conjunto de pequeños objetos que producen un agradable timbre cuando sopla el viento, muy utilizados en el diseño paisajístico, especialmente en la decoración de porches, verandas, terrazas, toldos, etc., adyacentes a la casa. También se utiliza como instrumento musical. Los colgantes musicales se utilizan más ampliamente en las regiones del sur como remedio antiestrés y

Información básica Pkhachich es un instrumento musical de percusión popular de Adyghe y Kabardiano, pariente del sonajero. Consta de 3, 5 o 7 placas de madera dura seca (boj, fresno, castaño, carpe, plátano), atadas sin apretar por un extremo a la misma placa con un asa. Dimensiones típicas de la herramienta: largo 150-165 mm, ancho 45-50 mm. Pkhachich se sujeta por el mango, tirando del lazo,

Información básica El cencerro (campana) es un instrumento musical de percusión latinoamericano de tono indefinido de la familia de los ideófonos: una campana de metal sin lengua, que se toca con un palo de madera. Su otro nombre es campana. Los cencerros modernos tienen forma de campana algo aplanada por ambos lados. La aparición del sencerro en la música latinoamericana está asociada a las campanas rituales de la economía de los cultos religiosos congoleños. Se cree que en

Información básica La tabla es un instrumento musical de percusión indio. El tambor grande se llama baina, el pequeño se llama daina. Uno de los músicos más famosos que glorificó este instrumento en todo el mundo fue el legendario tablista Ravi Shankar. Origen El origen exacto de la tabla no está claro. Pero según la tradición existente, la creación de este instrumento (como muchos otros, cuyo origen se desconoce) se atribuye a Amir

Información básica Tala (o talan; sánscrito Tala - palmas, ritmo, ritmo, danza) es un instrumento musical de percusión emparejado del sur de la India de la categoría de percusión, un tipo de platillo o platillo de metal. Detrás de cada uno de ellos hay un mango de seda o madera. El sonido del tala es bastante suave y agradable. Video: Tala en video + sonido Muy pronto video con este instrumento

TAMBORES ÉTNICOS DEL MUNDO

¡Para escuchar el sonido de los tambores, enciende Flash Player!

Por región de origen	Tambores en forma de copa y de reloj de arena		Tambores cilíndricos y cónicos.
	Tambores de barril		Idiófonos (percusión sin membrana)

(abrir mapa en tamaño completo)

Los tambores étnicos son un verdadero hallazgo para aquellos que quieren sentir la libertad de expresión y sentir una oleada de fuerza y ​​​​energía. Además, lo inusual de los instrumentos étnicos radica en su sonido original y memorable, y también agregarán un sabor étnico a cualquier interior y definitivamente no te quedarás sin atención. La mayoría de estos tambores deben tocarse con las manos, por lo que los tambores de mano también se denominan percusión, de la palabra latina perka - mano.

Los tambores étnicos son específicos para quienes buscan nuevas sensaciones y estados. Y lo más importante, no es necesario ser músico profesional, porque la batería es fácil de aprender y no requiere talento musical especial. ¡Aparte de destreza y deseo ilimitado, no se requiere nada más de usted!

Los tambores aparecieron en los albores de la historia de la humanidad. Durante las excavaciones en Mesopotamia, se encontraron algunos de los instrumentos de percusión más antiguos, fabricados en forma de pequeños cilindros, cuyo origen se remonta al sexto milenio antes de Cristo. El tambor encontrado en Moravia data del quinto milenio antes de Cristo. mi. En el Antiguo Egipto, los tambores aparecieron cuatro mil años antes de Cristo. mi. Se sabe que los tambores existían en la antigua Sumeria (unos tres mil años antes de Cristo). Desde la antigüedad, el tambor ha sido utilizado como instrumento de señalización, así como para acompañar danzas rituales, procesiones militares y ceremonias religiosas.

El significado simbólico del tambor se acerca a la semántica del corazón. Como la mayoría de los instrumentos musicales, está dotado de la función de mediación entre la tierra y el cielo. El tambor está estrechamente relacionado con la pandereta, que puede ser primaria en relación con el tambor o derivada de él. En la mitología de los pueblos mongoles, la pandereta apareció como resultado de la división del tambor por parte de Dann Derhe, una deidad chamánica, en dos mitades. Pero más a menudo el tambor se ve como una fusión de principios opuestos: femenino y masculino, lunar y solar, terrenal y celestial, personificados por dos panderetas. En muchas culturas, el tambor se compara funcionalmente con un altar de sacrificios y se asocia con el árbol del mundo (los tambores se fabricaban con madera de especies de árboles sagrados). Un significado adicional en el marco del simbolismo general se debe a la forma del tambor. En el Shaivismo se utiliza un tambor doble, que se considera un medio de comunicación con la deidad Shiva, así como un atributo de esta última. Este tambor, con forma de reloj de arena y llamado damara, simboliza la oposición y la interconexión de los mundos celestial y terrenal. Dos bolas que cuelgan de cuerdas golpean su superficie mientras el tambor gira.

En los cultos chamánicos, el tambor se utiliza como una forma de alcanzar un estado de éxtasis. En el budismo tibetano, uno de los ritos de iniciación consiste en bailar con el acompañamiento de un tambor hecho de calaveras. El tambor de los chamanes sami, kobdas, en el que se dibujan varias imágenes de carácter sagrado, se utiliza para la adivinación (bajo los golpes de un martillo, un triángulo especial colocado en el tambor se mueve de una imagen a otra, y sus movimientos son interpretados por el chamán como respuestas a preguntas.

Entre los antiguos griegos y romanos, el tímpano, predecesor de los timbales modernos, se utilizaba en los cultos a Cibeles y Baco. En África, entre muchos pueblos, el tambor también adquirió el estatus de símbolo del poder real.

Hoy en día, los tambores son extremadamente populares en todo el mundo y se fabrican en una variedad de formas. Algunos tambores tradicionales se han utilizado durante mucho tiempo en la práctica de variedades. Se trata, en primer lugar, de todo tipo de instrumentos latinoamericanos: bongos, congas, etc. Hace relativamente poco tiempo, los tambores orientales y africanos más importantes aparecieron en los instrumentos de grupos musicales pop, étnicos y medievales, respectivamente, la darbuka (o su variedad de bajo, dumbek) y djembé. La peculiaridad de estos instrumentos es que pueden producir sonidos de una amplia variedad de colores de timbre. Esto es especialmente cierto en el caso de la darbuka. Los maestros del juego pueden extraer muchos sonidos diferentes del tambor oriental, el darbuka, y así competir con toda una batería. Normalmente, la técnica de estos instrumentos la enseñan los portadores de la tradición, y el dominio del material se produce únicamente de oído: el alumno repite tras el maestro todo tipo de patrones rítmicos.

Funciones principales de los tambores étnicos:

• Ritual. Desde la antigüedad, los tambores se han utilizado en diversos misterios, ya que un ritmo largo y monótono puede inducir un estado de trance (ver artículo Misticismo del sonido.). En algunas tradiciones, el tambor se utilizaba como instrumento palaciego para ocasiones ceremoniales especiales.
• Militar. Tocar el tambor puede elevar la moral e intimidar al enemigo. El uso militar de los tambores está registrado en las crónicas del antiguo Egipto en el siglo XVI a.C. En Suiza, y posteriormente en toda Europa, los tambores militares también se utilizaron para formar tropas y desfiles.
• Médico. Con fines medicinales, se utilizaban tambores para ahuyentar a los espíritus malignos. Hay una serie de tradiciones en África, Medio Oriente y Europa. El paciente tuvo que realizar una danza especial al ritmo de un tambor rápido, lo que resultó en la curación. Según las investigaciones modernas, tocar la batería ayuda a aliviar el estrés y a producir la hormona de la alegría (ver artículo Ritmos curativos).
• Comunicación. Los tambores parlantes, así como otros tambores africanos, se utilizaban para transmitir mensajes a largas distancias.
• Organizativo. En Japón, el tambor taiko determinaba el tamaño de los territorios pertenecientes a una determinada aldea. Se sabe que entre los tuaregs y algunos otros pueblos de África, el tambor era la personificación del poder del líder.
• Bailar. El ritmo del tambor es tradicionalmente el principal para la realización de muchas danzas en todo el mundo. Esta función está estrechamente relacionada y proviene tanto del uso ritual como médico. Muchas danzas formaban originalmente parte de los misterios del templo.
• Musical. En el mundo moderno, las técnicas de percusión han alcanzado un alto nivel y la música ha dejado de utilizarse exclusivamente con fines rituales. Los tambores antiguos han entrado firmemente en el arsenal de la música moderna.

Puedes leer más sobre varias tradiciones de tambores en el artículo. tambores del mundo .

Tambores de Oriente Medio, Norte de África y Turquía

Escucha el solo de Rick

bendir (bendir)

bendir- un tambor procedente del norte de África (Magreb), especialmente de la región bereber oriental. Es un tambor de estructura fabricado en madera y recubierto por un lado con piel de animal. Las cuerdas generalmente están unidas a la superficie interna de la membrana bendir, lo que crea una vibración sonora adicional cuando se golpea. El mejor sonido se obtiene en un bendir con una membrana muy fina y cuerdas bastante fuertes. Orquestas argelinas y marroquíes que interpretan formas musicales tanto modernas como tradicionales. A diferencia de daf, bendir no tiene anillos en el reverso de la membrana.

Cuando se habla de ritmos e instrumentos del norte de África, no se puede dejar de mencionar otra tradición interesante: las palmas grupales. Para los turistas, esta tradición parece, por decirlo suavemente, inusual, pero para los propios magrebíes no hay nada más familiar que reunir a todos y empezar a aplaudir, creando un cierto ritmo. El secreto para hacer el sonido correcto al aplaudir reside en la posición de las palmas. Es bastante difícil de describir, pero los propios lugareños dicen que cuando golpeas, debes sentir como si estuvieras apretando el aire con ambas manos. El movimiento de las manos también es importante: absolutamente libre y relajado. También se pueden encontrar tradiciones similares en España, India y Cuba.

Escuche un solo de bendir marroquí

Tarija ( Tarija).

Un pequeño tambor de cerámica en forma de copa con piel de serpiente y cuerda en su interior. Conocido desde al menos el siglo XIX, utilizado en Marruecos en conjuntos. Malhoun para acompañar la parte vocal. El cantante marca el ritmo principal con la palma de la mano para controlar el ritmo y el tempo de la orquesta. Al final de una canción se puede utilizar para realzar la energía y el final rítmico.

Escuche al conjunto marroquí Malhoun con Tarija

t oubelek, toymbeleki ).

Un tipo griego de darbuka con cuerpo en forma de ánfora. Se utiliza para interpretar melodías griegas en Tracia, la Macedonia griega y las islas del Egeo. El cuerpo está hecho de arcilla o metal. También puedes comprar este tipo de batería en Savvas Percusion o en Evgeniy Strelnikov. El bajo toubeleki se diferencia del bajo darbuka por un mayor retumbar y suavidad de sonido.

Escuche el sonido de toubeleki (Savvas)

Tavlak ( Tavlak).

Tavlak (tavlyak) es un tambor de cerámica tayiko con forma de copa de tamaño pequeño (20-400 mm). Tavlak es principalmente un instrumento de conjunto, utilizado junto con doira o daf. El sonido del tavlak, a diferencia del darbuka, es más prolongado, con un efecto sorpresa, más característico de la doira o percusión india. El tavlyak es especialmente popular en la región de Khatol en Tayikistán, en la frontera con Afganistán y Uzbekistán, donde se puede utilizar como instrumento solista.

Escuche los ritmos del tavlyak tayiko.

Zerbakhali ( Zer-baghali, Zerbaghali, Zir-baghali, Zirbaghali, Zerbalim ).

Zerbakhali es un tambor afgano con forma de copa. El cuerpo estaba hecho de madera, como el tonbak iraní, o de arcilla. La membrana en los primeros ejemplos contenía un pad adicional, como las tablas indias, que daba el sonido vibrato. La técnica de tocar, que se acerca un poco, por un lado, a la técnica de tocar persa. tonbak(tono de fondo), y por otro lado, la técnica de jugar al indio. mesa (tabla). De vez en cuando, diversas técnicas tomadas de darbukas. La tabla india influyó especialmente en los artistas de Kabul. Se puede considerar que el zerbakhali es un instrumento musical indopersa de origen persa. Los ritmos y la técnica de Zerbakhali fueron influenciados por Persia y la India, y antes de la guerra utilizaba sofisticadas técnicas de dedos y ritmos súper llenos, que luego se convirtieron en la característica principal de la percusión turca. A principios del siglo XX, el instrumento se utilizaba en Herat, más tarde, en los años 50, se utilizó ampliamente en la música afgana junto con el dutar y el rubab indio. En los años 70, las intérpretes actuaban con este tambor; antes solo tocaban tambores de marco.

Escuche las actuaciones de Zerbakhali de los años 70.

Krzysba ( Khishba, Kasour (un poco más ancho), Zahbour o Zenboor).

Estos tambores se utilizan principalmente en los países del Golfo Pérsico en la música Choubi y en la dirección de danza Kawleeya (Irak, Basora). Tambor estrecho en forma de tubo con cuerpo de madera y membrana de piel de pescado. La piel está tensa e hidratada para producir un sonido vibrante.

Escuche el sonido de la kshishba (a veces entra la darbuka)

tobol

Tobol - tambor tuareg. Los tuaregs son el único pueblo en el mundo donde los hombres, incluso en el círculo familiar, deben cubrirse la cara con una venda (su nombre propio es "el pueblo del velo"). Viven en Mali, Níger, Burkina Faso, Marruecos, Argelia y Libia. Los tuaregs conservan divisiones tribales y elementos significativos del sistema patriarcal: el pueblo está dividido en grupos de “tambores”, cada uno encabezado por un líder, cuyo poder está simbolizado por el tambor. Y por encima de todos los grupos hay un líder, amenokal.

El famoso investigador francés A. Lot escribió sobre el tobol, un tambor que simboliza al líder entre los tuaregs: “Él es la personificación del poder entre los tuaregs y, a veces, el propio amenokal (el título del líder de una unión tribal) es llamado tobol, como todas las tribus bajo su protección. Perforar un tobol es el insulto más terrible que se le puede infligir a un líder, y si el enemigo logra robarlo, se causará un daño irreparable al prestigio del amenokal.

Davul (Davul)

Davul- un tambor común entre los kurdos en Armenia, Irán, Turquía, Bulgaria, Macedonia, Rumania. Por un lado hay una membrana de piel de cabra para el bajo, que se golpea con una membrana dura especial, del otro lado hay piel de oveja estirada, sobre la que se golpea con una ramita, produciendo un sonido agudo. Actualmente, las membranas están fabricadas de plástico. A veces golpean el cuerpo de madera con un palo. En los Balcanes y Turquía, los ritmos del davul son bastante complejos, al igual que las reglas para los ritmos impares y con síncopas. En nuestro estudio utilizamos davul para actuaciones callejeras y para establecer un sentido del ritmo.

Escucha el sonido de davul

kosh ( kosh)

En los siglos XV-XVI, en Zaporozhye había tierras libres. Allí se han asentado desde hace mucho tiempo personas arriesgadas que querían liberarse de varios gobernantes. Así surgieron gradualmente los cosacos de Zaporozhye. Al principio se trataba de pequeños grupos de gente gallarda que se dedicaban a saqueos y robos. Además, el factor formador del grupo era la olla, llamada “kosh”. De ahí el "atamán koshevoy", esencialmente el ladrón más poderoso que distribuye raciones. Cuántas personas podrían alimentarse de un caldero así, esa era la cantidad de sables en el rebaño kosh.

Los cosacos viajaban a caballo o en barcos. Su vida era ascética y minimalista. Se suponía que no debías llevar cosas extra en una redada. Por tanto, la propiedad pobre era multifuncional. Lo más interesante: esta misma tetera kosh, después de una abundante cena, se convirtió fácil y simplemente en un tambor tulumbas, una especie de timbales.

Sobre la caldera se tiraba la piel del animal que en él se cocinaba para la cena, que había sido comido limpio, con ayuda de cuerdas. Durante la noche, las tulumbas se secaron junto al fuego, y por la mañana se consiguió un tambor de guerra, con cuya ayuda se daban señales al ejército y se comunicaba con otros koshes. En los barcos, dicho tambor aseguraba la acción coordinada de los remeros. Más tarde, los mismos tulumbas se utilizaron en las torres de vigilancia a lo largo del Dnieper. Con su ayuda se transmitió a lo largo de la carrera de relevos una señal sobre la llegada del enemigo, la aparición y el uso del caldero de tulumbas.

tambor similar Kus- Se trata de un gran tambor persa con forma de caldero. Consiste en un par de tambores hechos de arcilla, madera o metal en forma de caldero semiesférico con piel estirada sobre él. Kus se jugaba con palos de cuero o de madera (los palos de cuero se llamaban daval - dio). Por lo general, el kus se llevaba a lomos de un caballo, camello o elefante. Fue utilizado durante eventos festivos y marchas militares. También a menudo actuaba como acompañamiento del karnay (karnay - trompeta persa). Los poetas épicos persas mencionaron kus y karnai al describir las batallas del pasado. También en muchas pinturas persas antiguas se pueden ver imágenes de kusa y karnay. Los científicos fechan la aparición de estos instrumentos musicales en el siglo VI. ANTES DE CRISTO.

Los cosacos de Zaporozhye Sich utilizaban tulumbas de diferentes tamaños para controlar el ejército. El pequeño estaba atado a la silla y el sonido se producía con el mango de un látigo. Ocho personas golpearon al mismo tiempo la mayor de las tulumbas. Para intimidar se utilizaban los fuertes sonidos de la campana de alarma, junto con el rugido de las tulumbas y el penetrante crujido de las panderetas. Esta herramienta no ha recibido mucha popularidad entre la gente.

(krakeb)

o de otra manera kakabu- Instrumento musical nacional del Magreb. Un krakeb es un par de cucharas de metal con dos extremos. Al tocar, se sostiene un par de “cucharas” en cada mano, de modo que cuando cada par choca entre sí, se producen sonidos rápidos y pulsantes, creando un patrón colorido para el ritmo.

Krakeb es el componente principal de la música rítmica de Gnaoua. Se utiliza principalmente en Argelia y Marruecos. Existe la leyenda de que el sonido de los krakebs recuerda al ruido de las cadenas de metal con las que caminaban los esclavos de África occidental.

Escucha música Gnawa con craquebs.

Tambores persas, caucásicos y de Asia central

daf (Daf, Dap)

daf- uno de los mas viejos instrumentos de percusión de marco, sobre el cual hay muchos cuentos populares. El momento de su aparición corresponde al momento de aparición de la poesía. Por ejemplo, en Tourat se dice que fue Tawil, el hijo de Lamak, quien inventó el daf. Y también, cuando se trata de la boda de Salomón con Belkis, se menciona que sonó daf en su noche de bodas. El Imam Mohamad Kazali escribió que el profeta Mahoma dijo: "extiende el barak y toca el daf en voz alta". Estos testimonios hablan del valor espiritual de Dafa.

Ahmed bin Mohammad Altawusi escribe sobre la relación del daf con el jugador que lo juega y la manera de tocar el daf: “el círculo de daf es el círculo de Akvan (el ser, el mundo, todo lo que existe, el universo) y la piel lo que se extiende sobre él es la existencia absoluta, y el golpe en él es la entrada de la inspiración divina, que se transfiere desde el corazón, interno y oculto, al ser absoluto, y el aliento del jugador que toca el daf es un recordatorio del grado de Dios, cuando su llamado a las personas colocará sus almas en cautiverio de amor”.

En Irán, los sufíes utilizaban el daf para ceremonias rituales (dhikr). En los últimos años, los músicos iraníes han comenzado a utilizar con éxito el tambor oriental (daf) en la música pop persa moderna. Actualmente, el daf es muy popular entre las mujeres iraníes: lo tocan y lo cantan. A veces, las mujeres de las provincias del Kurdistán de Irán se reúnen en grandes grupos para tocar juntas el daf, que es un análogo de la oración colectiva con la ayuda de la música.

Escucha el sonido de daf

Dongbak ( tonbak)

Dongbak(tombak) es un instrumento de percusión tradicional iraní (tambor) con forma de copa. Existen diferentes versiones sobre el origen del nombre de este instrumento. Según el principal, el nombre es una combinación de los nombres de los ataques principales Tom y Bak. Analicemos de inmediato los matices de la ortografía y la pronunciación. En persa, la combinación de letras "nb" se pronuncia "m". De aquí provienen las diferentes interpretaciones de los nombres “tonbak” y “tombak”. Es interesante que incluso en farsi se puede encontrar una grabación equivalente a la pronunciación “tombak”. Sin embargo, se considera correcto escribir “tonbak” y pronunciar “tombak”. Según otra versión, tonbak proviene de la palabra tonb, que literalmente significa "vientre". De hecho, el tonbak tiene una forma convexa, similar a una barriga. Aunque, por supuesto, la primera versión es la más aceptada. Los nombres restantes (tombak/donbak/dombak) son variaciones del original. Otro nombre, zarb, es de origen árabe (probablemente de la palabra darab, que significa el sonido de tocar un tambor). Tocan el tonbak con los dedos, lo que suele ser típico de la percusión de origen oriental. El sonido del instrumento, gracias a la tensión no demasiado fuerte de la piel y la forma específica del cuerpo, es rico en matices tímbricos, lleno de una profundidad y densidad de graves incomparables.

La técnica de tocar el tombak lo distingue de la gran cantidad de tambores de este tipo: es muy sofisticada y se caracteriza por una variedad de técnicas de ejecución y sus combinaciones. El tombak se toca con las dos manos, colocando el instrumento en posición casi horizontal. Lograr el color sonoro deseado, como mínimo, depende del área del instrumento que se golpea y de cómo se realiza el golpe: con los dedos o con un pincel, haciendo clic o deslizando.

Escucha el sonido del tonbak.

Doira)

(traducido como círculo) es una pandereta, común en Uzbekistán, Tayikistán y Kazajstán. Consiste en una cáscara redonda y una membrana con un diámetro de 360 ​​​​-450 mm estirada firmemente en un lado. Al caparazón se unen anillos de metal, cuyo número varía de 54 a 64 dependiendo de su diámetro. Anteriormente, la cáscara se elaboraba a partir de plantas frutales: vid seca, nogal o haya. Ahora se elabora principalmente con acacia. La membrana solía estar hecha de piel de bagre, piel de cabra y, a veces, del estómago de un animal, ahora la membrana está hecha de piel gruesa de becerro; Antes de tocar, la doira se calienta al sol cerca de un fuego o lámpara para aumentar la tensión de la membrana, lo que contribuye a la pureza y sonoridad del sonido. Los aros de metal en la carcasa ayudan a aumentar la conductividad térmica cuando se calienta. La membrana es tan fuerte que puede soportar que una persona salte sobre ella y sea golpeada con un cuchillo. Inicialmente, la doira era un instrumento puramente femenino; las mujeres se reunían, se sentaban, cantaban y tocaban la doira, del mismo modo que las mujeres iraníes se reunían y tocaban el daf. Actualmente, la habilidad de tocar la doira ha alcanzado un nivel sin precedentes. Maestros de doira como Abos Kasimov de Uzbekistán y Khairullo Dadoboev de Tayikistán son conocidos en todo el mundo. El sonido se produce golpeando la membrana con los 4 dedos de ambas manos (los pulgares sirven para sostener el instrumento) y las palmas. Un golpe en el centro de la membrana produce un sonido bajo y sordo, un golpe cerca del caparazón produce un sonido más alto y sonoro. Al sonido principal se une el repique de colgantes de metal. La diferencia en el color del sonido se consigue gracias a diversas técnicas de ejecución: golpes con los dedos y las palmas de diferente fuerza, chasquidos del dedo meñique (no-hun), deslizamiento de los dedos a lo largo de la membrana, agitación del instrumento, etc. Trémolo y las notas de adorno son posibles. Una gama de tonos dinámicos, desde el delicado piano hasta el potente forte. La técnica de tocar la doira, desarrollada a lo largo de siglos, ha alcanzado un gran virtuosismo. La doira se toca (por aficionados y profesionales) en solitario, acompañando el canto y el baile, así como en conjuntos. El repertorio de la doira consta de varias figuras rítmicas: usuli. Doira se utiliza en la interpretación de maqoms y mugams. En los tiempos modernos, la doira suele formar parte de orquestas folclóricas y, a veces, sinfónicas.

Escucha el sonido de doira

Gaval ( gaval)

gaval- Pandereta azerbaiyana, muy asociada a las tradiciones, la vida y las ceremonias. Actualmente se representan diversos géneros musicales, actuaciones folclóricas y juegos con el acompañamiento del gaval. Actualmente, el gaval forma parte de conjuntos, incluidas orquestas folclóricas instrumentales y sinfónicas.

Como regla general, el diámetro de la carcasa redonda de un gaval es de 340 a 400 mm y el ancho es de 40 a 60 mm. El aro de madera de gaval está cortado de troncos de árboles duros; es liso por fuera y en forma de cono por dentro. Los principales materiales para fabricar un aro de madera son las uvas, las moreras, los nogales y los robles rojos. En la superficie de la concha redonda se aplica un adorno con incrustaciones de mármol, hueso y otros materiales. En el interior del aro de madera se fijan entre 60 y 70 anillos de bronce o cobre en pequeños agujeros mediante alfileres. y, a menudo, cuatro campanas de latón. El cuero se pega cuidadosamente a los palos visibles en el exterior del aro de madera. Recientemente, en Irán, el ghawal se elabora con pistacho. Esto genera dificultades para el khananda al realizar el gaval.

Normalmente, la membrana está hecha de piel de cordero, cabrito, gacela bocio o vejiga de toro. De hecho, la membrana debería estar hecha de piel de pescado. Hoy en día, durante el desarrollo de la tecnología, también se utilizan cuero artificial y plástico. La piel de pescado se elabora mediante un curtido especial. Se podría decir que los artistas profesionales no utilizan gaval de la piel de otros animales, porque la piel del pescado es transparente, fina y muy sensible a los cambios de temperatura. Lo más probable es que el intérprete, al tocar el gaval o presionarlo contra su pecho, caliente el instrumento y, como resultado, la calidad del sonido del gaval mejore significativamente. Cuando se sacuden y golpean los anillos de metal y cobre que cuelgan del interior del instrumento, se produce un sonido doble. El sonido ronco que emana de la membrana del instrumento y de los anillos ubicados en su interior adquiere un sonido único.

La técnica de tocar el gaval tiene las más amplias posibilidades. La producción de sonido se realiza utilizando los dedos de la mano derecha e izquierda y golpes producidos por el interior de las palmas. Gaval debe usarse con mucho cuidado, habilidad y creatividad, observando ciertas precauciones. Al interpretar un gaval, el solista debe intentar no cansar al oyente con un sonido incómodo y desagradable. Con la ayuda de gaval puede obtener los tonos de sonido dinámicos deseados.

Gaval es un instrumento imprescindible para los intérpretes de géneros musicales tradicionales de Azerbaiyán, como el tesnif y el mugam. El mugam en Azerbaiyán suele ser interpretado por un trío de sazandari: un tarista, un kemanchista y un gavalista. La estructura de un mugham dyasgah es tal que un mugham dyasgah incluye varios ryangs, daramyads, tasnifs, diringas, melodías y canciones populares. El propio khanende (cantante) suele ser también gavalista. Actualmente, el maestro que domina plenamente el instrumento es Mahmoud Salah.

Escucha el sonido del gaval.

Nagarra, nakry ( Nagarra)

Existe una gran variedad de instrumentos llamados nagarra: son comunes en Egipto, Azerbaiyán, Turquía, Irán, Asia Central e India. Nagara traducido significa "golpear", proviene del verbo árabe naqr - golpear, tocar. La nagara, que tiene una potente dinámica de sonido, permite extraer de ella una variedad de matices tímbricos y también se puede tocar al aire libre. La nagarra se suele tocar con baquetas, pero también se puede tocar con los dedos. Su cuerpo está hecho de nogal, albaricoque y otros tipos de árboles, y la membrana está hecha de cuero de oveja. Alturas 350-360 mm, diámetro 300-310 mm. Dependiendo de su tamaño, se denominan kyos nagara, bala nagara (o chure N.) y kichik nagara, es decir, tambor grande, mediano y pequeño. gosha nagara Su estructura se asemeja a dos tambores en forma de caldero unidos entre sí. También en Azerbaiyán existe un tambor con forma de caldero llamado “timlipito”, que parece dos pequeños tambores unidos entre sí. El gosha nagar se toca con dos palos de madera, que están hechos principalmente de madera de cornejo. La palabra Gosha-nagara traducida literalmente del idioma azerbaiyano significa "un par de tambores". La palabra "gosha" significa pareja.

Inicialmente, el cuerpo del gosha nagara estaba hecho de arcilla, luego comenzó a estar hecho de madera y metal. Para hacer la membrana se utiliza piel de ternera, cabra y rara vez piel de camello. La membrana se atornilla al cuerpo mediante tornillos metálicos, que también sirven para ajustar el instrumento. Tocan el gosha-nagara, colocándolo en el suelo o sobre una mesa especial; en algunas tradiciones existe una profesión especial: la de poseedor de la nagarra, que se confía a los niños de baja estatura. Gosha nagara es un atributo obligatorio de todos los conjuntos y orquestas de instrumentos folclóricos, así como de bodas y celebraciones.

El poeta Nizami Ganjavi describió el “nagara” de la siguiente manera:
“Coşdu qurd gönünden olan nağara, Dünyanın beynini getirdi zara” (que traducido del azerbaiyano significa literalmente “El hollín de piel de lobo se agitó y atormentó a todos en el mundo con ruido”). Una guía de nagarras turcas (PDF) En la tradición rusa, tambores similares se llamaban nakras. Las tapas eran de tamaño pequeño y tenían un cuerpo en forma de caldero de arcilla (cerámica) o cobre. Sobre este cuerpo, con la ayuda de fuertes cuerdas, se extendía una membrana de cuero, sobre la que se aplicaban golpes con palos de madera especiales, pesados ​​y gruesos. La profundidad de la herramienta era ligeramente mayor que su diámetro. En el pasado, el nakrys, junto con otros instrumentos de percusión y de viento, se utilizaba como instrumento musical militar, lo que llevaba al enemigo a la confusión y el pánico y a una huida desordenada. La función principal de los instrumentos de percusión militares es el acompañamiento rítmico de las tropas. La fijación de la funda se realizó mediante los siguientes métodos: arrojar un caballo de guerra sobre la silla; fijación al cinturón; sujeción a la espalda de la persona que está delante. En ocasiones, las cubiertas se fijaban al suelo, lo que provocó un paulatino aumento de tamaño y transformación en timbales modernos. Posteriormente empezaron a aparecer versiones en orquestas medievales. En Rusia ya en el siglo XVIII d.C. existía un músico que tocaba el nakra medieval, el llamado “nakra de la corte”.

Escucha el sonido de nagarra

Tambor caucásico de doble cara, común en Armenia, Georgia y Azerbaiyán. Una de las membranas es más gruesa que la otra. El cuerpo está hecho de metal o madera. El sonido se produce con las manos o con dos palos de madera, similar al davul turco: grueso y fino. Utilizado anteriormente en campañas militares, actualmente se utiliza en conjunto con zurnas, acompaña bailes y procesiones.

Escucha el sonido del dhol

Kayrok)

. Se trata de dos pares de piedras planas pulidas, una especie de análogo de las castañuelas. Principalmente típico de los residentes de Khorezm (Uzbekistán, Afganistán). Por regla general iba acompañado gato- un instrumento fabricado con madera de morera, albaricoque o enebro, que se asemeja a dos pares de cucharas. Hoy en día, el koshik prácticamente ha caído en desuso y se utiliza sólo en celebraciones nacionales más como símbolo. Literalmente kairok es una piedra de afilar en uzbeko. Esta es una piedra especial, de color negro pizarra. Tiene alta densidad. Se encuentran en las orillas de los ríos. Preferiblemente una forma alargada. Luego esperan a que uno de los vecinos juegue el juguete (boda). Esto significa que la shurpa se cocinará lentamente al fuego durante tres días. La piedra se lava a fondo, se envuelve en una gasa blanca como la nieve y, con el consentimiento del propietario, se baja a la shurpa. Al cabo de tres días, la piedra adquiere las propiedades deseadas. Las piedras se transmiten de generación en generación en las familias de cuchilleros.

Escuche el sonido del kairok interpretado por Aboss Kasimov

tambores indios

El nombre de los tambores de tabla indios es muy similar al nombre del tambor de tabla egipcio, que significa "membrana" en árabe. Aunque el nombre “tabla” en sí es extraño, no tiene ninguna relación con el instrumento: se conocen antiguos relieves indios que representan estos pares de tambores, e incluso el “Natyashastra”, un texto de casi dos mil años de antigüedad, menciona la arena del río de un Cierta calidad incluida en la pasta para cubrir la membrana.

Existe una leyenda que habla del nacimiento de la tabla. Durante la época de Akbar (1556-1605), había dos jugadores pakhawaj profesionales. Eran rivales acérrimos y competían constantemente entre sí. Un día, en una acalorada batalla de una competencia de tambores, uno de los competidores, Sudhar Khan, fue derrotado y, incapaz de soportar su amargura, arrojó su pakhawaj al suelo. El tambor se rompió en dos partes, que se convirtieron en la tabla y la dagga.

El tambor grande se llama bayan, el pequeño se llama daina.

La membrana no está hecha de una sola pieza de cuero; Consta de una pieza redonda que se pega a un aro de cuero. Así, en la tabla la membrana consta de dos piezas de cuero. La pieza en forma de anillo está a su vez unida a un aro o cordón de cuero que rodea la membrana, y a través de este cordón se pasan unas correas que sujetan la membrana (pudi) al cuerpo. Sobre la membrana interior se aplica una fina capa de pasta, elaborada a partir de una mezcla de limaduras de hierro y manganeso, harina de arroz o trigo y una sustancia adhesiva. Esta cubierta, de color negro, se llama syahi.

Toda esta técnica de unir y estirar la piel no sólo afecta la calidad del sonido, haciéndolo menos "ruidoso" y más musical, sino que también permite ajustar el tono del sonido. En la tabla, se puede lograr un sonido de cierta altura moviendo verticalmente pequeños cilindros de madera con cambios significativos de altura o golpeando con martillos especiales un aro de cuero.

Hay varias tabla gharanas (escuelas), las más famosas son seis: Ajrara Gharana, Benares Gharana, Delhi Gharana, Farukhabad Gharana, Lucknow Gharana, Punjab Gharana.

Uno de los músicos más famosos que glorificó este instrumento en todo el mundo es el legendario músico indio Zakir Hussain.

Escucha el sonido de la tabla.

mrdanga)

, mrdang, (sánscrito - mrdanga, formas del lenguaje dravídico - mrdangam, mridangam): un tambor de doble membrana del sur de la India con forma de barril. Según la clasificación india de instrumentos, pertenece al grupo de avanaddha vadya (en sánscrito “instrumentos revestidos”). Ampliamente utilizado en la práctica de la creación musical en la tradición carnática. El análogo de mridanga del norte de India es pakhawaj.

El cuerpo de la mridanga es hueco, excavado en madera valiosa (negra, roja), con forma de barril, la mayor parte del cual, por regla general, está desplazada asimétricamente hacia una membrana más ancha. La longitud del cuerpo varía entre 50 y 70 cm, el diámetro de las membranas es de 18 a 20 cm.

Las membranas son de diferentes tamaños (la izquierda es más grande que la derecha) y son cubiertas de cuero, unidas no directamente al cuerpo del instrumento, sino, como todos los tambores clásicos indios, a través de gruesos aros de cuero mediante un sistema de cinturones. Una vez pasadas por ambos aros, estas correas recorren el cuerpo y conectan ambas membranas.

A diferencia de tambores como pakhawaj y tabla, el diseño mridanga no tiene bloques de madera pasados ​​por correas y utilizados para afinar; La tensión en el sistema de sujeción de la correa se cambia golpeando directamente el aro cercano a la membrana. Durante la ejecución, el cuerpo del tambor suele estar cubierto con una manta de tela bordada sobre las correas.

La estructura de las membranas se caracteriza por la complejidad característica de los tambores del sur de Asia. Se componen de dos círculos de cuero superpuestos, a veces intercalados con cañas especiales para crear efectos de sonido especiales. El círculo superior tiene un agujero ubicado en el centro o ligeramente desplazado hacia un lado; cerca de la membrana derecha está constantemente sellado con una capa de sora hecha de una pasta oscura de una composición especial, cuya receta los músicos mantienen en secreto. Antes de cada actuación, se aplica una pasta ligera mezclada con arroz o harina de trigo a la membrana izquierda, que se raspa inmediatamente después del juego.

El término mridang no sólo denota este tipo de tambor, sino que también tiene un carácter específico. Abarca todo el grupo de tambores en forma de barril, comunes en la práctica de la música tanto clásica como tradicional de la región. Ya en los textos indios antiguos se mencionan variedades de tambores de este grupo como java, gopuchcha, haritaka, etc.

Hoy en día, el grupo mridanga, además del tambor con este nombre, se representa de diversas formas; Esto incluye tanto las propias mridangas de diversas configuraciones y funcionalidades, como, por ejemplo, los tambores dholak utilizados en los géneros musicales y de música-danza tradicionales, y otros tambores de forma similar.

El propio Mridang, al igual que su homólogo del norte de India, el pakhawaj, ocupa un lugar central entre ellos, ya que se asocia con tipos de creación musical que reflejan más claramente la esencia del pensamiento musical en el sur de Asia. El diseño complejo y técnicamente avanzado del m., junto con un sistema que permite ajustar su configuración, crea condiciones especiales para una regulación precisa y los matices de sus parámetros de tono y timbre.

Al tener un sonido profundo y rico en timbre, el mridang también es un instrumento con un tono relativamente controlado. Las membranas se ajustan a cuartos (quintos), lo que generalmente amplía significativamente el alcance del instrumento. La mridanga clásica es un tambor que tiene una amplia gama de capacidades expresivas y técnicas, que han evolucionado a lo largo de los siglos hasta convertirse en un sistema teórico cuidadosamente desarrollado y fundamentado.

Uno de sus rasgos, también característico de otros tambores de la región, fue la práctica específica del bol o konnakol -verbalización (“pronunciación”) de fórmulas metrorítmicas-tala, que es una síntesis de lo verbal (que incluye en gran medida un elemento de imitación sonora). ) y los principios fisiomotores en su combinación con las cualidades expresivas del instrumento.

Mridang no es sólo el tambor más antiguo del subcontinente; es un instrumento que encarna vívidamente ideas regionales específicas sobre el sonido y el sonido. Son los tambores, entre los cuales el grupo mridanga es el líder, los que han conservado los códigos genéticos básicos de la cultura del Indostán hasta el día de hoy.

Escucha el sonido de mridanga

Kanjira ( canjira)

Kanjira es una pandereta india utilizada en la música del sur de la India. El Kanjira es un instrumento asombroso con un sonido muy agradable y una gama de posibilidades asombrosamente amplia. Tiene unos graves potentes y un sonido agudo prolongado. Conocido no hace mucho tiempo, se utiliza en la música clásica desde los años 30. El kanjira suele tocarse en un conjunto de instrumentos folclóricos, con una mridanga.

La membrana del instrumento está hecha de piel de lagarto, por lo que el instrumento tiene propiedades musicales asombrosas. Se estira por un lado sobre un marco de madera de yaca, de 17-22 cm de diámetro y 5-10 cm de profundidad. El otro lado permanece abierto. Hay un par de placas de metal en el marco. El arte de tocar puede alcanzar un alto nivel; la técnica desarrollada de la mano derecha le permite utilizar técnicas de ejecución en otros tambores de estructura.

Escucha el sonido del kanjira.

Ghatam y maja ( ghatam)

Ghatam- una vasija de barro del sur de la India, utilizada en el estilo musical karnak. Ghatam es uno de los instrumentos más antiguos del sur de la India. El nombre de este instrumento significa literalmente “jarra de agua”. Esto no es casualidad, ya que su forma se asemeja a la de un recipiente para líquido.

El sonido del gatam es similar al tambor udu africano, pero la técnica para tocarlo es mucho más compleja y refinada. La principal diferencia entre gatam y udu es que en la etapa de producción se agrega polvo metálico a la mezcla de arcilla, lo que tiene un efecto beneficioso sobre las propiedades acústicas del instrumento.

Ghatam consta de tres componentes. La parte inferior se llama fondo. Esta es una parte opcional del instrumento, ya que algunos ghats no tienen fondo. Hacia el centro el instrumento se espesa. Es esta parte del instrumento la que se debe golpear para producir sonidos resonantes. La parte superior se llama cuello. Sus tamaños pueden variar. El cuello puede ser ancho o estrecho. Esta parte también juega un papel importante en el juego. Al presionar el cuello contra el cuerpo, el intérprete también puede producir diferentes sonidos, cambiando el sonido del ghatam. El músico golpea la superficie con las manos, sosteniéndola sobre sus rodillas.

La singularidad del ghatam radica en el hecho de que es completamente autosuficiente. Esto significa que reproduce sonidos utilizando los mismos materiales con los que está hecho el cuerpo. Algunos instrumentos requieren componentes adicionales para producir sonidos. Podrían ser, por ejemplo, cuerdas o piel de animal estirada. En el caso de ghatam, todo es mucho más sencillo. Sin embargo, el ghatam puede cambiar. Por ejemplo, puedes tirar de la piel sobre el escote. El instrumento se utiliza como tambor. En este caso, produce sonidos debido a la vibración de la piel estirada. En este caso, también cambia el tono del sonido. Ghatam produce sonidos heterogéneos. Depende de cómo, dónde y con qué le pegues. Puedes golpear con los dedos, los anillos, las uñas, las palmas o la muñeca. Los músicos que tocan el ghatam pueden hacer que su interpretación sea muy impresionante. Algunos intérpretes de ghatam lanzan el instrumento al aire al final de su interpretación. Resulta que el ghatam se rompe con los últimos sonidos.

También en la India existe una variedad de este tambor llamado madga: tiene una forma más redonda y un cuello estrecho que el gatam. Además del polvo metálico, también se añade polvo de grafito a la mezcla de maji. Además de sus propiedades acústicas individuales, el instrumento adquiere un agradable color oscuro con un tinte azulado.

Escucha el sonido del ghatam.

Tawil ( Thavil)

Tawil Es un instrumento de percusión conocido en el sur de la India. Se utiliza en conjuntos tradicionales junto con el instrumento de viento de lengüeta nagswaram.

El cuerpo del instrumento está hecho de yaca, con membranas de cuero estiradas a ambos lados. El lado derecho del instrumento es más grande que el izquierdo y la membrana derecha está muy tensa, mientras que la izquierda está más suelta. El instrumento se afina mediante correas que pasan a través de dos aros de fibra de cáñamo; en las versiones modernas, las fijaciones son metálicas.

El tambor se toca sentado o suspendido de un cinturón. Se juega principalmente con las palmas, aunque a veces se utilizan palos o anillos especiales que se colocan en los dedos.

Escucha el sonido del tawil

Pakhawaj ( pakhavaj)

Pakhawaj (Hindi,“sonido sólido y denso”) es un tambor de doble membrana con forma de barril, común en la práctica musical de la tradición indostánica. De acuerdo con la clasificación india de instrumentos, al igual que todos los demás tambores, se incluyen en el grupo de avanaddha vadya (“instrumentos revestidos”).

Tipológicamente relacionado con su homólogo del sur de la India, Mridang. El cuerpo del pakhawaj está tallado a partir de un bloque de madera valiosa (negra, roja, rosa). En comparación con la configuración del cuerpo mridanga, el cuerpo pakhawaja tiene una forma más cilíndrica, con protuberancias más pequeñas en el centro. Longitud del cuerpo 60-75 cm, diámetro de la membrana - aprox. 30 cm, la membrana derecha es ligeramente más pequeña que la izquierda.

El diseño de las membranas, así como el sistema de correas para conectarlas, es similar al mridanga, pero a diferencia de ella, el cambio de tensión de las correas y, en consecuencia, el proceso de ajuste de las membranas, se realiza golpeando bloques de madera colocados entre los cinturones más cerca de la membrana izquierda (como tabla). Se pega una torta hecha de pasta oscura (syahi) a la membrana derecha y se coloca permanentemente sobre ella; una torta hecha de harina de trigo o arroz mezclada con agua se coloca en la membrana izquierda antes del juego e inmediatamente después se retira.

Al igual que otros tambores clásicos de la región, este ayuda a lograr un sonido tímbrico y tonal más profundo y diferenciado. En general, se distingue por “solidez”, “seriedad”, profundidad y riqueza tímbrica. Cuando se toca, el pakhawaj se coloca horizontalmente frente al músico sentado en el suelo.

Casi nunca suena como un instrumento solista, formando parte de conjuntos que acompañan al canto, al baile o interpretando a un instrumentista o vocalista, donde este instrumento tiene la tarea de presentar la línea de tala. Está especialmente asociado con la tradición vocal de Dhrupada, que floreció durante el reinado del emperador Akbar (siglo XVI), pero que hoy ocupa un lugar bastante limitado en la cultura musical indostánica.

La calidad sonora del pakhawaja y las características de su técnica están directamente relacionadas con los aspectos estéticos y emocionales del dhrupad: lentitud, rigor y coherencia en el despliegue del tejido sonoro basado en reglas estrictamente reguladas.

Al mismo tiempo, pakhavaj ha desarrollado capacidades virtuosas-técnicas, lo que permite al músico llenar los clichés metrítmicos (theka) asociados con dhrupad con diversas figuraciones rítmicas. Muchas técnicas características del pakhawaj se convirtieron en la base de la tabla, la técnica del tambor, con la tradición de tocar música a la que está conectada por lazos de continuidad.

Escuche el solo de Pakhawaj

tumbaknari, tumbaknaer)

(tumbaknari, tumbaknaer) es el tambor cáliz nacional de Cachemira que se utiliza para solos, acompañamiento de canciones y en bodas en Cachemira. La forma es similar a la del Zerbakhali afgano, pero el cuerpo es más grande, más largo y los indios pueden tocar dos tumbaknari simultáneamente. La palabra tumbaknari consta de dos partes: Tumbak y Nari, donde Nari significa vasija de barro, ya que, a diferencia del tonbak iraní, el cuerpo del tumbaknari está hecho de arcilla. Este tambor lo tocan tanto hombres como mujeres. Otros tambores en forma de copa utilizados en la India son humate(gumat) Y Jamuka(jamuku) (India del Sur).

Escuche el solo de tumbaknari con gotham.

Damaru ( damaru)

damaru- un pequeño tambor de doble membrana de la India y el Tíbet, con forma de reloj de arena. Este tambor suele estar hecho de madera con membranas de cuero, pero también puede estar hecho íntegramente de cráneos humanos y una membrana de piel de serpiente. El resonador está hecho de cobre. La altura del Damru es de unos 15 cm. El peso es de unos 250-300 g. Este tipo de tambor se toca girándolo con una mano. El sonido se produce principalmente mediante bolas que están unidas a una cuerda o cordón de cuero enrollado alrededor de la parte estrecha del damru. Cuando una persona balancea el tambor con movimientos ondulantes de las muñecas, la bola (o bolas) golpean ambos lados del damaru. Este instrumento musical es utilizado por músicos viajeros de todo tipo debido a su reducido tamaño. También se utiliza en la práctica ritual del budismo tibetano.

Skull damru se llama "thöpa" y generalmente se hace a partir de la parte superior de los cráneos, cuidadosamente cortados por encima de la oreja y unidos en la parte superior. Los mantras están escritos en el interior en oro. La piel se tiñe con cobre u otras sales minerales, así como con mezclas de hierbas especiales, durante dos semanas. Como resultado, adquiere un color azul o verde. La unión de las mitades del damru se ata con un cordón tejido al que se une un asa. En el mismo lugar se atan mazos, cuya concha tejida simboliza los globos oculares. Las calaveras se seleccionan de acuerdo con ciertos requisitos de los antiguos propietarios y los métodos de obtención. Actualmente, la producción de damru en Nepal y su exportación a otros países está prohibida porque los huesos se obtienen principalmente por medios deshonestos. El ritual del "funeral en el cielo" no es tan tradicional como solía ser. En primer lugar, China considera que esto no es del todo legal. En segundo lugar, se ha vuelto más fácil y menos costoso encontrar leña u otros materiales para quemar un cuerpo. Anteriormente, sólo los gobernantes y sacerdotes de alto rango recibían un procedimiento tan costoso. En tercer lugar, la mayoría de los tibetanos mueren ahora en los hospitales. Los pájaros no quieren comerse sus cuerpos empapados en medicamentos, lo cual es necesario antes de fabricar el instrumento.

Damaru es generalmente muy conocido en todo el subcontinente indio. Entre los Shaivitas, se le asocia con la forma de Shiva llamada Nataraja, siendo un símbolo de este último. Nataraja, de cuatro brazos, sostiene un damaru en la parte superior de su mano derecha mientras realiza su danza cósmica tandava. Se cree que el damaru se expresa mediante el primer sonido (nada). Existe una leyenda que dice que todos los sonidos del sánscrito provienen de los sonidos de Shiva tocando el damaru. El ritmo de este tambor simboliza el ritmo de las fuerzas durante la creación del mundo, y ambas mitades personifican los principios masculino (lingam) y femenino (yoni). Y la conexión de estas partes es el lugar mismo donde comienza la vida.

Escuche el sonido del damaru en un ritual budista.

Tambores japoneses, coreanos, asiáticos y hawaianos.

taiko ( taiko)

taiko- una familia de tambores utilizados en Japón. Literal taiko traducido como un tambor grande (barrigón).

Lo más probable es que estos tambores fueran importados de China o Corea entre los siglos III y IX, y después del siglo IX fueran elaborados por artesanos locales, dando lugar a un instrumento japonés único.

En la antigüedad, cada pueblo tenía un tambor de señales. Las combinaciones simples de golpes de taiko transmitían señales sobre un peligro inminente o un trabajo general. Como resultado, el territorio del pueblo estaba determinado por la distancia a la que podía llegar el sonido del tambor.

Imitando el rugido del trueno con un tambor, los campesinos pedían lluvia durante las estaciones secas. Sólo los habitantes más respetados e ilustrados podían tocar el taiko. Con el fortalecimiento de las enseñanzas religiosas básicas, esta función pasó a los servidores del sintoísmo y el budismo, y el taiko se convirtió en instrumentos del templo. Como resultado, el taiko comenzó a tocarse sólo en ocasiones especiales y únicamente por bateristas que habían recibido la bendición de los sacerdotes.

Actualmente, los bateristas taiko tocan composiciones sólo con el permiso del profesor y aprenden todas las composiciones exclusivamente de oído. La notación musical no se mantiene y, además, está prohibida. El entrenamiento se lleva a cabo en comunidades especiales, aisladas del mundo exterior, que representan algo entre una unidad del ejército y un monasterio. Tocar el taiko requiere una fuerza considerable, por lo que todos los bateristas se someten a un riguroso entrenamiento físico.

Se sabe con certeza que uno de los primeros nombramientos del taiko fue el militar. El trueno de los tambores durante los ataques se utilizaba para intimidar al enemigo e inspirar a las tropas amigas a luchar. Más tarde, en el siglo XV, los tambores se convirtieron en un instrumento para señalar y transmitir mensajes durante la batalla.

Además de con fines militares y territoriales, los taiko siempre se han utilizado con fines estéticos. Música con estilo gagaku apareció en Japón durante el período Nara (697 - 794) junto con el budismo y rápidamente echó raíces en la corte imperial como oficial. El taiko único forma parte de un grupo de instrumentos que acompañan las representaciones teatrales. Pero Y kabuki.

Los tambores japoneses generalmente se denominan taiko; según su diseño, se dividen en dos grandes grupos: byo-daiko, en los que la membrana se fija rígidamente con clavos sin posibilidad de afinación, y shime-daiko, que se puede afinar mediante cuerdas. o tornillos. El cuerpo del tambor está hueco a partir de una sola pieza de madera dura. El taiko se juega con palos llamados bati.

En nuestro estudio hay análogos del taiko, del proyecto “Big Drum”, en los que se puede interpretar música tradicional japonesa.

Escucha el sonido de los tambores japoneses.

daiko uchiwa)

Pandereta ritual japonesa utilizada en ceremonias budistas. Traducido literalmente como tambor de abanico. A pesar de su pequeño tamaño, tiene un sonido impresionante. Su forma es similar a la pandereta Chukchi. Hoy en día, los bateristas suelen colocar varios uchiwa-daiko en un soporte, lo que permite interpretar composiciones rítmicas más complejas.

Escuche un set de Uchiwa Daiko

changú).

Canggu es el tambor coreano más utilizado en la música tradicional. Consta de dos partes, que suelen ser de madera, porcelana o metal, pero se considera que el mejor material es la madera de paulownia o de Adán, ya que es ligera y suave, lo que le confiere un bonito sonido. Estas dos partes están conectadas por un tubo y cubiertas por ambos lados con cuero (generalmente de ciervo). En los antiguos rituales campesinos simbolizaba el elemento lluvia.

Utilizado en el género tradicional samulnori. La música de tambor tradicional se basa en la larga tradición de música campesina coreana interpretada durante las fiestas de los pueblos, las ceremonias religiosas y el trabajo en el campo. Las palabras coreanas "sa" y "mul" se traducen como "4 instrumentos" y "nori" significa juego e interpretación. Los instrumentos musicales de la orquesta que interpreta samulnori se llaman changu, puk, pingari y chin (dos tambores y dos gongs).

puk).

Racimo- un tambor tradicional coreano, compuesto por un cuerpo de madera recubierto de cuero por ambos lados. Comenzó a utilizarse a partir del 57 a.C. y normalmente para la música de la corte coreana. El puk suele estar montado sobre un soporte de madera, pero el músico también puede sujetarlo en la cadera. Para golpear se utiliza un palo hecho de madera pesada. Simboliza el elemento del trueno.

Escuchar tambores coreanos

Hay dos tipos de tambores Nga. El primero, Ra-dang o Dang Chen (tambor de mano), se utiliza durante las procesiones rituales. El tambor tiene un mango largo de madera decorado con tallas individuales, en cuyo extremo hay una imagen de un vajra. A veces se ata un pañuelo de seda al mango como símbolo de veneración por el divino instrumento musical.

Nga Chen- un gran tambor de doble cara colgado dentro de un marco de madera. Su diámetro es de más de 90 cm. También se utiliza como decoración una imagen de una flor de loto. La baqueta tiene forma curva y está recubierta de tela en el extremo para mayor suavidad al golpear. La interpretación de este instrumento se distingue por un gran virtuosismo; Hay hasta 300 formas de jugar a Nga Chen (en la membrana hay imágenes y símbolos mágicos ubicados según las zonas cósmicas). Este tambor también se parece a los tambores imperiales chinos.

Nga-bom- un gran tambor de doble cara montado sobre un mango, que se golpea con un palo doblado (uno o dos); nga-shung (nga-shunku): un pequeño tambor de doble cara que se utiliza principalmente durante el baile; rollo: placas con un gran bulto en el centro (se mantienen horizontales); sil-nyuen: placas con una pequeña protuberancia en el centro (y a veces sin ella); "o a Nikolai Lgovsky.

En cuanto a la tribu Tumba-Yumba, proviene del francés "Mumbo-Jumbo", que se remonta al inglés Mumbo Jumbo ("Mumbo-Jumbo"). Esta palabra apareció en los libros de los viajeros europeos a África; significaba un ídolo (espíritu) con el que los hombres asustaban a las mujeres. La palabra "Mumbo-Yumbo" como nombre de una tribu africana se encuentra en el libro "Las Doce Sillas" de I. Ilf y E. Petrov.

El sonido de los tambores aquí y allá.

bajiaogu, bafangu).

Bajiogu- Tambor octogonal chino, similar al riq árabe. Para la membrana se utiliza piel de pitón. El estuche tiene siete orificios para platillos metálicos. Este tambor fue traído a China por los mongoles y era popular entre ellos incluso antes de nuestra era. La pandereta octogonal era también el instrumento nacional de los manchúes. Al parecer, en la antigüedad este tambor se utilizaba para danzas rituales. Durante la dinastía Qin, se representaba un tambor similar en la bandera. Hoy en día, el pandero se utiliza principalmente para acompañar cantos o bailes tradicionales.

El sonido de una pandereta china octogonal en una parte vocal.

Tambor de rana de bronce vietnamita ( tambor de rana).

El tambor de rana es uno de los tambores más antiguos, el progenitor de los metalófonos en el sudeste asiático. Los vietnamitas están especialmente orgullosos de su cultura del bronce. Durante la era de la llamada civilización Dong Son, el pueblo La Viet en 2879 a.C. Se creó el reino semilegendario de Wanglang. Los tambores de bronce con un patrón geométrico característico, escenas de la vida popular e imágenes de animales tótem se convirtieron en el símbolo de la cultura Dong Son. Los tambores desempeñaban no solo funciones musicales, sino también rituales.

Características del Tambor de Bronce Dong Son:

• En el centro del tambor hay una estrella formada por 12 rayos. Estos rayos se alternan en patrones con forma de triángulo o pluma de pavo real. Según los antiguos, la estrella en el centro del tambor es un símbolo de fe en el Dios Solar. Las plumas de los tambores demuestran que los pájaros eran los tótems de los habitantes de aquella época.
• Alrededor de la estrella hay plantas, animales y patrones geométricos. Muchos investigadores interpretan las escenas cotidianas representadas en los tambores como un "funeral" o una "fiesta que hace llover".
• En el cuerpo del tambor se suelen pintar barcos, héroes, pájaros, animales o zoras geométricas.
• El tambor tiene 4 brazos.

Ahora se utilizan tambores similares en Tailandia y Laos. Las leyendas del pueblo Ho-Mong dicen que el tambor salvó la vida de sus antepasados ​​durante las grandes inundaciones. El tambor era uno de los objetos que se colocaba junto al difunto en la tumba (zona de Dong Son, provincia de Thanh Hoa, Vietnam).

Escuche el sonido de la orquesta de tambores de ranas.

gedombak).

GRAMOedombek es un tambor con forma de copa utilizado en la música folclórica malaya. El cuerpo del tambor está hecho de madera dura, principalmente yaca (fruta del pan de las Indias Orientales) o angsana. La membrana está hecha de piel de cabra. Por lo general, dos personas tocan con dos instrumentos, uno de los cuales se llama Gendang Ibu (Madre), que tiene un sonido más bajo, y el otro, Gendang Anak (Niño), que tiene el mismo tamaño pero un sonido más alto. Al tocar, el tambor se encuentra en posición horizontal, la membrana se golpea con la mano izquierda mientras la mano derecha cierra y abre el agujero. Normalmente, un gendongbak se utiliza junto con un tambor gendang ibu de doble cara.

Escucha el sonido de hedonback

Tono de tambor tailandés ( thon, thab, thap).

En Tailandia y Camboya se llama un tambor muy parecido al gedonbek y una enorme darbuka. Tono. A menudo se utiliza junto con un tambor de marco llamado ramana (ramana). Estos dos instrumentos a menudo reciben el mismo nombre thon-ramana. El tono se coloca sobre las rodillas y se golpea con la mano derecha mientras el ramana se sostiene con la mano izquierda. A diferencia del hedonbak, el tono es mucho mayor: su cuerpo alcanza una longitud de un metro o más. El cuerpo es de madera o loza. Los tonos palaciegos son muy bonitos con adornos de nácar. Con estos tambores suelen organizar una procesión de baile y tocar polirritmos con metalófonos.

Escuche el sonido del tono en la procesión de baile.

Gendang).

GRAMOendang(Kendang, Kendhang, Gendang, Gandang, Gandangan): el tambor de una orquesta tradicional de gamelan de Indonesia. Entre los javaneses, sudaneses y malayos, un lado del tambor es más grande que el otro y produce un sonido más bajo. Ambas caras de los tambores Bali y Maranao son iguales. El artista suele sentarse en el suelo y tocar con las manos o con palos especiales. En Malasia, el gendang se utiliza junto con el tambor gedombak.

Los tambores varían en tamaño:

• Kendhang ageng, kendhang gede o kendhang gendhing es el tambor más grande y de tono bajo.
• El tambor Kendhang ciblon es de tamaño mediano.
• Kendhang batangan, kendhang wayang de tamaño mediano, utilizado para acompañamiento.
• Kendhang ketipung es el tambor más pequeño.

A veces, una batería está hecha de tambores de diferentes tamaños y un intérprete puede tocar diferentes tambores al mismo tiempo.

Escuche el sonido de un set de gendangs indonesios

Tambor hawaiano Ipu (Ipu)

Ipu es un instrumento de percusión hawaiano que se utiliza a menudo para crear música de acompañamiento durante los bailes de hula. La ipu se elabora tradicionalmente a partir de dos frutos de calabaza.

Hay dos tipos de ipu:

• ipu-heke(ipu heke). Elaborado a partir de dos frutos de calabaza conectados entre sí. Las calabazas se cultivan especialmente para lograr la forma deseada. Cuando han alcanzado el tamaño adecuado, se cosechan las calabazas, se les quitan las puntas y la pulpa, dejando la cáscara dura y vacía. El fruto más grande se coloca en la parte inferior. Se corta un agujero en la fruta pequeña. Las calabazas se pegan con savia del árbol del pan.
• Ipu-heke-ole(ipu heke ʻole). Está hecho de una fruta de calabaza, a la que se le corta la parte superior. Con estos instrumentos, las niñas pueden bailar y al mismo tiempo marcar el ritmo.

Los hawaianos suelen jugar sentados, golpeando la parte superior del ipu con los dedos o las palmas. Para resaltar el primer tiempo de cada compás, el intérprete golpea un nudo de tela suave que se encuentra frente al intérprete en el suelo, produciendo un sonido profundo y resonante. Los golpes posteriores se realizan por encima del suelo, en la parte inferior del instrumento, con tres o cuatro dedos, creando un sonido agudo.

Escuche el acompañamiento ipu de canciones hawaianas.

Tambor hawaiano Pahu (Pahu)

Pahu– tambor tradicional polinesio (Hawái, Tahití, Islas Cook, Samoa, Tokelau). Se corta de un solo tronco y se cubre con piel de tiburón o de raya. Se juega con las palmas o los dedos. El pahu se considera un tambor sagrado y suele encontrarse en un templo (heiau). Sirve como acompañamiento de canciones y bailes tradicionales de hula.

Los tambores que tienen significado religioso se llaman Heiau Pahu(rueda de oración). El tambor de oración suele utilizar piel de raya, mientras que el tambor musical suele utilizar piel de tiburón. El tambor para acompañamiento musical se llama. Hula Pahu. Ambos tambores tienen una historia antigua y tienen una forma similar.

Los tambores pequeños suelen tallarse en el tronco de un cocotero. También hay tambores Pahu, que parecen una mesa enorme, en la que el músico toca de pie.

Escuche el acompañamiento del tambor pahu para el baile hula hawaiano.

tambores africanos

djembé (djembé)

djembé- un tambor en forma de copa de África occidental (de unos 60 cm de altura y un diámetro de membrana de unos 30 cm), excavado en una sola pieza de madera sobre el que se extiende piel de antílope o de cabra, a menudo con placas de metal " kesingkesing", utilizado para amplificar el sonido. Apareció en el Imperio de Malí en el siglo XII y en sentido figurado se llamaba Healing Drum. Se cree que la forma abierta del cuerpo proviene de una trituradora de granos convencional. Dependiendo del golpe, el djembé produce tres sonidos principales: bajo, tonal y bofetada aguda. Los ritmos africanos se caracterizan por los polirritmos, cuando varias líneas de tambores crean un ritmo común.

El djembé se toca con las palmas de las manos. Golpes básicos: Bajo (en el centro de la cabeza), Tono (el golpe principal en el borde de la cabeza), Slap (golpe en el borde de la cabeza).

Ganó gran popularidad en el siglo XX gracias al grupo Le Ballet Africains, el Conjunto Nacional de Guinea. La popularidad del djembé también se vio facilitada por el hecho de que es relativamente fácil de transportar en la mano, tiene unos graves bastante potentes y la producción de sonido es accesible para los principiantes. En África, los maestros del djembé se llaman djembefola. Djembefola debe conocer todas las partes de los ritmos que se interpretan en el pueblo. Cada ritmo corresponde a un evento específico. El djembé es un instrumento solista y de acompañamiento, lo que te permite contar mucho a los oyentes y, literalmente, ¡hacer que la gente se mueva!

Escuche un djembé solo con dunduns y shaker

Dunduny

Dunduny- tres bombos de África Occidental (de menor a mayor: Kenkeni, Sangban, Dudunba). Dunumba - Gran tambor. Sangban - Tambor medio. Kenkeni - caja.

Estos tambores tienen piel de toro estirada sobre ellos. La piel se estira mediante cuerdas y anillos metálicos especiales. Estos tambores están afinados en consecuencia según su nivel de tono. El sonido se hace con un palo.

Los dunduns son la base del conjunto tradicional (ballet) en África occidental. Los dunduns forman una melodía interesante y encima suenan otros instrumentos, incluido el djembé. Inicialmente, cada bombo lo tocaba una persona, golpeando el parche con un palo y una campana (kenken) con el otro. En una versión más moderna, una persona juega simultáneamente en tres carretes montados verticalmente.

Cuando se toca en conjunto, el bombo forma un polirritmo básico.

Escuche dundoons africanos

Kpanlogo ( kpanlogo)

Kpanlogo - Tambor de clavija tradicional en la región occidental de Ghana. El cuerpo del tambor está hecho de madera dura, la membrana está hecha de piel de antílope. La piel se fija y ajusta mediante clavijas especiales que se insertan en un orificio del cuerpo. La conga es muy similar en forma y sonido, pero de menor tamaño.

El intérprete de kpanlogo debe ser inventivo y mantener un diálogo musical (preguntas y respuestas) con otros instrumentos. La parte kpanlogo incluye elementos de improvisación, cambiando constantemente el patrón según los movimientos del bailarín. El kpanlogo se toca con la palma de la mano y las técnicas son similares a la conga o el djembé. Al tocar, el tambor se sujeta con los pies y se inclina ligeramente hacia afuera. Este es un instrumento muy interesante y melódico, que suena hermoso tanto en ritmo grupal como en solitario. A menudo utilizan conjuntos de kpanlogos de diferentes tonalidades, que son muy similares a los conjuntos de conga cubanas, que, con toda probabilidad, se originaron a partir de kpanlogos.

Escucha el sonido del set desde kpanlog

Tambores Ashanti ( ashante)

Tambores Ashanti - Batería de clavija tradicional en Ghana. El conjunto lleva el nombre del tambor más grande, Fontomfrom ( Fontomde). A menudo, un tambor grande puede ser más alto que una persona y es necesario subir usando una escalera adjunta al tambor. Los tambores más pequeños se llaman Atumpan ( Atumpan), Apantemo ( apenema), Apetia ( Apetia) .

Los Ashanti llaman a sus tamborileros los tamborileros celestiales. Los tamborileros ocupan un alto puesto en la corte del jefe Ashanti, son responsables de garantizar que las chozas de las esposas del jefe estén en perfecto orden. En tierras Ashanti, las mujeres no tienen derecho a tocar el tambor y el tamborilero no se atreve a mover su tambor de un lugar a otro. Se cree que esto podría hacer que se volviera loco. Algunas palabras no se pueden tocar en un tambor, son tabú. Por ejemplo, no se pueden mencionar las palabras “sangre” y “cráneo”. En la antigüedad, si un baterista cometía un error grave al transmitir el mensaje del líder, le podían cortar las manos. Hoy en día no existe tal costumbre, y sólo en los rincones más remotos un baterista puede perder el oído por negligencia.

Con la ayuda de los tambores, los Ashanti pueden cantar toda la historia de su tribu. Esto se hace durante algunos festivales, cuando los tamborileros recitan los nombres de los jefes fallecidos y describen acontecimientos importantes en la vida de la tribu.

Escuche el sonido de los tambores Ashanti.

tambor parlante ( tambores parlantes)

tambor parlante- un tipo especial de tambores africanos, originalmente destinado a mantener la comunicación entre pueblos. El sonido del tambor podía imitar el habla humana y se utilizaba un complejo sistema de frases rítmicas. Como regla general, un tambor parlante tiene dos cabezas, forma de reloj de arena, la piel de ambos lados se aprieta con un cinturón hecho de cuero o intestinos de animales trenzados alrededor del cuerpo. Cuando se toca, el tambor parlante se sostiene debajo de la mano izquierda y se golpea con un palo curvo. Al apretar el tambor (es decir, las cuerdas del tambor), el intérprete cambia el tono de su sonido, mientras se resaltan diferentes notas de su sonido. Cuanto más comprimes el tambor, más alto suena. Todo esto da lugar a diferentes versiones del “lenguaje del tambor”, gracias al cual es posible transmitir diversos mensajes y señales a otros pueblos vecinos. Algunos ejemplos de ritmos de tambores están asociados con seres espirituales de cada tribu. Los sonidos de las oraciones y las bendiciones de los tambores parlantes inician un nuevo día en innumerables aldeas de África occidental.

El tambor parlante es uno de los instrumentos más antiguos utilizados por los griots de África occidental (en África occidental, miembro de una casta encargada de preservar las historias tribales en forma de música, poesía, cuentos) y sus orígenes se remontan al imperio de antigua Ghana. Estos tambores se extendieron a Centro y Sudamérica a través del Mar Caribe durante la trata de esclavos. Posteriormente, los afroamericanos prohibieron los tambores parlantes porque los esclavos los usaban para comunicarse entre sí.

La herramienta es única a su manera. Exteriormente puede parecer modesto, pero esta impresión es engañosa. Un tambor parlante acompaña a una persona tanto en el trabajo como en el tiempo libre. Hay pocas herramientas que puedan "seguir el ritmo" de una persona. Por eso ocupa, con razón, un lugar especial en la cultura africana y forma parte del patrimonio cultural mundial.

En Congo y Angola, estos tambores se llaman lokole, en Ghana, dondon, en Nigeria, gangan, en Togo, leklevu.

Escuche el ritmo de un tambor parlante

ashiko (ashiko)

ashiko(ashiko) - Tambor de África Occidental en forma de cono truncado. Se considera que la tierra natal de Ashiko es África occidental, presumiblemente Nigeria, y el pueblo yoruba. El nombre se traduce con mayor frecuencia como "libertad". Los Ashikos se utilizaban para curar, durante rituales de iniciación, rituales militares, comunicación con los antepasados, para transmitir señales a distancia, etc.

Ashiko se fabrica tradicionalmente de una sola pieza de madera dura, mientras que los instrumentos modernos se fabrican con tiras unidas. La membrana está hecha de piel de antílope o de cabra, a veces de piel de vaca. Un sistema de cuerdas y anillos controla el grado de tensión de la membrana. Los tipos modernos de ashiko pueden tener membranas de plástico. Los Ashikos tienen una altura de aproximadamente medio metro a un metro, a veces un poco más.

A diferencia del djembé, donde por su forma sólo puede producir dos tonos, el sonido de un ashiko depende de la proximidad del golpe al centro del parche. En la tradición musical del pueblo yoruba, el ashiko casi nunca acompaña al djembé porque son tambores completamente diferentes. Existe la opinión de que el ashiko es un tambor "masculino" y el djembé es un tambor "femenino".

Los tambores con forma de Ashiko se llaman bocu en Cuba y se utilizan durante los carnavales y desfiles callejeros llamados comparsa.

Escucha el tambor africano Ashiko

bata (bata)

bata- Se trata de tres membranófonos con cuerpo de madera en forma de reloj de arena, que tienen en los extremos dos membranas de diferentes diámetros, que se tocan con la mano.

Fabricar bata ya sea mediante el método tradicional africano de vaciar el tronco de un árbol entero o mediante el método moderno de pegar tablas individuales. A ambos lados bata Se estiran membranas hechas de cuero fino (por ejemplo, pieles de cabra). En tradicional bata se fijan y tensan mediante tiras de cuero, la versión industrial de la bata utiliza un sistema de sujeción de hierro diseñado para bongs Y kong. Enu (enú, “boca”) es una membrana más grande, que tiene un sonido correspondientemente más bajo. Realiza trazos abiertos, silenciados y táctiles. Chacha (chachá)- membrana más pequeña. Sobre él se juegan bofetadas y toques. Aprovecharse de bata sentado, colocándolo sobre tus rodillas frente a ti. La membrana más grande se suele tocar con la mano derecha y la más pequeña con la izquierda.

En Cuba el conjunto utiliza 3 bata: Okónkolo- un pequeño tambor que, por regla general, toca un patrón estrictamente fijo que sirve como apoyo rítmico. De hecho, es un metrónomo en conjunto. Este tambor lo suele tocar el baterista menos experimentado. Itotele- tambor central, su función es “responder” al tambor grande Iya. Iyá (Iyá)- el más grande y, por tanto, el más bajo, el “tambor madre”. lo juega olubata- baterista líder y con más experiencia. Iya es el solista del conjunto. Hay muchas opciones de configuración. bata; oh la regla principal es el tono chacha cada carrete más grande coincide con enu siguiente más pequeño. A menudo se cuelgan pequeñas campanas en la bata.

bata fueron traídos a Cuba desde Nigeria junto con esclavos africanos del pueblo yoruba, uno de cuyos objetos de culto era Changó (Shangó, Changa, Jakuta, Obakoso), Señor de los tambores. En Cuba bata Comenzó a usarse ampliamente en la música ritual, donde el número de tambores en un conjunto se redujo a tres (en Nigeria suele haber entre 4 y 5).

bata Juega un papel importante en las ceremonias religiosas. santería, en el que el tamborileo es el lenguaje de comunicación con los dioses, y el sentido del ritmo está asociado con la capacidad de una persona para "ir por la vida" correctamente, es decir, realizar las acciones correctas en el momento adecuado. Los tambores en la santería se perciben como una familia, donde cada uno tiene su propia voz y sus propias responsabilidades asignadas, mientras que el patrón de cada especie bata es un orisha "dios" de la santería separado: el patrón de concolo es Changó, andotele- Ochun, a iya - Yemayá . Además, se cree que cada tambor tiene su propia “alma” anya (aña), que se “invierte” en la bata recién hecha durante un ritual especial, “nacida” de las “almas” de otras batas que ya han pasado por la iniciación. Se conocen casos en los que personas fueron transportadas especialmente desde Nigeria. aña, mientras fabrica un nuevo “cuerpo” de tambor en Cuba.

Antes de la revolución socialista de 1959, el toque de tambores Bata se realizaba en rituales cerrados donde se invitaba a iniciados o iniciados. Sin embargo, después de la revolución, la música cubana fue declarada tesoro nacional de Cuba y se crearon grupos (por ejemplo, el Conjunto Folclórico Nacional de Cuba) que estudiaban música tradicional (principalmente religiosa). Esto, por supuesto, provocó el descontento entre los bateristas "dedicados". Aunque la música Bata se ha vuelto de dominio público con el tiempo, todavía es costumbre separar los tambores utilizados en ceremonias religiosas ( fundamentalo (fundamento)) y "mundano" ( aberícula).

Escucha los tambores bata

Bugaraboo ( bougarabú)

Bugaraboo(énfasis en U) - Un instrumento tradicional de Senegal y Gambia, no se encuentra en otros países africanos. Normalmente, un músico toca tres o cuatro tambores al mismo tiempo. El cuerpo tiene forma de copa o algo así como un cono invertido. A veces el cuerpo está hecho de arcilla.

Unas décadas antes, el bougarabou era un instrumento solista. Lo tocaban con una mano y un palo. Sin embargo, las generaciones recientes han comenzado a ensamblar herramientas en instalaciones. Quizás fueron influenciados por el instrumento de la conga: como sabes, siempre se utilizan varios al tocar. Para un mejor sonido, el baterista usa una pulsera de metal especial, que agrega color al sonido.

Bugarabu es similar en apariencia a un djembé, pero la pata es más corta o está ausente por completo, la madera es de otro tipo y un poco más delgada, por lo que el sonido es más melódico. Al tocar, el baterista se pone de pie y golpea físicamente con fuerza el parche. El sonido del instrumento es, por un lado, hermoso: brillante y profundo, y por otro lado, práctico: se puede escuchar a muchos kilómetros de distancia. Los bugaraboos tienen un característico sonido profundo y ondulante, de ahí el nombre del tambor. Un sonido sonoro y unos graves profundos y duraderos son las características distintivas de este tambor, que combina una gran superficie de ejecución y un cuerpo voluminoso y resonante. A menudo se utiliza como bombo de fondo para tocar con djembé y otros tambores. Sin embargo, también es fantástico para jugar en solitario.

Sonido del tambor boogaraboo africano

Sabar ( sabar)

sabar - Instrumento tradicional de Senegal y Gambia. Tradicionalmente se juega con una mano y un palo. La varita se sostiene en la mano izquierda. Al igual que el kpanlogo, la membrana sabar está asegurada con clavijas.

Sabar se utiliza para la comunicación entre pueblos, en distancias de hasta 15 km. Diferentes ritmos y frases ayudan a transmitir mensajes. Hay varios tamaños diferentes de este tambor. Sabar también se llama el estilo musical de tocar sabar.

Escuche el tambor africano sabar

Kebero ( kébero)

kébero - tambor cónico de doble cara utilizado en la música tradicional de Etiopía, Sudán y Eritrea. El Kebero es el único tambor que se utiliza durante los servicios religiosos cristianos en Etiopía. Durante los días festivos civiles se utiliza una versión pequeña del kebero. El cuerpo está hecho de metal, ambos lados están cubiertos con una membrana de cuero.

El tambor con forma de barril tipo Kebero se menciona en la letra de la canción "Seven Hathor", que se interpretó con acompañamiento instrumental y baile. Una grabación del texto se conserva en el templo de la diosa Hathor en Dendera (construido entre el 30 a. C. y el 14 d. C.). Posteriormente, el tambor en forma de barril se convirtió en una tradición de épocas posteriores. Un tambor cónico similar. cabero utilizado durante los servicios en la Iglesia Copta, y ahora se conserva en los rituales de la Iglesia Etíope.

Escuche el servicio etíope con kebero

udu ( udu)

udu- un tambor de barro africano originario de Nigeria (udu es a la vez “vasija” y “mundo” en lengua igbo). Los sonidos profundos e inquietantes que producía el oud parecían para muchos ser las “voces de los antepasados” y originalmente se usaba en ceremonias religiosas y culturales. Cuando se golpea el agujero, se produce un sonido grave y profundo, un sonido cerámico que resuena en toda la superficie. Puede tener una membrana en la superficie.

Vale la pena señalar que simplemente no existe una escuela tradicional para tocar el oud, así como tampoco existe un nombre generalmente aceptado para este instrumento. En realidad, esto no es nada sorprendente, dado que durante la mayor parte de su historia los ibo vivieron en grupos dispares. La única técnica básica común a todos los músicos nigerianos es golpear el orificio lateral mientras abre y cierra el mástil del tambor con la otra mano. Esto produce un bajo hipnótico, razón por la cual mucha gente ama tanto a Uda. Lo mismo ocurre con el nombre del instrumento: cambia no sólo de una región a otra, sino también de las ceremonias para las que se utiliza el tambor. El nombre que se le atribuye con mayor frecuencia es "abang mbre", que simplemente significa "jugar a la olla". Otro detalle interesante es que inicialmente sólo las mujeres tocaban el udu.

A pesar de la aparición del udu fabricado con fibra de vidrio y madera, la arcilla sigue siendo el material más popular para fabricar este instrumento. Hoy en día, la mayoría de los artesanos fabrican tambores en el torno de alfarero, pero en Nigeria todavía está muy extendido el método tradicional de fabricarlos sin el uso de máquinas ni herramientas complejas. Existe una técnica interesante para tocar un oud de fibra de vidrio en la que se cambian las propiedades del resonador vertiendo agua en una olla. Con el agua, el tambor adquiere un sonido verdaderamente místico.

Los instrumentos udu combinan un sonido único "resonante en agua" con una cálida vibración "terrestre", creando una fusión perfecta de tonos envolventes profundos y agudos. Agradable de ver y sentir, relajante y pacífico para el oído, Udu puede llevarte a una meditación profunda, brindándote una sensación de comodidad y tranquilidad.

Escucha el sonido del oud

Calabaza ( calabaza, calebasse)

Calabaza - un bombo grande hecho con una calabaza. En Malí se utilizaba originalmente para cocinar. Se juega con manos, puños o palos. El diámetro del instrumento es de unos 40 cm. En ocasiones se sumerge la calabaza en un recipiente con agua y se golpea con el puño, en este caso se obtiene un bajo muy potente y contundente.

Escucha el sonido de la calabaza.

Buen trago ( tambor gome)

Buen trago - bombo de Ghana. Elaborado a partir de una caja de madera (45x38 cm) y piel de antílope. Lo tocan sentados en el suelo, mientras usan los talones para ayudar a cambiar el tono. El estilo de música es cercano al afrocubano. El tambor fue introducido en Ghana en el siglo XVIII por pescadores congoleños. Parece)

El rey tribal o adivino utiliza este tambor en ceremonias. Los yoruba decoran ricamente sus tambores con diversas figuras.

Chókwè, Angola
(Chokwe)

Chokwe es un tambor de doble cara que se utiliza para la comunicación a larga distancia y la narración ritual.

Senufo, Costa de Marfil
(Senufo)

Senufo es un tambor de doble cara que se utiliza para la comunicación a larga distancia y el acompañamiento épico.

Escucha ritmos africanos yoruba

Escucha los ritmos africanos de Chokwe

Escucha ritmos africanos Senufo

tambor cuba,
Nigeria (Kuba)

El tambor real tiene ricas incrustaciones de conchas.

Bamileke, Camerún
(BAMILEKE)

Pertenece a la nacionalidad del mismo nombre en Camerún.

Yaka, Camerún
(YAKA )

Tambor de madera con ranura. Este tambor se utiliza como acompañamiento y se toca con dos baquetas.

tambores latinoamericanos

cajón ( cajón )

cajón Apareció en el Perú a principios del siglo XIX. Según una versión, los esclavos utilizaban cajas de frutas para tocar música, ya que las autoridades coloniales españolas prohibieron los tambores africanos. El pico de su popularidad llegó a mediados de siglo; hasta finales del siglo XIX, los músicos continuaron experimentando con los materiales y el diseño del cajón para lograr un mejor sonido. A partir de ese momento comenzó a extenderse por América Latina y hacia el siglo XX se había convertido en parte integral de la cultura musical peruana y cubana.

En la década de 1970, el compositor y fabricante de cajones peruano Caitro Soto regaló el cajón al guitarrista español Paco de Lucía, que visitó Perú. A Paco le gustó tanto el sonido del cajón que el famoso guitarrista se compró otro instrumento antes de abandonar el país. Un poco más tarde, Paco de Lucía introdujo el cajón en la música flamenca y su sonido quedó firmemente asociado a esta dirección musical.

En nuestra web podrás encontrar un tutorial sobre ritmos flamencos para darbuka.

Escucha el sonido del cajón.

Kongs ( conga )

conga es un tambor cubano alto y estrecho con raíces africanas, posiblemente derivado de los tambores Makuta Makuta o tambores Sikulu comunes en Mbanza Ngungu, Congo. A la persona que toca congas se le llama "conguero". En África, las congas se fabricaban con troncos huecos; en Cuba, el proceso de fabricación de las congas recuerda al de los barriles. En realidad, las congas cubanas se fabricaban originalmente con barriles. Estos instrumentos eran comunes en la música religiosa afrocaribeña y en la rumba. Las congas son ahora muy populares en la música latina, especialmente en estilos como la salsa, el merengue, el regaetón y muchos otros.

La mayoría de las congas modernas tienen un cuerpo de madera tallada o fibra de vidrio y una membrana de cuero (plástico). Cuando se tocan de pie, las congas suelen tener aproximadamente 75 cm desde el borde del cuerpo hasta la cabeza del intérprete. La conga también se puede tocar sentado.

Aunque las congas se originaron en Cuba, su inclusión en la música popular y folclórica de otros países ha llevado a una diversificación de la terminología para la documentación y los intérpretes. Ben Jacobi, en su Introducción al tambor de conga, sugiere que los tambores se llaman congas en inglés, pero tumbadoras en español. Los nombres de los carretes individuales, de mayor a menor, como se les llama comúnmente en Cuba:

• súper tumba Puede alcanzar un diámetro de aproximadamente 14 pulgadas (35,5 cm).
• Gabinete (tumba) suele tener un diámetro de 12 a 12,5 pulgadas (30,5 a 31,8 cm).
• conga (conga) generalmente de 11,5 a 12 pulgadas (29,2 a 30,5 cm) de diámetro.
• quinto aproximadamente 11 pulgadas de diámetro (aproximadamente 28 cm).
• requinto puede tener menos de 10 pulgadas de diámetro (24,8 cm).
• ricardo) aproximadamente 9 pulgadas (22,9 cm). Debido a que este tambor suele estar montado en una correa para el hombro, suele ser más estrecho y corto que una conga tradicional.

El término "conga" se popularizó en la década de 1950 cuando la música latina se extendió por los Estados Unidos. El son cubano y el jazz neoyorquino se mezclaron y dieron un nuevo estilo, más tarde llamado mambo, y más tarde salsa. En ese mismo período, la popularidad de la Línea Conga ayudó a difundir este nuevo término. Desi Arnaz también jugó un papel en la popularización de las congas. La palabra "conga" proviene del ritmo la conga, a menudo tocado en los carnavales cubanos. Tambores en los que se interpretó el ritmo. la conga tenía un nombre tambores de conga, que se tradujo al inglés como tambores de conga.

Escuchar solos de conga

bongs

Bongó o bongos, instrumento de origen cubano que consiste en un par de tambores abiertos de una sola cabeza colocados uno al lado del otro. El tambor de mayor diámetro se llama “embra” (hembra - mujer española, hembra), y el más pequeño se llama “macho” (macho - “macho” en español). Un bong más pequeño suena aproximadamente un tercio más alto que uno más ancho.

Al parecer, los bongs llegaron a América Latina junto con los esclavos de África. Históricamente, los bongos están asociados a estilos de la música cubana como la salsa, el changui y el son, que aparecieron en el oriente de Cuba en la segunda mitad del siglo XIX. Sin embargo, cabe señalar que en Marruecos, así como en Egipto y otros países de Oriente Medio, se han encontrado pares de tambores tipo bong con cuerpos de cerámica y piel de cabra.

Escuchar solos de bongó

(Pandeiro)

- Pandereta sudamericana utilizada en Portugal y otros países.

En Brasil, el pandeiro es considerado un instrumento musical popular, el alma de la samba. El ritmo del pandeiro complementa el sonido del atabaque cuando se utiliza en el acompañamiento musical de la capoeira brasileña.

Tradicionalmente, el pandeiro es un borde de madera sobre el que se estira una membrana de piel. Campanas de metal en forma de copa (en port. platinelas) están integradas en los lados del borde. Hoy en día, la membrana del pandeiro o de todo el pandeiro suele estar hecha de plástico. El sonido del pandeiro se puede modular apretando y aflojando la membrana.

La pandeira se toca de la siguiente manera: el intérprete sostiene la pandeira en una mano (a menudo se hace un agujero en el borde de la pandeira en uno de los espacios entre las campanas de platinella para el dedo índice para que sea más conveniente sostener la pandeira). instrumento), y con la otra mano golpea la membrana, que, de hecho, produce sonido.

La creación de diferentes ritmos en la pandeira depende de la fuerza del golpe sobre la membrana, de dónde cae el golpe y de qué parte de la palma se golpea: el pulgar, las yemas de los dedos, la palma abierta, la palma de barco, el borde de la palma o la parte inferior de la palma. El pandeiro también se puede agitar o frotar con un dedo a lo largo del borde del pandeiro, produciendo un sonido ligeramente chirriante.

Al alternar diferentes golpes en el pandeiro y, por tanto, extraer diferentes sonidos, los ritmos del pandeiro son sonoros, claros e incluso ligeramente transparentes. Pandeiro generalmente se diferencia en que puede crear un tono resonante y pronunciado. Da claridad al sonido y acentúa bien al interpretar ritmos rápidos y complejos.

“Tu-tu-pa-tum” es uno de los ritmos más simples que se tocan en el pandeiro. Dos golpes con el pulgar en el borde del pandeiro (“tu-tu”), un golpe con toda la palma en el centro del pandeiro (“pa”) y nuevamente un golpe con el pulgar en el borde del pandeiro ( “tum”). En el último golpe, se agita un poco la pandeira, haciendo un movimiento ascendente con el instrumento, como “hacia” la palma que golpea.

La relativa simplicidad de este instrumento, que a primera vista no es tan difícil (especialmente en comparación con el berimbau) de aprender a tocar, es engañosa. La técnica de tocar la pandeira es bastante difícil. Para convertirte en un verdadero maestro tocando la pandeira es necesario practicar mucho, como, en principio, en cualquier negocio en el que quieras convertirte en un profesional.

Escucha el solo de Pandeiro

- Tambor de doble parche de bajo brasileño muy profundo y ruidoso. Hechas de metal o madera fina, las cabezas están cubiertas con piel de cabra (a menudo de plástico en la actualidad). El surdo se utiliza activamente en la música del carnaval brasileño. Surda se toca con un palo con una punta suave en la mano derecha, y la mano izquierda, sin palo, amortigua la membrana en el medio. A veces el sonido se produce con dos mazos. Hay tres tamaños de surdo:

1. Surdu “(ji) primera”("de primeira") o "ji marcação" ("de marcação") es el bombo con un diámetro de 24 pulgadas. Reproduce los tiempos segundo y cuarto del compás: ritmos acentuados en samba. Esta es la base para la formación de la batería.

2. Surdu "(ji) segunda"(“de segunda”) o “ji resposta” (“de resposta”) con un diámetro de 22 pulgadas. Reproduce la primera y tercera cuenta del compás. Como sugiere su nombre - "resposta", "respuesta", - el surdu segunda responde al surdu primeira.

3. Surdu "(ji) terceira"("de terceira") o "ji crorci" ("de corte"), "centrador" ("centrador") tienen un diámetro de aproximadamente 20 pulgadas. Toca los mismos ritmos que la surda primeira, con la adición de varias variaciones. El ritmo de toda la batería se basa en el sonido de este tambor.

Escuchar surdo solo

Cuica

Kuika es un instrumento musical de percusión brasileño del grupo de los tambores de fricción, más utilizado en la samba. Tiene un timbre chirriante y agudo de registro alto.

Es un cuerpo cilíndrico de metal (originalmente de madera), de 6 a 10 pulgadas de diámetro. La piel se estira sobre un lado del cuerpo, el otro lado permanece abierto. En el interior, se fija una vara de bambú en el centro y perpendicular a la membrana de cuero. El instrumento se cuelga lateralmente a la altura del pecho mediante un cinturón. Al tocar el cuik, el músico frota la baqueta de arriba a abajo, utilizando un paño húmedo sostenido en una mano, mientras presiona con el pulgar de la otra mano la membrana de cuero del exterior, en la zona donde se fija la baqueta. Los movimientos de fricción generan sonido y el tono cambia según el grado de presión sobre la membrana.

Kuica juega un papel rítmico importante en la música samba de todos los géneros. Destaca el uso del instrumento por parte de grupos de intérpretes del carnaval de Río de Janeiro, en las secciones rítmicas de intérpretes de cuique. En ausencia de tales músicos, los cantantes brasileños pueden imitar el sonido del cuiki.

Escucha el sonido de kiuka.

Tambor Pow Wow ( Tambor Pow Wow)

Tambor Pow Wow- un tambor tradicional indio americano hecho al estilo Sioux Drums. El tambor está cuidadosamente ensamblado a partir de 12 secciones de las principales especies de árboles de Nuevo México, una para cada mes del año; las piezas se pulen, luego se cubren con cuero crudo y se trenzan. El instrumento se utilizaba en rituales de curación, comunicación con espíritus y como acompañamiento de danzas. El tamaño de los carretes varía mucho; Varios músicos tocan grandes tambores.

Escuche a los indios americanos cantando el tambor pow-wow

tamboril ( Tambor de acero, sartén, timbal)

Stilldrum o tambor de acero- inventado en la década de 1930 después de la aprobación de una ley en Trinidad y Tobago que prohibía los tambores de membrana y las varas de bambú para interpretar música. El tambor comenzó a forjarse a partir de barriles de acero (que en gran cantidad quedaron en las playas después del final de la Segunda Guerra Mundial), a partir de láminas de acero de 0,8 a 1,5 mm de espesor. Afinar el instrumento consiste en formar zonas en forma de pétalos en esta chapa de acero y darles el sonido deseado mediante martillos. Es posible que sea necesario restablecer la herramienta una o dos veces al año.

Utilizado en la música afrocaribeña como el calipso y la soca. El instrumento también está representado en las fuerzas armadas de la República de Trinidad y Tobago: desde 1995 existe una "banda de acero" en las fuerzas de defensa, que es la única banda militar en el mundo que utiliza un tambor de acero. Por lo general, el conjunto toca varios tipos de instrumentos: el ping-pong dirige la melodía, el boom de la melodía forma la base armónica y el boom del bajo mantiene el ritmo.

Es el predecesor de instrumentos como el hang drum y el glucófono.

Escuche la melodía de Steel Drama junto con Cajon y Ukulele

tambores europeos

Tamorra ( tamorra)

tamorra, también llamada tamborra (etimológicamente relacionada con la palabra Tamburo o tambor en italiano), es un tambor de armazón con sonajas ligeras, típico de la tradición musical folclórica de la provincia italiana de Campania, pero también común en Sicilia. Se parece a un pandero vasco, pero es mucho más pesado y de mayor tamaño. La técnica de juego utiliza movimientos alternos del pulgar y todos los demás dedos. También se utiliza una técnica única de rotación del cepillo. Por primera vez, en los antiguos frescos romanos aparecen imágenes de panderetas similares a la tamorra, y la posición de la mano del músico recuerda mucho a la técnica tradicional moderna.

Al parecer, estos tambores están estrechamente relacionados con los misterios antiguos. Los restos de estos misterios dionisíacos han sobrevivido prácticamente hasta nuestros días en forma de tradiciones musicales asociadas con el llamado tarantismo. El tarantismo, según algunos investigadores, es una de las formas de histeria colectiva asociada a la antigua creencia en una criatura mítica, la llamada Taranta, que a veces se identifica con la araña tarántula, aunque esto no es del todo correcto. Taranta es más bien un espíritu maligno, un demonio que, cuando poseía a sus víctimas, generalmente mujeres jóvenes, provocaba convulsiones, nubosidad de la conciencia e incluso ataques histéricos. Las epidemias de tarantismo cubrieron regiones enteras. Este fenómeno ha sido descrito en las crónicas desde principios de la Edad Media.

Para curar esta enfermedad, se invitaba a un intérprete de tamorra a ejecutar un ritmo rápido (normalmente en 6/8) durante un largo tiempo, acompañado de canto o de un instrumento melódico. El paciente al que se le realizaba este ritual debía moverse rítmica y rápidamente durante muchas horas. El ritual podría durar hasta un día o más, provocando un agotamiento total. Para una curación completa, el procedimiento se realizó varias veces al año. Los últimos casos de tarantismo se describieron en los años 70 del siglo pasado. De este ritual proceden las danzas folclóricas tarantella y su forma más antigua pizzicarella. Los movimientos convulsivos de la víctima, de la que partía el espíritu maligno, fueron ritualizados con el tiempo y transformados en diversos movimientos de danza de estas danzas incendiarias.

En nuestro estudio podrás escuchar el sonido de Tamorra interpretada por Antonio Gramsci.

Escucha los ritmos de Tamorra

boyrán ( bodhrán)

boyrán- un instrumento musical de percusión irlandés que se asemeja a una pandereta con un diámetro de aproximadamente medio metro (normalmente 18 pulgadas). palabra irlandesa bodhran traducido como “atronador”, “ensordecedor”. El boyran se sostiene verticalmente y se toca de una manera específica con un palo de madera que se asemeja a un hueso. El kit de un jugador de boyran profesional incluye palos de una amplia variedad de formas y tamaños.

La singularidad del boyran radica en el uso de un palo con dos puntas al jugar, que golpea la membrana con un extremo u otro, lo que permite reducir significativamente el intervalo entre golpes. Este palo tiene un nombre especial: " kipin". La segunda mano (normalmente la izquierda) se utiliza para silenciar el parche y cambiar el tono del sonido. A veces se utiliza un palo de una sola punta, pero luego hay que hacer más movimientos con la mano para realizar ritmos de velocidad similar.

El diámetro del borano suele ser de 35 a 45 cm (14″-18″). La profundidad de sus lados es de 9-20 cm (3,5″-8″). La pandereta está cubierta por un lado con piel de cabra. El otro lado está abierto a la mano del intérprete, que puede controlar el tono y el timbre del sonido. Puede haber 1 o 2 barras transversales en el interior, pero generalmente no se fabrican con herramientas profesionales.

Hoy en día, el bodhran se utiliza no solo en la música folclórica irlandesa, sino que ha ido mucho más allá de las fronteras de esta pequeña isla, y en el bodhran se toca música que, al parecer, no tiene nada que ver con el entorno en el que nos encontramos. Estaba acostumbrado a verlo y oírlo, pero donde no aparecía, un pedazo de Irlanda aparece allí con él.

Escucha el solo de boyran

Lambeg, Irlanda del Norte ( cordero)

Además del bodhran, que generalmente está fuertemente asociado con la música folclórica irlandesa y las tradiciones del Partido de Liberación Nacional, Irlanda también tiene otro tambor, el lambeg, que se encuentra principalmente en Irlanda del Norte y está asociado con las tradiciones del Partido Liberal Unionista que defiende el Norte. Irlanda seguirá siendo parte del Reino Unido). Comparado con bojran, el lambeg es mucho menos popular, aunque en realidad no es menos interesante y único.

El nombre del tambor - "lambeg" - es un nombre genérico, como fotocopiadora; así llamamos a todas las fotocopiadoras, aunque en realidad es el nombre de la empresa. Lambeg es una zona cercana a Lisburn, a pocos kilómetros al suroeste de Belfast. Se cree que este nombre se pegó al tambor, porque Fue allí donde empezaron a tocarlo con palos de caña.

Lambeg, junto con los tambores japoneses, es uno de los tambores más ruidosos del mundo. A menudo, el volumen de su sonido alcanza los 120 decibeles, lo que es comparable al sonido de un pequeño avión despegando o al sonido de un taladro neumático. Durante las procesiones callejeras, el sonido del lambeg se puede escuchar a lo largo de varios kilómetros de la zona.

¿Qué es este “monstruo”? El diámetro del lambeg es de unos 75 cm, la profundidad es de unos 50 cm y el peso es de 14-18 kg. El cuerpo suele estar hecho de roble y la parte superior e inferior están cubiertas con piel de cabra. Anteriormente el lambeg se elaboraba a partir de una sola pieza de madera, pero desde... Hoy en día, estos árboles ya no crecen; está hecho de dos losas de roble curvadas, unidas desde el interior como un barril. Se estira una piel más gruesa en un lado del tambor y una más delgada en el otro, dependiendo de si el propietario del tambor es diestro o zurdo (la mano más fuerte debe golpear la piel más gruesa). Pero independientemente del grosor de la piel, el tono del sonido al impactar en ambas membranas debe ser el mismo.

Como se mencionó anteriormente, el lambeg se toca con palos de caña, porque La caña no tiene costuras de conexión, por lo que no se refracta en el medio. Está dividido por hilos a lo largo de toda la longitud del palo, por lo que gradualmente los palos se deshilachan en los extremos y fallan.

En cuanto a la decoración, el lambeg puede ser muy sencillo y austero o estar completamente decorado con símbolos militares, conmemorativos, religiosos o políticos.

Durante los ensayos o actuaciones, el lambeg se instala en un soporte especial, pero durante las procesiones los artistas tienen que llevarlo literalmente encima. Se adjunta una correa duradera al tambor, que pasa por encima del mástil. Al mismo tiempo, muy a menudo se puede observar una imagen en la que un músico camina y varias personas corren de un lado a otro, ayudándolo a llevar el tambor, apoyándolo aquí y allá.

La versión más fiable del origen del lambeg es que llegó a Irlanda desde Escocia o el norte de Inglaterra en la primera mitad o mediados del siglo XVII con inmigrantes, ex militares o desde Holanda a través de Guillermo de Holanda. En cualquier caso, todos los investigadores coinciden en que el antepasado del lambeg es un tambor militar ordinario de tamaño mucho más pequeño. Y comenzó a “crecer” un siglo y medio después, entre 1840 y 1850, debido a la competencia habitual entre los intérpretes, algo así como: “Mi tambor es más grande que tu tambor...” Antes de eso, el lambeg solía ir acompañado por los sonidos de una flauta, pero después de que casi duplicó su tamaño, las flautas dejaron de escucharse, y ahora el par “lambeg-flauta” es la excepción y no la regla.

Como se mencionó al principio del artículo, Lambeg está fuertemente asociado con el Partido Liberal Unionista, o la Orden Naranja, que organiza procesiones cada año en julio, y en agosto el Partido de Liberación Nacional marcha con un boyran en sus manos. En cuanto a los ritmos que interpretan, son muy similares en muchos aspectos, porque los orígenes, en cualquier caso, independientemente de la afiliación política, son folklóricos. Además de estas procesiones políticas, durante todo el año se celebran festivales en Irlanda, donde cientos de artistas compiten para ver quién toca mejor el lambeg. A menudo, estas competiciones duran varias horas seguidas, hasta que los participantes quedan completamente exhaustos. El festival más grande de este tipo tiene lugar en Markethill, Co. Armag, el último sábado de julio.

Escuche el rugido del tambor lambeg

tambor suizo)

Los suizos lograron la independencia en 1291 y se convirtieron en un modelo de destreza militar. Las necesidades de las marchas prolongadas y la vida en los campamentos contribuyeron al desarrollo de la música de tambores en el siglo XV. El resto de Europa se dio cuenta de estas formas musicales militares en la batalla de Marignano (cerca de Milán, Italia) en 1515.

Los principados germánicos adoptaron esta música marcial en los siglos XVI y XVII. Los franceses utilizaron mercenarios suizos en los años 1600 y 1700, quienes utilizaron música de tambores que influyó en el resto del ejército francés. Durante el reinado de la reina Ana en Gran Bretaña, el ejército inglés se volvió muy desorganizado e indisciplinado. En 1714 se reorganizó el ejército inglés, tAsí es como el ejército británico (a excepción de los regimientos escoceses) adoptó la música de batería.

Se utilizaron ritmos de tambor para transmitir diversas señales. La vida en el campo militar requiere una secuencia de señales diarias: hora de levantarse, desayuno, avisar que está enfermo, prepararse, almuerzo, llamadas de servicio, cena, retiro nocturno, toque de queda. En marcha con Las señales se utilizaron para realizar diversas formaciones, incluyendo detener la marcha, expandirse, compactarse, acelerar o desacelerar. Un uso importante de los tambores fue en el desfile antes y después de la batalla. Contrariamente a la creencia popular, los tambores no se usaban en el campo de batalla porque eran demasiado ruidosos y confusos.

La historia de los rudimentos del tambor está estrechamente relacionada con el tambor suizo, que más tarde se transformó en caja. caja), que antes se llamaba tambor lateral (ing. tambor lateral- es decir, "un tambor que se lleva en el costado") o simplemente - un tambor militar (ing. militar- militar).

En 1588 se publicó el libro “Orquestrografía” de Thoinot Arbeau de Dion (Francia). En él, Arbo describió el “golpe suizo” y el “golpe de tormenta suizo”. Estos trazos se presentaron en varias combinaciones, pero no se especificó la digitación para ellos.

Hacia 1778, cuando los tambores ya estaban bien integrados en el sistema militar, el barón Friedrich von Stuben de Filadelfia escribió un manual sobre el uso de los tambores, a través de cuyas señales (ritmos) se daban las órdenes apropiadas.

La primera persona en utilizar el término "rudimento" fue Charles Stewart Ashworth. En 1812, Charles Stuart Ashworth publicó su libro de texto Un nuevo, útil y completo sistema de percusión, que utilizaba el término para clasificar un grupo de rudimentos de percusión. Se posicionó (y con razón se le considera como tal) como el padre de la teoría rudimentaria.

En 1886, el director de orquesta de la Marina de los EE. UU., John Philip Sousa, escribió su obra didáctica Trumpet and Drum, un libro de instrucciones para la trompeta y el tambor de campaña. Al ser un manual para bateristas militares, también se generalizó entre los civiles, ya que contenía un conjunto completo de rudimentos para aquella época.

La Asociación Nacional de Bateristas Rudimentales (abreviada NARD) comenzó en 1933. Esta organización fue creada para promover los rudimentos e introducirlos en el sistema educativo. NARD decidió posicionar 26 rudimentos principales, divididos en dos tablas, cada una de las cuales incluía 13 rudimentos.

Escuche el duelo de tambores suizos de la película "Drumroll"

Timbales ( tímpanos)

Tímpanos- un instrumento musical de percusión con un tono determinado. Son un sistema de dos o más (hasta siete) cuencos metálicos en forma de caldero, cuyo lado abierto está recubierto de cuero o plástico y la parte inferior puede tener un agujero.

Los timbales son un instrumento de origen muy antiguo. En Europa, los timbales, similares en forma a los modernos, pero con una afinación constante, se hicieron conocidos ya en el siglo XV, y desde el siglo XVII los timbales forman parte de las orquestas. Posteriormente apareció un mecanismo de tornillos tensores que permitió reconstruir los timbales. En asuntos militares, se utilizaron en la caballería pesada, donde se utilizaron para transmitir señales de control de combate, en particular, para controlar la formación de soldados de caballería. Los timbales modernos se pueden afinar a un tono específico mediante un pedal especial.

A finales de 2014 se descubrieron en las bóvedas del Vaticano timbales fabricados por Antonio Stradivari. El nombre Stradivarius se asocia entre el gran público, en primer lugar, a los violines, sin embargo, ahora sabemos con certeza que también existen baterías Stradivarius, como se muestra en la imagen de esta nota.

El cuerpo de los timbales es un cuenco en forma de caldero, generalmente hecho de cobre y, a veces, de plata, aluminio o incluso fibra de vidrio. El tono principal del instrumento está determinado por el tamaño del cuerpo, que varía de 30 a 84 cm (a veces incluso menos). Se obtiene un tono más alto con un instrumento más pequeño.

Se extiende una membrana de cuero o plástico sobre el cuerpo. La membrana se mantiene en su lugar mediante un aro, que a su vez se fija mediante tornillos que se utilizan para ajustar el tono del instrumento. Los timbales modernos están equipados con pedales, cuya presión reorganiza fácilmente el instrumento e incluso permite interpretar pequeñas partes melódicas. Normalmente, cada uno de los tambores del instrumento oscila entre una quinta y una octava.

El timbre del instrumento está determinado por la forma del cuerpo. Entonces, la forma hemisférica crea sonidos más sonoros y la forma parabólica crea sonidos más apagados. La calidad de la superficie del cuerpo también afecta el timbre. Las baquetas de timbal son varillas de madera, caña o metal con puntas redondas, generalmente cubiertas con fieltro suave. El timbalero puede conseguir diferentes timbres y efectos sonoros utilizando baquetas con puntas de distintos materiales: cuero, fieltro o madera.

Tocar los timbales consta de dos técnicas principales: golpes simples y trémolo. Cualquiera de las estructuras rítmicas más complejas se forma a partir de tiempos únicos, utilizando uno o varios timbales. El trémolo, que puede alcanzar frecuencias enormes y se asemeja a un trueno, también se puede tocar con uno o dos instrumentos. En los timbales es posible lograr enormes gradaciones de sonido, desde un pianissimo apenas audible hasta un fortissimo ensordecedor. Entre los efectos especiales se encuentra el sonido apagado de los timbales cubiertos con trozos de tela suave.

Escuche el concierto de timbales

Adufe)

- una gran pandereta cuadrada portuguesa de origen árabe con dos membranas, en cuyo interior a menudo se vierten frijoles o pequeños guijarros, que suenan durante el juego. La membrana está hecha de piel de cabra y está disponible en tamaños de 30 a 56 cm (12 a 22 pulgadas). Tradicionalmente, las mujeres tocan esta pandereta durante las procesiones religiosas y durante los festivales de música regionales.

En 1998, en la Exposición Universal de Lisboa, el músico José Salgueiro presentó adufes gigantes, que tuvieron un gran éxito.

En España, un instrumento similar se llama pandero cuadrado(plaza pandeiro). A diferencia de Adufe, a él no sólo lo golpean con la mano, sino también con un palo. Más recientemente, este instrumento casi desapareció: lo tocaban tres mujeres del pueblo. Actualmente lo juegan profesionalmente los españoles Ales Tobias y Cyril Rossolimo.

Curiosamente, el Museo de El Cairo alberga un tambor rectangular de doble cara del siglo XIV a. C., que fue encontrado en la tumba de una mujer llamada Hatnofer.

Escucha el ritmo para adufe

Escuche la orquesta con pandeiros cuadrados.

De hecho, es un aro único; la parte que suena del instrumento son platillos o campanas de metal unidos directamente a él. También existe un tipo de pandereta con membrana.

La pandereta se conoce desde tiempos inmemoriales. Se puede encontrar en el sur de Francia y la India, en México y África Central, en las islas de la Polinesia y en Asia; en resumen, varios pueblos han rendido homenaje a este maravilloso instrumento. Pero la pandereta es originaria de Provenza y del País Vasco, donde, como dijo Gevart, se usaba en combinación con una pipa casera.