Brunelleschi e Donatello sono grandi maestri del primo Rinascimento. Sculture di Donatello e biografia delle opere di Donatello

Donatello(circa 1386–1466). Il vero nome dello scultore è Donato di Niccolo di Betto Bardi, ma è meglio conosciuto con il suo nome diminutivo.

Fin dai tempi della scultura italiana non ha conosciuto un maestro di tale scala, forza interiore e tale potenza plastica e ricchezza di linguaggio artistico.
L'armonia delle statue di Donatello è di un ordine diverso da quella dei suoi contemporanei - e di Nanni di Banco - se nelle prime opere di Donatello si notano ancora tendenze gotiche, in seguito lo scultore arrivò a creare nuove forme classiche, unendo antico e moderno.

Donatello nacque a Firenze o nei dintorni tra il 1382 e il 1387, molto probabilmente nel 1386. Veniva da una famiglia abbastanza ricca. Il padre di Donatello, discendente dell'antica famiglia Bardi, era un artigiano - pettinatore di lana, ma perse la fortuna e morì abbastanza presto. Fin dalla sua giovinezza, lo scultore ha dovuto guadagnarsi da vivere da solo. Dopo la morte del padre, Donatello visse con la madre in una piccola e modesta casa; Donato non frequentò la scuola da bambino e capiva piuttosto male il latino.

Per la prima volta il nome di Donatello è citato nei documenti nel 1401 - all'epoca lavorava come gioielliere a Pistoia - presumibilmente, Donatello dapprima studiò in una bottega di oreficeria, ma non si sa di chi fosse, così come allievo come nella bottega del pittore e scultore Bicci di Lorenzo, avvalendosi del patrocinio di un ricco banchiere fiorentino Martelli. Nel 1403 il nome Donatello si trova già nella bottega del Ghiberti, dove lavorò fino al 1407, contribuendo a realizzare modelli in rilievo per le seconde porte del battistero fiorentino. Il 25 novembre 1406 il nome di Donatello è citato nei documenti relativi alla costruzione della Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Nel 1407 Donatello lasciò il Ghiberti e iniziò a lavorare in botteghe, occupandosi della decorazione del Duomo di Firenze.
Già intorno al 1414 Donatello rompe decisamente con le tradizioni della bottega ghibertiana e intraprende la strada dello sviluppo autonomo, Donatello cambia radicalmente metodo artistico, abbandonando le tradizioni gotiche del suo maestro, e diventa praticamente il capostipite di un nuovo tipo di scultura. A questo dovrebbe aver contribuito molto la vicinanza al Brunelleschi, che Donatello avrebbe potuto incontrare entro il 1403, quando lavorò alla statua del David per il contrafforte del Duomo di Firenze. Il Brunelleschi fu probabilmente il primo ad introdurre Donatello alle nuove idee umanistiche e al modo di lavorare tutta "antica, che allora era in voga.

Si sa molto poco di Donatello come persona. Nessuna delle sue lettere, nemmeno una delle sue dichiarazioni dirette, è sopravvissuta. Tutto ciò che si sa su di lui proviene da fonti successive e non è sempre affidabile. Ci sono solo poche notizie antiche - ad esempio, il suo amico Matteo degli Organi testimonia nel 1434 che Donatello era "un uomo che si accontentava di ogni cibo modesto e generalmente senza pretese". Giovanni Medici scrisse che Donatello non aveva altra carica che quella che gli diedero le sue stesse mani. Quando Cosimo Medici regalò a Donatello un bel vestito, lo scultore lo indossò una o due volte e non lo indossò più, per non “sembrare femminuccia” ( Vespasiano da Bisticci*).
Alla luce di queste testimonianze dei contemporanei, la storia del Vasari, che compare già nel trattato, non sembra così inverosimile. Pomponio Gaurico* "Sulla scultura" (1504). «Era un uomo estremamente generoso e amabile, e trattava i suoi amici meglio di se stesso; non dava mai alcun valore al denaro e lo teneva in un cesto appeso al soffitto con una corda, da cui ciascuno dei suoi studenti e amici poteva attingere secondo necessità, senza dirgli nulla.
La sua personalità suscitò il rispetto dei fiorentini, come testimonia eloquentemente la trama di uno spettacolo di strada, in cui giunse un messaggero con un invito alla corte dello stesso “Re di Ninive” per eseguire ordini importanti, ai quali Donatello rifiutò, perché doveva finire la statua per il mercato fiorentino e non poteva fare altro. Si è conservata la testimonianza di Ludovico Gonzaga, che tentò senza successo di convincere il maestro a trasferirsi a Mantova: «I suoi cervelli sono disposti in modo tale che se non vuole venire, allora tutte le speranze devono essere abbandonate».
Il carattere di Donatello non era facile, spesso ritardava l'evasione degli ordini, spesso rifiutava di adempiere ai suoi obblighi quando non erano di suo gradimento e non attribuiva molta importanza allo stato sociale del cliente. Tale libertà di comportamento era possibile nella Firenze repubblicana, ma già nel XVI secolo era piuttosto un'eccezione, poiché gli artisti divennero dipendenti dalla corte dei Medici.

Per quanto riguarda Donatello, l'uomo si sa della sua pratica creativa. Nessuno dei suoi disegni, nessuno dei suoi modelli è sopravvissuto fino ai nostri giorni. Nel frattempo, Vasari aveva i suoi disegni nella sua collezione e Pomponio Gaurico riferisce che Donatello affermava che la base della scultura è un disegno: in questa fase viene fissato un motivo, che riceve ulteriore raffinamento in un piccolo modello di creta o cera. Tali modelli, secondo Paolo Giovio*, Donatello lo ha rifatto più volte fino a trovare la giusta soluzione. Sfortunatamente, nessun modello del genere è sopravvissuto.
Il maestro realizzò le statue per lo più lui stesso, affidando ai suoi allievi solo piccoli dettagli, nell'esecuzione di grandi ordini monumentali si avvalse ampiamente del lavoro di assistenti, statue e rilievi in ​​bronzo, ordinava solitamente di fondere abili campanai, sebbene fosse lui stesso conosce bene la tecnica della fusione dal bronzo. La finitura della superficie di statue e rilievi in ​​bronzo è stata eseguita dallo stesso Donatello - senza eccessiva accuratezza, levigandoli, lasciandoli con una sorta di "incompletezza", allontanandosi dalle tradizioni della gioielleria, tenendo conto della distanza da cui verrà vista la statua e dell'impressione che questa statua farà, installata nel luogo previsto. Donatello, secondo il Vasari, «lavorò tanto con le mani quanto con il calcolo», contrariamente ai maestri, le cui «opere finiscono e sembrano belle nella stanza in cui sono fatte, ma poi di là viene tolto e posto in un'altra luogo, con un altro illuminato o ad un'altezza maggiore, assumono un aspetto completamente diverso e danno un'impressione esattamente opposta a quella che producevano nel loro luogo originale.
A differenza della regia classica della plastica fiorentina, in cui hanno lavorato molti suoi contemporanei, le creazioni di Donatello sono realizzate con realismo e vivacità, con maggiore libertà e coraggio. Donatello risolse i compiti della nuova arte realistica per mezzo di plastiche statuarie e rilievi. La statua è il problema centrale dei suoi primi lavori. Qualche tempo dopo (1420 circa), Donatello iniziò a sviluppare il problema di un rilievo prospettico e sfaccettato, che in seguito lo occupò per tutta la vita. Il lavoro di questo maestro si sviluppa lungo queste due direttrici.

E un altro problema importante ed eterno è il rapporto tra Donatello e l'antichità e il ruolo dell'antichità nella sua opera. Il popolo del Rinascimento era incline a considerare Donatello come "il grande imitatore degli antichi" - qualcosa come l'onnipresente Vasari guardava le cose. Le opere di Donatello, a suo avviso, "erano considerate più simili alle straordinarie creazioni degli antichi greci e romani di qualsiasi altra cosa mai fatta da chiunque". Questo legame di Donatello con il patrimonio antico è stato fortemente sottolineato nella letteratura dell'Ottocento, mentre M. Reymond e V. Bode* non si soffermava sulla fondamentale dissomiglianza di Donatello con gli antichi maestri. Riconoscendo che Donatello ricercava con insistenza campioni antichi e, per quanto possibile, li usava con cura, Bode allo stesso tempo osservava: "... è improbabile che qualcun altro, in tutta la sua percezione, fosse così lontano dall'antichità come lui ."

In effetti, Donatello trattò l'antica eredità in modo così arbitrario e seppe subordinare antichi prestiti alle proprie idee con tale successo da dissolversi completamente in esse. Ai suoi occhi, il motivo antico era quasi sinonimo di un motivo realistico: era particolarmente tenace nella sua ricerca quando si trovava di fronte al compito di raffigurare una figura in movimento o contrapposto*. Le forme ideali degli antichi classici non lo toccavano molto. Ma tutto ciò che ha avuto espressione nell'arte antica, come, ad esempio, ritratto romano I-III secolo d.C * Rilievo storico romano ( Colonna Traiana*), sarcofagi provinciali romani, ornamento architettonico romano, si interessava vivamente e non aveva paura di trarre motivi individuali da queste fonti. Ma ciò che è notevole è che fino ad oggi non si conosce un solo monumento antico che Donatello copierebbe accuratamente. Non ci sono prestiti diretti da fonti antiche nei suoi primi lavori, che aprono una nuova era. Non esiste una sola statua (tranne la cosiddetta Atisa Amorino)
e non un solo rilievo su un tema antico, che ricevette tanta importanza dagli scultori nella seconda metà dei secoli XV-XVI. Dominano completamente i temi cristiani, in cui gli echi antichi non risuonano così spesso (nel periodo successivo scompaiono quasi completamente).

Figura allegorica di ragazzo (Atis) 1430 Donatello. Bronzo. Museo Nazionale del Bargello.

Il primo indiscutibile delle opere di Donatello giunte fino a noi è il suo "Davide"- ora al Museo del Bargello. Questa statua è stata creata per contrafforte* Duomo fiorentino nel 1408-1409, ma poi, probabilmente per le sue dimensioni insufficienti per un luogo così remoto, fu trasferito per ordine della signoria nel 1416 a Palazzo Vecchio, dove la statua fu ultimata dal maestro. Quindi il rotolo nelle mani di David fu sostituito da una fionda, che ricevette un'iscrizione che richiedeva atti civili: "Coloro che combattono coraggiosamente per la loro patria, gli dei concederanno aiuto anche contro gli avversari più terribili". La statua fu collocata vicino al muro di Palazzo Vecchio e servì come simbolo dell'indipendenza di Firenze.

Davide. 1409 Donatello.

La testa di David è decorata con una corona di foglie. amaranto* - antico emblema della gloria immortale dei coraggiosi. Questo particolare fu senz'altro suggerito a Donatello da qualche conoscitore di letteratura antica, molto probabilmente suo amico. Niccolò Niccoli* - così decoravano le statue di Achille, Giasone, Ercole. Per il resto, la statua è ancora in gran parte connessa con le tradizioni dell'arte gotica medievale: la curva gotica della figura, gli arti aggraziati, un viso magro e grazioso privo di carattere, che ricorda in qualche modo il tipo dell'antico Bacco. Ma nella ricca vita plastica del corpo con l'uso estensivo del contrapposto (la spalla destra e la gamba spinte in avanti, la testa girata in senso opposto, la gamba sinistra arretrata), il desiderio del maestro di dispiegare liberamente la figura in lo spazio è già sentito. Di grande successo e nuovo è il motivo di una gamba sinistra nuda, efficacemente incorniciata da pieghe cadenti di drappeggi.
Tradizionalmente, David era ritratto come un re saggio degli anni avanzati - con un rotolo di leggi nelle sue mani, o un salmista - con una lira. L'immagine del giovane David vincitore è stata associata al ricordo della liberazione di Firenze dalla minaccia milanese e della guerra vittoriosa con il re napoletano. Nell'interpretazione di Donatello, David è mostrato come un giovane guerriero che celebra la sua vittoria sul gigante Golia. Questa statua è la prima nell'opera di Donatello di una serie di statue a tema eroico.

Negli anni 1408-1415, per la facciata del duomo di Firenze, vari scultori realizzarono le statue dei quattro Evangelisti - Giovanni Evangelista, patrono del lanificio, opera di Donatello, San Luca - opera di Nanni di Banco, San Marco - Nicolò Lamberti, San Matteo - Chuffagni (1410-1415), ora sono nel museo del Duomo a Firenze. Quando la commissione edilizia distribuì gli ordini per queste statue nel 1408, il giovane Donatello ottenne una barra di marmo di Carr, alta e larga, ma non abbastanza profonda - non superiore a mezzo metro - sufficiente per la scultura gotica, ma chiaramente piccola per una rappresentazione più realistica di persona seduta, e quindi scultura, è essenzialmente altorilievo*. Donatello risolse il problema scegliendo una posizione per la figura con giro delle gambe obliquo, opposto al giro del capo, introducendo nel contempo una tensione latente nella figura seduta passivamente. L'apostolo seduto è un vecchio forte e potente, con mani potenti, pieno di sobria dignità e nobiltà. Una testa massiccia, un viso coraggioso e forte, incorniciato da grandi ciocche di capelli e barba fluenti, uno sguardo penetrante, mani pesanti abituate al lavoro conferiscono a John imponenza e potenza, che ricordano il "Mosè" di Michelangelo, che era chiamato "il figlio di questo padre", tale l'immagine del "Giovanni" Donatello seduto è considerato l'ispiratore e geniale predecessore del capolavoro del Rinascimento.
In questa sua statua, Donatello fa un deciso passo avanti. A rigor di termini, questa è la prima statua veramente rinascimentale in cui ha trovato espressione una nuova idea di uomo. A partire da questo pezzo, Donatello entra in un nuovo periodo del suo lavoro e crea capolavori che aprono una nuova era nell'arte.
Nell'era del Trecento le sculture erano immagini incorporee, ma qui Donatello conferisce a Giovanni un carattere realistico e terreno.

Giovanni Evangelista. 1410-11 Donatello.

In una fase iniziale della creatività, Donatello si è cimentato in diverse direzioni. Probabilmente intorno al 1412-1413 (o 1415-1425) scolpì nel legno crocifissione, oggi custodito nella chiesa fiorentina di Santa Croce.
Somiglia al rilievo del suo maestro Ghiberti, simile nel tema, sulle seconde porte del battistero fiorentino. Cristo è raffigurato con un corpo forte e muscoloso, ma il volto non è abbastanza espressivo per Donatello. I ricercatori non sono ancora giunti a un consenso sulla paternità di Donatello e sul momento della creazione della Crocifissione lignea, sebbene la maggior parte tenda a credere che contenga caratteristiche caratteristiche del primo Donatello.
Quest'opera di Donatello è citata due volte nelle fonti del XVI secolo, e Vasari riporta anche un aneddoto (tra l'altro non particolarmente attendibile) - che lo scultore mostrò l'opera al suo caro amico Filippo Brunelleschi subito dopo il completamento, ma donò una valutazione mediocre della "Crocifissione" lignea, il suo aspetto troppo plausibile: Contadino in croce.

crocifissione. 1412-13 Donatello. Legna. Chiesa di Santa Croce, Firenze.

Nel 1412 Donatello fu ammesso alla corporazione San Luca* - la corporazione dei pittori, come pittore, scultore e orafo. Nei primi anni della sua vita Donatello eseguiva quasi esclusivamente ordini pubblici (per comuni, officine, chiese) - realizzava statue per piazze e facciate - per un'ampia visuale, che rispondeva pienamente alle esigenze dell'"umanesimo civile". In seguito Donatello eseguì commissioni private. La sua fama crebbe rapidamente e tutto ciò che usciva dalle sue mani sorprese invariabilmente i suoi contemporanei, compreso un peculiare spirito di ribellione.

Nel 1411-1412 si esibì Donatello statua di San Marco per una nicchia sul lato sud dell'edificio della chiesa di Orsanmichele, che adorna ancora la nicchia ad essa destinata. Secondo testimonianze documentarie fu realizzata dal maestro quasi contemporaneamente alla statua di Giovanni Evangelista seduto (1408-1415), ma artisticamente è di gran lunga superiore alla statua per il Duomo.
La statua di Marco fu commissionata dai capisquadra della filatura del lino, motivo per cui Donatello elaborò con tanta cura i drappeggi degli abiti, raffigurandoli in svariate forme, e issò anche la statua dell'Evangelista su un cuscino piatto. Nonostante il fatto che la statua si trovi in ​​una nicchia, abbia immediatamente attirato l'attenzione dei contemporanei, Donatello ha espresso il carattere individuale del personaggio con grande abilità.

La figura di Marco è insolitamente proporzionale, stabile e monumentale, forse per la prima volta dopo gli antichi maestri si risolveva il problema di una fissazione stabile della figura. Tutto il peso del corpo leggermente curvo poggia sulla gamba destra, la gamba sinistra, leggermente piegata all'altezza del ginocchio, è leggermente arretrata, la mano sinistra che regge il libro tiene contemporaneamente il mantello, che giace in pieghe libere, delineando il rilievo di la gamba, tutta la lunga veste antica è completamente subordinata alla figura, sottolineando la sua posizione è calma, piena di dignità. Tutto in questa figura è pesante e materiale: la pesantezza del corpo, le braccia muscolose e la plasticità del tessuto degli abiti. Michelangelo disse della statua di Marco che “non ha mai visto una statua così simile a un uomo per bene; se quello fosse S. Mark, puoi fidarti dei suoi scritti.

evangelista Marco. 1411 Donatello. Marmo. Chiesa di Orsanmichele, Firenze.

Per la chiesa di Orsanmichele Donatello realizzò una statua in bronzo dorato commissionata dalla parte guelfa, oggi conservata nel museo della chiesa di Santa Croce a Firenze.
San Ludovico di Tolosa, discendente del clan degli Angioini, rinunciò alla corona napoletana, avendo preso la tonsura nell'ordine monastico francescano, nel 1297 fu consacrato all'arcivescovo di Tolosa, all'età di 23 anni morì.
L'intera figura del santo è avvolta da un ampio mantello sopra una semplice tonaca francescana, da sotto la veste sono visibili solo le mani e le dita calzate di sandali. Con la mano destra il santo benedice e con la sinistra si stringe un bastone, anch'esso creazione di uno scultore unico per l'epoca. La testa del bastone è decorata con figurine di antichi putti - fanciulli nudi posti tra lesene corinzie. La testa di Luigi è coronata da una pesante mitra arcivescovile.

Nel 1460 la parte guelfa rivendò la nicchia esterna della chiesa di Orsanmichele alla corporazione dei mercanti, non volendo vedere la statua del loro santo protettore circondato dai santi protettori delle corporazioni degli artigiani. La statua di San Luigi fu trasferita al Museo di Santa Croce, dove è tuttora conservata. La statua fu gravemente danneggiata durante un'alluvione nel 1966.

A partire dalla statua di San Luigi, le tendenze realistiche si intensificano nell'opera di Donatello, raggiungendo un altro picco nelle statue dei profeti del campanile fiorentino.

San Luigi di Tolosa. 1413 Donatello. Bronzo. Museo della Chiesa di Santa Croce, Firenze.

Una sorta di apogeo della ricerca creativa del giovane Donatello è la sua statua di San Giorgio, commissionata dall'armeria per Orsanmichele (ora conservata al Bargello). In "George" Donatello incarnava nel modo più completo il nuovo ideale civico. L'eroe è irremovibile come una roccia: non esiste una tale forza al mondo che possa spostarlo dal suo posto, è pronto a respingere qualsiasi assalto. Il Vasari diede la seguente descrizione di questa statua: “... la sua testa esprime la bellezza della giovinezza, il coraggio e il valore nelle armi, un impulso orgoglioso e formidabile, e in tutto un movimento stupefacente che anima la pietra dall'interno. E, naturalmente, in nessuna scultura si può trovare tanta vita, in nessun marmo, tanta spiritualità, come la natura e l'arte messe in quest'opera dalle mani di Donato. Un tempo Giorgio aveva in testa un elmo, nella mano destra teneva una spada o una lancia, con la sinistra, appoggiandosi ad uno scudo con lo stemma di Firenze, si stringeva al petto un fodero. Questi attributi furono indubbiamente suggeriti al maestro dai capisquadra della bottega degli armaioli, che vollero vedere il loro committente dotato di tutto ciò che essi stessi realizzavano. Probabilmente, nella sua forma attuale, quando le sue qualità plastiche appaiono con maggiore rilievo, la statua ha solo vinto.

Può sembrare che Donatello abbia ritratto Giorgio in una rigida posa frontale, ma questa impressione è ingannevole. In effetti, la figura è piena di movimento, ma contenuta. Donatello usa molto sottilmente il contraposto per movimentare la figura. La spalla destra e il braccio destro sono leggermente arretrati, la testa è leggermente girata in direzione opposta, la spalla sinistra è tesa, al corpo viene dato un tipo di movimento rotatorio, la gamba destra, a differenza della sinistra, non va oltre la plinto, ma viene spostato un po' più in profondità da esso. Una tale interpretazione priva la figura di ogni carattere statico, già notato dal Vasari. Donatello tratta la parte frontale della statua in modo tale (ed è pensata per essere vista frontalmente) da percepirla come una sorta di rilievo. Non una singola parte (compreso lo scudo posizionato obliquamente) sporge dall'aereo, le braccia sono premute sul corpo, il mantello legato con un nodo copre strettamente il corpo. Ciò porta ad una facile visibilità della statua, che può essere facilmente catturata a colpo d'occhio, che è notevolmente facilitata da una composizione chiara e attentamente studiata della figura. La statua di Giorgio combina in modo molto peculiare l'isolamento del blocco marmoreo, il rilievo selezionato dell'aspetto frontale e la saturazione del movimento. Questo è ciò che rende la statua un'opera d'arte così unica. Qui Donatello creò una delle immagini più felici e allegre dell'arte rinascimentale, vicina nello spirito generale a ciò che Alberti in seguito formulò chiaramente: "la serenità e la calma di un'anima gioiosa, libera e contenta di se stessa"

Sebbene la statua di Giorgio si trovi in ​​una nicchia gotica precedentemente realizzata, non è in conflitto con essa, poiché le linee verticali sono molto pronunciate nella statua (la posizione diritta dell'intera figura, il mirino dello scudo, il collo, il naso). Nonostante ciò, lo spettatore sente ancora chiaramente che la statua è angusta nello spazio di nicchia assegnatole, che il suo intrinseco eccesso di energia necessita di un campo d'azione più ampio.

San Giorgio. 1416 Donatello. Marmo. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.

San Giorgio. Dettaglio. 1416 Donatello. Marmo. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.

Tra le prime opere del maestro appartiene anche la statua del leone "Marzocco", simbolo di Firenze (1418-1420)

Marzocco. 1419 Donatello. Pietra. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.

Nel decennio successivo Donatello lavorò alle statue dei profeti (1415-1436) per il Campanile del Duomo di Santa Maria del Fiore a Firenze, che furono installate nelle sue nicchie. Il profeta Geremia (1427–1426, Museo del Duomo, Firenze), il profeta Abacuc (1427–1435, Museo del Duomo, Firenze) stupiscono per l'unicità dell'immagine, la forza del dramma, la grandezza monumentale e l'espressione.

Profeta Abacuc. 1427-36 Donatello. Museo del Duomo, Firenze.

Profeta Abacuc. Frammento. 1427-36 Donatello. Museo del Duomo, Firenze.

Profeta Geremia. 1427-36 Donatello. Museo del Duomo, Firenze.

Non dimenticare la tomba Baldassarre Cossa, Antipapa Giovanni XXIII* (1425-1427) - personaggio odioso accusato di tutti i peccati mortali - Donatello lavora a questa lapide insieme a Michelozzo di Bartolomeo.

La lapide è divisa in tre livelli. Il livello inferiore è decorato con ghirlande e immagini di virtù. Quello centrale è un sarcofago con in alto la figura del defunto. Superiore: sotto il drappo piegato, c'è un'immagine del seno di Maria con il bambino. La lapide adiacente alla parete e posta tra due colonne, decorata con elementi di architettura classica (lesene, cornicioni, mensole) è una lussuosa struttura architettonica. Questo tipo di lapide, apparso nel XIII secolo, si diffuse nel XV secolo.

Tomba di Giovanni XXIII 1435 Donatello. , Battistero, Firenze.

Tomba di Giovanni XXIII. Dettaglio. 1435 Donatello. , Battistero, Firenze.

Nel 1422, la testa del martire paleocristiano San Rossore fu trasportata da Pisa a Firenze, si prevedeva di realizzare un nuovo prezioso reliquiario a forma di busto, che i monaci dell'ordine umilia* ordinato Donatello in bronzo con doratura. Il pagamento fu effettuato nel 1427 e nel 1430. La colata fu eseguita nel 1427 da Giovanni di Jacopo. Il busto è stato progettato per essere composto da più parti, per essere sottoposto a doratura infuocata dopo la fusione. A metà del XVI secolo il reliquiario fu trasferito a Pisa nella chiesa di San Stefano. È possibile che Donatello abbia preso in prestito alcuni dettagli dal precedente reliquiario, ma in generale ha creato una nuova immagine del Santo, sfruttando le lezioni di studio del ritratto scultoreo romano.

San Rossore Donatello.

San Rossore Reliquiario. Dettaglio. 1425-27 Donatello. Bronzo. Museo Nazionale di San Matteo, Pisa.

Nel 1430 creò Donatello "Davide"- la prima statua di nudo nella scultura rinascimentale italiana. Raffigurando il suo corpo giovanile, Donatello procedeva senza dubbio da campioni antichi, ma li rielaborava secondo lo spirito del suo tempo. Il pastore biblico, vincitore del gigante Golia, è una delle immagini preferite del Rinascimento: il merito di Donatello non è quello di raffigurare un corpo maschile nudo, ma nell'insolito stesso di questo corpo. Il suo David di bronzo non sembra un severo eroe biblico, ma solo un debole adolescente. Né prima né dopo Donatello nessuno ha interpretato David in questo modo. Il premuroso e calmo David con un cappello da pastore, coprendosi il viso, calpesta la testa di Golia con il piede e sembra non essere consapevole dell'impresa che ha compiuto. A differenza del gotico, la statua fin dall'inizio era stata progettata per una veduta circolare, era destinata a decorare la fontana nel cortile di Palazzo Medici.

Davide. 1430 Donatello.

Davide. Frammento. 1430 Donatello. Bronzo. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.

Davide. Frammento. 1430 Donatello. Bronzo. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.

In un busto in terracotta e dipinto Niccolò da Uzano* (c. 1432) Donatello realizza il primo ritratto scultoreo del Rinascimento. Passando alle sculture di ritratti romani, l'autore ha raffigurato il suo eroe, banchiere e figura politica di spicco a Firenze, in abiti antichi come cittadino romano.

Busto di Niccolò da Uzzano 1430 Donatello. Terracotta. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.

Un viaggio a Roma con Brunelleschi ampliò notevolmente le possibilità artistiche di Donatello, il suo lavoro si arricchì di nuove immagini e tecniche, che influirono sull'influenza dell'antichità. Un nuovo periodo è iniziato nel lavoro del maestro. Nel 1433 completò il pulpito marmoreo del duomo fiorentino. L'intero campo del pulpito è occupato da una gioiosa danza rotonda di ballerini putti* - qualcosa come antichi amorini e allo stesso tempo angeli medievali sotto forma di ragazzi nudi, a volte alati, raffigurati in movimento. Questo è un motivo preferito nella scultura del Rinascimento italiano, che si diffuse poi nell'arte dei secoli XVII-XVIII.


Dipartimento. 1439 Donatello. Marmo. Museo del Duomo, Firenze.

Dipartimento. Frammento. 1439 Donatello. Marmo. Museo del Duomo, Firenze.

Per quasi dieci anni Donatello lavorò a Padova, patria dei più venerati nella Chiesa cattolica Sant'Antonio da Padova*. Per la cattedrale cittadina, dedicata a Sant'Antonio, Donatello completò nel 1446-1450 un grande altare scultoreo con numerose statue e rilievi. Il posto centrale sotto il baldacchino era occupato dalla statua della Madonna col Bambino, ai lati della quale si trovavano sei statue di santi. Alla fine del XVI sec. l'altare fu demolito. Solo una parte di esso è sopravvissuta fino ad oggi, ed ora è difficile immaginare come fosse in origine.I quattro rilievi d'altare esistenti raffiguranti le gesta miracolose di Sant'Antonio consentono di apprezzare le tecniche insolite utilizzate dal maestro. Questo è un tipo di piatto, come se fosse un rilievo appiattito. Le scene affollate sono presentate in un unico movimento in un'ambientazione di vita reale. Enormi edifici cittadini e portici fungono da sfondo per loro. A causa del trasferimento di prospettiva, si ha l'impressione della profondità dello spazio, come nei dipinti.

Madonna con Bambino e Santi Francesco e Antonio. 1448 Donatello.

Miracolo del mulo.* 1447-50 Donatello. Bronzo. Chiesa di S. Antonio, Padova.

Miracolo con un neonato. 1447-50 Donatello. Bronzo. Chiesa di S. Antonio, Padova.

Contemporaneamente Donatello realizzò a Padova una statua equestre di condottiero Erasmo de Narni*, originario di Padova, che fu al servizio della Repubblica di Venezia. Gli italiani lo chiamavano Gattamelata (gatto astuto). Questo è uno dei primi monumenti equestri rinascimentali. La calma dignità è riversata in tutto l'aspetto del Gattamelata, vestito di armatura romana, con la testa nuda alla romana, che è un magnifico esempio di arte del ritratto. Una statua di quasi otto metri su un alto piedistallo è ugualmente espressiva da tutti i lati. Il monumento è posto parallelamente alla facciata della Cattedrale di Sant'Antonio, che permette di vederlo sia contro l'azzurro del cielo, sia in spettacolare confronto con le poderose forme delle cupole.

Statua equestre del Gattamelata 1447-50 Donatello.

Statua equestre del Gattamelata Dettaglio. 1447-50 Donatello. Bronzo, Piazza del Santo, Padova.

Negli ultimi anni trascorsi a Firenze, Donatello visse una crisi spirituale, le sue immagini divennero sempre più drammatiche. Ha creato un gruppo complesso ed espressivo "Giuditta e Oloferne"(1456-1457); statua "Maria Maddalena"(1454-1455) in forma di vecchia decrepita, eremita emaciato in pelle di animale; rilievi, di umore tragico, per la chiesa di San Lorenzo, completata dai suoi allievi.

Giuditta e Oloferne. 1455-60 Donatello.

Giuditta e Oloferne. Dettaglio. 1455-60 Donatello. Bronzo, Palazzo Vecchio, Firenze.

Cristo davanti a Pilato e Caifa. 1460 Donatello.

Giardino del Getsemani. 1465 Donatello. Bronzo. Chiesa di San Lorenzo, Firenze.

Discesa dalla croce. 1465 Donatello. Bronzo. Chiesa di San Lorenzo, Firenze.

Maria Maddalena 1457 Donatello.

Maria Maddalena Dettaglio. 1457 Donatello. Legna. Museo del Duomo, Firenze.

Donatello fu instancabile - si potrebbe dire "maniaco del lavoro" - lavorò in molte città - a Firenze, Pisa, Siena, Prato, Roma, Padova, Ferrara, Modena, Venezia. Le sue opere hanno deliziato i suoi contemporanei, nonostante una certa natura intransigente del maestro: non perseguiva la bellezza esterna, che il pubblico sempre e in ogni momento ama, non cercava di lucidare eccessivamente le sue statue, temendo di privarle della freschezza di il primo piano, e ha continuato a fare come meglio credeva. .

Donatello trascorse gli ultimi anni della sua vita a Firenze, lavorando fino alla vecchiaia; morì nel 1466 e fu sepolto con grandi onori nella chiesa di San Lorenzo, ornata della sua opera.

Sceglierò il profeta Abacuc come "eroe della sera": si distingue dal resto sia nell'aspetto che nell'espressione facciale e anche le pieghe dei suoi vestiti hanno il loro significato irrequieto e il loro ritmo rigoroso. Una figura stupefacente che suscita un certo stupore - voglio involontariamente abbassare gli occhi e allo stesso tempo dare un'occhiata più da vicino - in Avvakum non c'è benevolenza, non c'è pace - al contrario, c'è un fuoco interiore costante - anche il pericolosa, costante, dura implacabilità di una persona che conosce il futuro - sa cosa è nascosto agli altri - da qualcuno per un po', da qualcuno per sempre. - das_regalo

Sfortunatamente, le note a questo testo non si adattano a questo post e non vuoi mai tagliare le note, sono punti di partenza, linee tratteggiate e di chiusura, quindi è necessario renderle un post separato.

Descrizione del percorso creativo del famoso scultore.

Biografia

Maestro Fiorentino Donatello(nome completo - Donato di Niccolo di Betto Bardi) - una delle figure chiave nella creazione della scultura rinascimentale italiana. Ispirò molti contemporanei e lasciò un segno significativo nell'arte del primo Rinascimento. Donatello è alla pari di Filippo Brunelleschi, Tommaso Masaccio e Alberti, grandi artefici della stessa epoca.

Donatello ha creato sculture in bronzo, pietra e legno. La profonda conoscenza e abilità con questi materiali gli hanno permesso di dare vita al suo lavoro, unendo realismo a forti sentimenti. Le opere del maestro sono piene di energia e di pensiero. Lo scultore è autore di molte sculture famose nella storia dell'arte, ma una delle sue opere più famose è la figura del David di nudo.

Davide (1408–1409)

Statua in bronzo del David (1430–1440)

Man mano che la sua reputazione cresceva, Donatello ricevette sempre più nuovi ordini, tra cui la statua in bronzo del David per il palazzo di Casimo Medici. Questa scultura dimostra un allontanamento dai canoni tradizionali dell'arte cristiana: sorprende la femminilità della protagonista, così come il grado della sua nudità (fu una delle prime opere così esplicite realizzate nel Rinascimento). Sebbene David sia raffigurato con la testa morta del Golia sconfitto ai suoi piedi, la figura snella e femminile del giovane fa dubitare che possa sferrare un colpo mortale a un avversario così forte.

Davide. 1440.

Carriera

Il punto di partenza nel percorso creativo del maestro può essere considerato il suo arrivo nello studio di Lorenzo Ghiberti, dove Donatello contribuì alla realizzazione di diverse statue prima di passare al lavoro autonomo. Lo scultore collaborò anche con il famoso Jacopo della Quercia.

Allegoria di Eros

Nel 1411 lo scultore crea una statua di San Marco e, pochi anni dopo, una statua di San Giorgio, che è uno dei primi esempi dell'uso della prospettiva centrale nella scultura. Queste opere sono state eseguite in bassorilievo. Il vantaggio di questo metodo è che consente al master di visualizzare la composizione da diversi punti di vista senza distorcere gli oggetti. Successivamente, Donatello crea cinque statue per la campagna di Giotto, il banchetto di Erode (1427 circa), la Madonna dei Pazzi (1420 circa) e altre opere iconiche.

recessione

La successiva generazione di scultori rinascimentali creò sculture in marmo, contro le quali lo stile di Donatello iniziò gradualmente a svanire. Ma il maestro ha continuato a percepire un reddito, lavorando fino alla fine della sua vita. Il famoso scultore morì nel 1466 e fu sepolto nella Basilica di San Lorenzo, accanto ai Medici.

Donatello ha lavorato a Firenze, Siena, Roma, Padova. Tuttavia, l'enorme fama non ha cambiato il suo modo di vivere semplice. Si diceva che l'altruista Donatello avesse appeso una borsa con i soldi vicino alla porta della sua officina, e che i suoi amici e studenti prendessero dalla borsa quanto avevano bisogno. Da un lato, Donatello desiderava la verità della vita nell'arte. D'altra parte, ha dato alle sue opere i tratti di un eroismo sublime. Queste qualità apparivano già nelle prime opere del maestro - statue di santi destinate alle nicchie esterne delle facciate della Chiesa di Or San Michele a Firenze, e i profeti dell'Antico Testamento del campanile fiorentino. erano in nicchie, ma hanno subito attirato l'attenzione con l'espressività dura e la forza interiore delle immagini. Particolarmente famoso è "San Giorgio" (1416) - un giovane guerriero con uno scudo in mano. Ha uno sguardo concentrato e profondo; sta saldamente a terra, le gambe divaricate. Nelle statue dei profeti Donatello ne sottolineava soprattutto i tratti caratteristici, a volte grossolani, disadorni, perfino brutti, ma vivi e naturali. I profeti di Donatello Geremia e Abacuc sono nature complete e spiritualmente ricche. Le loro forti figure sono nascoste da pesanti pieghe dei mantelli. La vita solcava di profonde rughe il viso sbiadito di Avvakum, che divenne completamente calvo, per questo fu soprannominato Zuccone a Firenze.
Nel 1430 Donatello creò il David, la prima statua di nudo nella scultura rinascimentale italiana. La statua era destinata ad una fontana nel cortile di Palazzo Medici. Il pastore biblico, vincitore del gigante Golia, è una delle immagini preferite del Rinascimento. Raffigurando il suo corpo giovanile, Donatello procedeva senza dubbio da campioni antichi, ma li rielaborava secondo lo spirito del suo tempo. Il premuroso e calmo David con un cappello da pastore, coprendosi il viso, calpesta la testa di Golia con il piede e sembra non essere consapevole dell'impresa che ha compiuto. Un viaggio a Roma con Brunelleschi ampliò notevolmente le possibilità artistiche di Donatello, il suo lavoro si arricchì di nuove immagini e tecniche, che influirono sull'influenza dell'antichità. Un nuovo periodo è iniziato nel lavoro del maestro. Nel 1433 completò il pulpito marmoreo del Duomo di Firenze. L'intero campo del dipartimento è occupato da una gioiosa danza rotonda di putti danzanti - qualcosa come antichi amorini e allo stesso tempo angeli medievali in forma di fanciulli nudi, a volte alati, raffigurati in movimento. Questo è un motivo preferito nella scultura del Rinascimento italiano, che si diffuse poi nell'arte dei secoli XVII-XVIII. Per quasi dieci anni Donatello ha lavorato a Padova, antica città universitaria, uno dei centri di cultura umanistica, città natale di Sant'Antonio da Padova, profondamente venerato nella Chiesa cattolica. Per la cattedrale cittadina, dedicata a Sant'Antonio, Donatello completò nel 1446-1450 un grande altare scultoreo con numerose statue e rilievi. Il posto centrale sotto il baldacchino era occupato dalla statua della Madonna col Bambino, ai lati della quale si trovavano sei statue di santi. Alla fine del XVI sec. l'altare fu demolito. Solo una parte di esso è sopravvissuta fino ad oggi, e ora è difficile immaginare come fosse originariamente. Quattro rilievi d'altare pervenuti fino a noi, raffiguranti le gesta miracolose di Sant'Antonio, ci permettono di apprezzare le insolite tecniche utilizzate dal maestro. Questo è un tipo di piatto, come se fosse un rilievo appiattito. Le scene affollate sono presentate in un unico movimento in un'ambientazione di vita reale. Enormi edifici cittadini e portici fungono da sfondo per loro. A causa del trasferimento di prospettiva, si ha l'impressione della profondità dello spazio, come nei dipinti. Contemporaneamente Donatello realizzò a Padova una statua equestre del condottiero Erasmo de Narni, originario di Padova, al servizio della Serenissima. Gli italiani lo chiamavano Gattamelata (gatto astuto). Questo è uno dei primi monumenti equestri rinascimentali. La calma dignità è riversata in tutto l'aspetto del Gattamelata, vestito di armatura romana, con la testa nuda alla romana, che è un magnifico esempio di arte del ritratto. Una statua di quasi otto metri su un alto piedistallo è ugualmente espressiva da tutti i lati. Il monumento è posto parallelamente alla facciata della Cattedrale di Sant'Antonio, che permette di vederlo sia contro l'azzurro del cielo, sia in spettacolare confronto con le poderose forme delle cupole.
Negli ultimi anni trascorsi a Firenze, Donatello visse una crisi spirituale, le sue immagini divennero sempre più drammatiche. Creò un complesso ed espressivo gruppo "Giuditta e Oloferne" (1456-1457); una statua di "Maria Maddalena" (1454-1455) a forma di vecchia decrepita, eremita emaciata in pelle di animale; rilievi, di umore tragico, per la chiesa di San Lorenzo, completata dai suoi allievi. Donatello morì il 13 dicembre 1466 a Firenze.

Dettagli Categoria: Belle arti e architettura del Rinascimento (Rinascimento) Inserito il 16/10/2016 17:48 Visualizzazioni: 3001

Lo scultore italiano del primo Rinascimento, Donatello fu il fondatore del ritratto scultoreo individualizzato.

Il suo nome completo è Donato di Niccolò di Betto Bardi.

Dalla biografia

Ritratto scultoreo di Donatello agli Uffizi (Firenze)

Il futuro scultore nacque a Firenze intorno al 1386 e vi morì e fu sepolto nel 1466.

Suo padre era un semplice pettinatore di lana, ma riuscì a notare le capacità di suo figlio. Lo diede alla bottega del pittore e scultore Bicci di Lorenzo, dove ricevette una formazione artistica. Al termine dei suoi studi, Donatello visitò anche Roma (1404-1407) con l'architetto Brunelleschi, dove si perfezionarono con Lorenzo Ghiberti, famoso scultore, gioielliere, storico dell'arte italiano del primo Rinascimento.

Creatività Donatello

Una delle prime opere di Donatello fu un altorilievo raffigurante l'Annunciazione.

Donatello "Annunciazione"

Donatello "L'Annunciazione" (1428-1433 circa). Chiesa di Santa Croce (Firenze)
Ecco cosa scrive Giorgio Vasari di quest'opera: “Ha glorificato il suo nome creando l'Annunciazione di arenaria, che è posta in Santa Croce, sull'altare della Cappella Cavalcanti. Intorno a lui dipinse un motivo floreale... e sopra, sei bambini, disposti a coppie, con ghirlande di fiori, si abbracciano, come se temessero un'altezza vertiginosa.
Mostrò grande talento e abilità nella figura della Vergine, spaventata dall'apparizione improvvisa di un angelo, ella si inchina con grazia, timidamente e rispettosamente salutando l'angelo. Mitezza e gratitudine per il Dono inaspettato si riflettono sul suo volto.
Prima del viaggio a Roma, Donatello era dominato dalla direzione realistica della creatività. Dopo aver studiato gli esempi classici della scultura, ha inserito la plastica greco-romana nel suo arsenale creativo. Così, Donatello ha lavorato in due stili: realistico e classico.

Lo stile realistico include, ad esempio, statua di Maria Maddalena(1454 circa), che raffigura come una vecchia magra con i capelli lunghi. La statua si trova nel Battista fiorentino.
Tuttavia, le migliori opere dello scultore sono quelle in cui ha cercato la propria strada secondo i suoi ideali interiori. Ad esempio, una statua in bronzo del David.

Donatello "David"

Donatello "David" (1440 circa). Altezza 1,58 m Museo Nazionale del Bargello (Firenze)
Questa scultura è la prima rappresentazione di una figura nuda in piedi dall'antichità. Secondo il Vasari, la statua del David fu commissionata da Cosimo de' Medici. Ma queste informazioni non possono essere considerate affidabili. L'autore del piedistallo fu Desiderio da Settignano.
David è un personaggio biblico, un salmista. Donatello non lo raffigura secondo le tradizionali immagini degli eroi biblici. Questo è uno dei tre ritratti scultorei realizzati da Donatello. E in ognuno di loro, David appare in modo speciale.

Frammento

Bronze David è quasi un ragazzo con un corpo giovane e capelli lunghi. È completamente nudo: indossa solo un cappello da pastore e sandali con schinieri (un pezzo di armatura che protegge la parte anteriore della gamba dal ginocchio alla caviglia). La postura dell'eroe è libera, il peso del corpo è trasferito sulla gamba destra, e con la sinistra calpesta la testa del Golia che ha sconfitto.

Frammento

Nella mano sinistra tiene una pietra da una fionda - uno strumento di vittoria. Sul suo volto c'è il trionfo: sconfisse Golia (un enorme guerriero filisteo). Ma quando lo si guarda, è difficile immaginare che sia in grado di far fronte al gigante, quindi l'evento rivela il potere dell'intervento divino. Pertanto, la statua raffigurante un giovane debole in piedi sopra un nemico sconfitto parla dell'invisibile presenza di Dio in questa scena.

Donatello. Statua dell'Apostolo Marco

Donatello. Evangelista Marco (1411). Marmo. Chiesa di Orsanmichele (Firenze)
Nel 1411-1412. Donatello fece una statua di San Marco per una nicchia sul lato sud dell'edificio della chiesa di Orsanmichele, che ancora oggi adorna la nicchia ad essa destinata. La statua di Marco fu commissionata dai capisquadra della filatura del lino, motivo per cui Donatello elaborò con tanta cura i drappeggi degli abiti, raffigurandoli in una varietà di forme. La statua attirò immediatamente l'attenzione dei contemporanei, perché. Donatello ha espresso con grande maestria il carattere individuale del personaggio. La figura di Marco è proporzionale, stabile e monumentale. La mano sinistra, tenendo il libro, tiene contemporaneamente il mantello, che cade a pieghe larghe, delineando il rilievo della gamba. La figura è piena di dignità. Tutto di questa cifra conta. Michelangelo disse della statua di Marco che “non ha mai visto una statua così simile a un uomo per bene; se quello fosse S. Mark, puoi fidarti dei suoi scritti.

Donatello. evangelista Giovanni

Donatello. Evangelista Giovanni (1410-1411). Marmo. Museo del Duomo (Firenze)

Nel 1408-1415. per la facciata del Duomo di Santa Maria del Fiore a Firenze, vari scultori realizzarono statue di quattro evangelisti: Giovanni il Teologo di Donatello, l'apostolo Luca di Nanni di Banco, l'apostolo Marco di Nicolò Lamberti, l'apostolo Matteo di Ciuffagni. Attualmente queste statue sono nel museo del duomo di Firenze. L'apostolo Giovanni seduto è raffigurato come un vecchio potente con braccia possenti, pieno di sobria dignità e nobiltà.
A partire da questo lavoro, Donatello entra in un nuovo periodo del suo lavoro e crea capolavori che aprono una nuova era nell'arte.

Donatello. Statua del Gattamelata (Padova)

Nel 1444, a Padova, Donatello fuse in bronzo una statua equestre di un condottiero (capo dei reparti militari) della Repubblica di Venezia del Gattamelata. Attualmente questa scultura si trova davanti alla chiesa di S. Antonio. Dai tempi degli antichi romani, non una sola statua simile è stata fusa in Italia.

Donatello resuscitò busti ritratto amati da greci e romani ma dimenticati nel medioevo. Particolarmente efficaci sono state le immagini dei suoi figli, sono molto individuali.

Donatello "Figura allegorica di fanciullo" (1430). Bronzo. Museo Nazionale del Bargello (Firenze)

Donatello "Ragazzo che vola con un pesce"
Nella sagrestia della chiesa di S. Lorenzo a Firenze sono presenti medaglioni a bassorilievo raffiguranti gli evangelisti, oltre a scene della vita di Giovanni Battista, ricche di drammaticità.
Insieme al suo allievo Michelozzo, Michelozzi Donatello realizzò diverse lapidi nelle chiese.

Donatello trascorse gli ultimi anni della sua vita a Firenze, lavorando fino alla vecchiaia. Lavorò in molte città: Firenze, Pisa, Siena, Prato, Roma, Padova, Ferrara, Modena, Venezia. Il maestro morì nel 1466 e fu sepolto con grandi onori nella chiesa di San Lorenzo, ornata di sue opere.

Chiesa di San Lorenzo (Firenze)
Le sue opere hanno deliziato i suoi contemporanei, nonostante la certa natura intransigente del maestro: non perseguiva la bellezza esteriore, non assecondava i gusti del pubblico, non cercava di rifinire eccessivamente le sue statue per non privarle della freschezza di il primo piano. Ha sempre fatto come meglio credeva.
La creatività di tali maestri è sempre richiesta.

Donatello nasce nel 1386 a Firenze, in una famiglia piuttosto semplice (il padre era impegnato nella lavorazione della lana e dei prodotti lanieri). Il suo talento di scultore e artista si manifestò presto, e fu mandato a studiare in uno dei numerosi laboratori di scultura di Firenze. È interessante notare che il compagno di studi di Donatello era un altro "titano del Rinascimento" architetto Brunelleschi. Insieme a lui, Donatello andò a studiare a Roma, alla scuola del famoso maestro Lorenzo Ghiberti.

Il futuro maestro del ritratto scultoreo fu pagato dal suo mecenate, il banchiere fiorentino Martelli.

Carriera

Tornato da Roma, Donatello iniziò a lavorare a numerosi ordini a Firenze, provenienti da aristocratici, banchieri, e anche dallo stesso Casimo de' Medici. In questo momento, il maestro amava due stili: classico e realistico, ma anche le sculture realistiche di Donatello scuotevano l'immaginazione dei contemporanei, fan della scuola classica greco-romana. Le opere realizzate dal maestro decorarono (e ora decorano) molti luoghi architettonici di Firenze: la Torre di Giotto, il Museo del Bargello, il Palazzo Vecchio di Casimo Medici.

Nel 1444 il maestro partì per Padova, dove lavorò alla decorazione della chiesa di Sant'Antonio. Donatello riuscì a far rivivere la tecnica che un tempo possedevano gli antichi maestri romani. Si può dire che il periodo padovano sia l'apice dell'opera del maestro.

Il maestro rimase a Padova fino al 1457, poi tornò di nuovo a Firenze. Nel 1457 iniziò a lavorare su una scultura di Giovanni Battista (ora si trova al Museo del Bargello a Firenze). Terminati i lavori, lo scultore iniziò a realizzare bassorilievi per decorare la chiesa di San Lorenzo. Nello stesso periodo Donatello lavorò alle lapidi per l'aristocrazia ecclesiastica.

Morte

Donatello continuò a lavorare fino alla vecchiaia, ebbe diverse botteghe e diverse centinaia di studenti che, dopo la morte del loro maestro, portarono a termine progetti che non aveva portato a termine. Il maestro morì nel 1466. Fu sepolto nella chiesa di S. Lorenzo, che un tempo ornava di bassorilievi.

Altre opzioni biografiche

• Anche una breve biografia di Donatello è piena di fatti interessanti. Si sa che Donatello ha lavorato molto. Accettava qualsiasi ordine, anche molto insignificante e piccolo. Il maestro non era interessato ai soldi, amava creare. È interessante notare che teneva tutti i proventi in un cestino appeso nella sua officina. Ogni discepolo del maestro poteva prendere da lì esattamente quanto gli occorreva.
• Donatello non ha voluto lasciare Padova. I maestri hanno semplicemente "riempito" di ordini solo perché non andasse da nessuna parte, ma non poteva vivere senza la sua amata Firenze.
• Audace per l'epoca la statua bronzea del David, opera maggiore del maestro, che ornava il giardino di Casimo Medici. Prima di Donatello nessuno poteva osare scolpire una scultura completamente nuda.
• Uno dei seguaci di Donatello fu il famoso scultore e artista Verrocchio, che a sua volta è il maestro del titano del Rinascimento italiano Leonardo da Vinci.
• Non si sa se Donatello avesse una famiglia. Non c'è praticamente nulla sulla vita personale del maestro, nessuna informazione. Si sa solo che molti a Firenze lo amavano e lo rispettavano e, dopo la sua morte, i cittadini decisero di proteggere con cura le sue sculture e di non permettere che venissero portate fuori Firenze.

Punteggio biografico

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